martes, 29 de abril de 2008

DIARIO DE UN REBELDE



SINOPSIS: Jim Carroll es un joven y talentoso adolescente que vive en Manhattan. Junto a sus amigos Mickey, Pedro, Neutron y Bobby, asisten a la escuela católica del barrio. Aunque su gran pasión es el baloncesto, todos ellos llevan uniformes sucios, hacen travesuras y nunca se arrepienten de nada. Pronto empiezan a esnifar productos de limpieza y a realizar pequeños hurtos en la calle. Ese será el primer paso antes de caer en el mundo de las drogas y pasar a formar parte de la marginalidad de la ciudad de Nueva York.

COMENTARIO: El espectador que se acerque por primera vez a Diario de un Rebelde se encontrará con la trágica historia de autodestrucción de un joven lleno de talento que no supo dar una orientación coherente a su vida. La película presenta a un joven que formaba parte de un entorno social terriblemente vulnerable y degradado; una persona inmersa en una realidad en la que las únicas opciones pasan por triunfar en el deporte o resignarse a una vida cargada de miserias. Esta desesperanza, esta falta de perspectivas es uno de los argumento que nos sirve para entender cual es la raíz del drama personal de Carroll.
Pero la película, y ahí radica su interés, no sólo trata la problemática desde una perspectiva social, sino que también nos habla de responsabilidades individuales, de incapacidad para gestionar las propias emociones, de falta de expectativas e ilusiones. El mayor enemigo del protagonista es el mismo; ni más ni menos. Lo que nos enseña la película, en el fondo, es que las decisiones son también importantes en el desarrollo de nuestras vidas.
Este es un título necesario y pensado para un público eminentemente joven, para un colectivo que no sólo se pueda sentir identificado con las opciones visuales o con el carisma de los protagonistas, sino que también pueda ver que en la vida, por difícil que nos parezcan las cosas, siempre nos quedan otras opciones y salidas; siempre existirán personas dispuestas a ayudarnos y a escucharnos en los momentos más bajos. No se trata de adoctrinar, sólo de mostrar las consecuencias del consumo de estupefacientes. No hay más verdad que esa
Dura, rigurosa, necesaria… Estos serían algunos de los adjetivos con los que se podría calificar a esta película cuyo visionado nos parece tan enriquecedor como didáctico. Si pensamos que muchos problemas, como el de las drogas, se han de tratar de forma directa, sin falsas moralinas y mostrando cuales son sus efectos, está es nuestra película. Su honestidad no nos puede dejar indiferentes y, a buen seguro, provocará una reflexión sería y concienzuda en nuestros mismos. Por cierto, Leonardo Dicaprio demostró con creces lo buen actor que es.

LO MEJOR: La honestidad con la que está narrada la historia. La falta de moralina tan típica de este tipo de productos.
LO PEOR: Un final muy precipitado.

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jueves, 24 de abril de 2008

LOS FALSIFICADORES



SINOPSIS: Berlín, 1936. Salomon Sorowitsch es el rey de los falsificadores de moneda. Cuando le detienen los nazis, es llevado a un campo de concentración donde es obligado a trabajar para ellos. Prono su suerte cambiará y será trasladado, junto a otro grupo de personas que trabajan dentro de las artes gráficas, a un campo especial con la misión de falsificar libras y dólares y romper así las economís de Estyados Unidos e Inglaterra. Esto le supone un dilema moral ya que cooperar con sus verdugos prolongará la guerra y podría significar la victoria para los alemanes

COMENTARIO: Los Falsificadores fue la gran sorpresa de los Oscars a la mejor película extranjera del año. La historia de unos falsificadores judíos que tienen que trabajar para los nazis y, aunque les ayuden a ganar la guerra, salvar de esa manera su vida, es una extraordinaria y sencilla (que no simple) historia cuya mayor virtud es la de lograr conmovernos y hacernos reflexionar sobre los límites de nuestra propia ética y moral en situaciones extremas. La película es muy directa y ante nosotros van sucediéndose una serie de secuencias que no sólo permiten que nos identifiquemos con unos personajes absolutamente creíbles, sino que también logra que descubramos, sin sensiblerías ni recursos emocionales fácilones, una parte de nuestra historia reciente que nunca debemos olvidar.
El cine alemán parece decidido a retratar, con honestidad y franqueza, una parte importante de su historia a través de películas que, además de bien hechas, lográn llegar y conectar con los espectadores. Tendríamos que aprender mucho de ellos y empezar a darles a las nuevas generaciones productos dignos sobre nuestra Guerra Civil, y no la basura revanchista y cutre, cargada de personajes planos y de una pieza, que acostumbramos a manufacturar en este bendito país.
Una extraordinaria película.
LO MEJOR: La emoción que emana la historia.
LO PEOR: Algunos bajones en el ritmo.
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martes, 22 de abril de 2008

SMOKING ROOM



SINOPSIS: La sucursal española de una empresa americana es obligada a poner en vigor la prohibición de fumar dentro de sus oficinas. A partir de ahora, quienes quieran fumar en horario laboral, deberán hacerlo en la calle. Ramírez, uno de los empleados de esta oficina compuesta principalmente por hombres, decide empezar a reunir firmas contra lo que considera injusto. Aparentemente todos están de acuerdo y le van a apoyar. Sin embargo, a la hora de la verdad los compañeros pondrán toda serie de excusas para evitar formar parte de esta lista.

COMENTARIO
: Smoking Room fue una pequeña sorpresa de esas que depara el cine español de vez en cuando. Rodada en el año 2002 con cuatro duros, un decorado único y con la presencia de uno serie de ilustres actores secundarios muy solventes, la película nos retrata las miserias morales a las que todos nos enfrentamos en nuestro trabajo diario. Un guión muy bien trazado sirve para retratar a una serie de personajes que, en el fondo, viven sus propias contradicciones personales y laborales en un mundo cada día más cambiante donde los valores, en el fondo, sólo los marca el gran capital. La idea de una oficina donde se prohíbe fumar es simplemente la metáfora de una sociedad que cada día nos tutela con mayor intensidad considerando, por ende, que somos idiotas y que nos ha decir que hacer o pensar. Tal como dicen los autores, siempre nos queda como último recurso el fútbol.
Cinco años después, el gobierno prohibió fumar en todo lugar público, incluidos los centros del trabajo. Una vez más el cine se adelanta a la realidad.

LO MEJOR: Los actores, sencillamente extraordinarios.
LO PEOR: Una cierta dejadez en la puesta en escena.

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lunes, 21 de abril de 2008

HOOSIERS: MÁS QUE ÍDOLOS


SINOPSIS: Norman Dale es un entrenador de baloncesto que, debido a su accidentado pasado, se encuentra con una última oportunidad al ser contratado para dirigir a un pequeño equipo estudiantil de indiana. A pesar del rechazo inicial que sufre por parte de los jugadores, un antipático profesor y unos vecinos que intentan echarle, Dale perserva con una conducta energética y una pasión inquebrantable por el juego. Pero ganarse al equipo es sólo la mitad de la batalla en un mundo en el que los equipos de pequeñas localidades pueden acabar jugando contra rivales de primera... y un forastero oprimido puede levantar el orgullo de todo un condado.

COMENTARIO
: En general no me gusta nada el cine deportivo. Con la excepción de algunos títulos dedicados al boxeo, considero que las películas deportivas son previsibles, simplonas y siempre hablan de lo mismo: la superación personal y la fuerza de la voluntad. Considero que en muy pocas de ellas se explica la verdadera interacción de un equipo y los problemas que pueden surgir dentro de él. Un par de títulos que se salen de la norma y merecen todo el interés serían Un domingo cualquiera de Oliver Stone y este Hoosiers que ahora nos ocupa.
Dirigida en el año 1986, la película nos muestra los avatares de un veterano entrenador por llevar a su equipo a las más altas cotas de excelencia. Desde el principio, el director sabe crear personajes humanos y creíbles; seres de carne y hueso con los que el espectador vibra yb se siente identificado. Aunque tiene los tópicos habituales del género, la película narra con detalle el trabajo motivacional y específico que lleva a cabo el entrenador interpretado magnificamente por Gene Hackman permitiéndonos entender las causas y consecuencias de todo lo que sucede en la pantalla. Además, al cesar lo que el es del Cesar, la puesta en escena es sobría pero efectiva y en todo momento potencia y reafirma el mensaje que se nos quiere transmitir.
Una gran película, la mejor sobre baloncesto, que han de descubrir las nuevas generaciones.

LO MEJOR
: Las interpretaciones; la soberbia banda sonora de Gerry Goldsmith
LO PEOR: Es bastante previsible.

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domingo, 20 de abril de 2008

EL MÉTODO


SINOPSIS: Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba de selección de personal para una empresa multinacional. Entre ellos, las personalidades más dispares: el triunfador, el agresivo, la mujer insegura, el crítico, el indeciso... En un clima de tensa competitividad, la inseguridad de los participantes se convertirá en miedo y dudas y estos a su vez en un estado de paranoia general. A lo largo de un día, los aspirantes pasarán por pruebas y situaciones donde pondrán a prueba su personalidad la forma como se relacionan con los demás. En este claustrofóbico clima de y falta de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se destaparán pasados.
COMENTARIO: En el año 2004 se estreno en el teatro Poliorama de barcelonesas una obra que fue la sensación de la temporada. Su título era El método Grönholm y en ella se nos narraba, en clave de comedia dramática, el proceso de selección de cuatro personas que optan al puesto de ejecutivo de una multinacional. En ella se parodiaban los métodos modernos de selección y se hacía una curioso reflexión sobre la ambición y la estupidez del ser humano.
Como sucede con todas las obras de teatro que tienen éxito, el mundo del cine puso sus ojos sobre ella y filmó una adaptación que gozó de un gran éxito de público y crítica. La dirección se le encargó al argentino Marcelo Piñeyro, se modificó por completo el argumento (se parecen muy poco la película y la obra) y se contrato a un buen grupo de actores para interpretarla. Y el resultado...
El resultado es una buena película imperfecta.
Me explicaré. El método es una muestra de hasta donde es capaz de llegar la ambición de las personas. Durante este proceso de selección, no sólo vemos la interacción y los conflictos que surgen entre los candidatos, sino también observamos la situación de una empresa que cada día, bajo la excusa de los nuevos conceptos en liderazgo y gestión de recursos humanos, tiene un alma más negra y despiadada. En este sentido, la película funciona y nos atrapa en su enrevesada trama. Ahora bien, hay que reconocerle que la historia tiene errores a la hora de configurar las relaciones de los personajes (hay cosas que resultan bastante increíbles y poco lógicas), que su puesta en escena es plana y excesivamente teatral y, sobre todo, que se le ha querido dotar de un cierto discurso social que, no nos vamos a engañar, ni aporta nada ni ayuda a entender mejor lo que realmente interesa: como el alma humana es capaz de casi todo por simple ambición.
Repito, una película imperfecta pero interesante.
LO MEJOR: Las relaciones entre los personajes. Destacar al extraordinario actor argentino Pablo Echarri.
LO PEOR: Un guión al que le hacían falta un par de buenas revisiones. La pareja Nawja Nimri (cada día se le entiende menos lo que dice) Eduardo Noriega.
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sábado, 19 de abril de 2008

LOS MONSTRUOS DEL TERROR



SINOPSIS: Un extraterrestre llamado Varnoff es enviado a nuestro planeta como avanzadilla invasora. Su objetivo es resucitar a los grandes monstruos clásicos (Drácula, Franquenstein, El hombre lobo y la momia) y con su ayuda dominar el mundo. Tras producirse algunas muertes, la policía empieza a invetigar descubriendo este horror sin límites.

COMENTARIO: Este pasado viernes tuve la inmensa suerte de departir durante unos minutos con el increíble Paul Naschy. Todo empezó cuando me acerque hasta el stand de la editorial Aleta y lo vi firmando un volumen de su obra "Waldemar Daninski: el retorno del hombre lobo" nada más y nada menos que a Tim Sale. La emoción del momento hizo brotar mi vena friki y, como podéis imaginar, compre el volumen (18 euros del ala) y espere pacientemente a que acabara de hablar con Tim Sale. Naschy me firmo el libro y yo aproveche para comentarle lo mucho que lo admiro, lo que me gusta esa película tan rara titulada El Carnaval de las bestias y alguna cosita más. El me dijo que estaba a punto de protagonizar una adaptación del cómic de Daninski que, además, sería la `producción más cara de la historia del cine español y me explicó que estaba a punto de rodar una prelícula protagonizada por Christopher Lee, que interpretará al Quijote, llamada Mi perro Aquiles. Al final le di la mano y con cara de idiota le comenté que había sido un placer.
Una vez en casa, más en frío, recreé la conversación en mi cabeza. Lo cierto es que lo me encontré en el stand de Aleta era a un señor muy mayor al que la mayoría de las nuevas generaciones que ahí se encontraban no sabían ni quien era. De sus proyectos no se que pensar: no se si son reales o delirios de un anciano que no acepta que su tiempo ya ha pasado. Sea lo que fuere, lo que no se puede negar es que este señor ha sido el mayor impulsor del cine de terror en nuestro país y que su entusiasmo y amor por el medio, a día de hoy, hace que se le perdone lo cutres que son la mayor parte de sus películas. Naschy es un mito y perdurará en la mente de todos los cinéfilos como yo.
Para homenajear al maestro, decidí visualizar Los monstruos del terror, una de sus primeras películas. Aunque Naschy tiene un papel secundario, la película es tan psicotrónico, excesiva, delirante y, para que lo vamos a negar, mala, que no merece la pena dedicarle mucho tiempo. Una serie B de los años sesenta con un argumento demencial, mal dirigida y que sólo merece la pena por ver unos decorados que parecen sacados de un puticlub de carretera comarcal. Un espanto sólo visible con unas copas de más y entre colegas.

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miércoles, 16 de abril de 2008

ROSARIO TIJERAS



SINOPSIS: Dos amigos de clase alta de Medellín, conocen en una discoteca a Rosario, una enigmática mujer de la que tanto Antonio, el introvertido, como Emilio, el galán, se enamoran. Tras establecer una relación con Emilio, la vida de Rosario se empieza a cruzar con ellos. Ella es una sicaria de los mafioso que no duda en matar cuando se lo piden. Tras perder a su hermano, Rosario se enamora de Antonio con el que vivirá su única historia de amor verdadero. Pero el destino...
COMENTARIO: En los últimos años existe una corriente de opinión que, sin saber muy bien por que, considera al cine venido desde Latinoamérica como unos de los más frescos e innovadores del actual panorama cinematográfico. Todo empezó con el éxito de algunas producciones argentinas como El hijo de la novia y Nueve reinas o cubana con Fresa y chocolate al frente. Personalmente, nunca he entendido demasiado está especie de admiración por el cine latino. Como en cualquier continente, ahí se hacen buenas, regulares y malas películas. Ítem más: en los últimos tiempos noto una cierta tendencia entre esos directores por repetirse, utilizar esquemas trillados y, que me perdonen, repetirse más que el ajo. Vamos, que me empiezan a cansar las historias de argentinos melancólicos (bueno, de argentino: Ricardo Darín, más visto que el tebeo), cubanos "oprimidos" por los turistas españoles (y sólo un poquito por el propio régimen), de colombianos sicarios y adaptaciones mediocres de novelistas latinoamericanos. ¿Que le vamos a hacer? Me cuesta mucho conectar con ese cine.
Por ello no entiendo mucho el entusiasmo que suscito esta Rosario Tijeras, una película previsible, mal narrada, horriblemente interpretada y que, en determinados momentos, se hace insufrible. Si tuviera que definir la película, lo haría como un intento de hacer un túrmix entre el cine de Quentin Tarantino y los esquemas más trillados del cine social, adobado con salsa propia del culebrón latino más casposo. En fin, una película muy floja a la que nada ayuda la presencia de una tan bella como espantosa actriz llamada Flora Martínez.

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martes, 15 de abril de 2008

DEAD SILENCE



SINOPSIS: En el tranquilo pueblecito de Ravens Fair cuentan la historia de Mary Shaw, una ventrílocua que enloqueció. Acusada de haber matado a un niño, los habitantes del pueblo la persiguieron, le cortaron la lengua y le mataron. Desde entonces, Ravens Fair ha estado perseguido por la muerte. Lejos de su pueblo natal, el joven matrimonio formado por Jamie y Lisa Ashen creían haber comenzado una nueva vida. Pero cuando Lisa es brutalmente asesinada, Jamie regresa a Ravens Fair para el entierro. Partiendo de la leyenda de Mary Shaw, Jamie no solo descubre que existe una maldición, sino lo que esconde la cancioncilla de su niñez: "Si la ves, no grites o te quedarás sin lengua".

COMENTARIO: En el año 2004, un joven director malayo afincado en los Estados Unidos y llamado James Wan, sorprendió a propios y extraños con una cinta de terror de bajísimo presupuesto y sorprendente guión llamada Saw. Este título, que para muchos inauguro un subgenero llamado hardgore (esto es pelis con giros argumentales inesperados y muertes tan creativas como salvajes) cosecho un éxito de taquilla tan impresionante que dio pie a tres secuelas (y lo que te rondaré morena; el último título todavía ha dado mucho dinero) e hizo millonario a su creador. Este, que no esperaba ni por asomo ese entusiasmo por parte del público, decidió dedicarse a producir secuelas de su película, vivir como un maharajá y contar billetes de cien dólares. Tres años después, al hombre le entra el gusanillo de la dirección y ofrece al gran público su nueva propuesta. Esta recibió el nombre de Dead Silence y es la película que nos ocupa.
Lo cierto es que la premisa inicial de la película no estaba nada mal. La idea de un pueblo amenazado por el fantasma de una ventrílocua que fue asesinada brutalmente unos años antes es cuanto menos atractiva. Además, no lo vamos a negar, esos muñequitos de madera que a mi, personalmente, me producen tan mal rollo, tienen un enorme potencial para darnos miedo. Eso ya lo demostró Richard Attenborough en Magic, Dario Argento en Rojo Oscuro o, sin ir más lejos, Chicho Ibañez Serrador con un extraordinario capítulo de Historias para no dormir. Así, el resultado final de la película de Wang es un pelín decepcionante ya que se limita a manufacturar un producto de terror al uso y descuida las enormes posibilidades de los muñequitos de marras. Me imagino que su idea inicial era crear una franquicia al estilo Pesadilla en Elm Streat, pero todo es tan funcional y aséptico que, la verdad, la peli ni emociona ni irrita.
Dead silence
es un producto de terror bien hecho, que no molesta pero como el que podemos encontrar centenares en los videoclubs.

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lunes, 14 de abril de 2008

ILSA, LA REINA DEL HAREN



SINOPSIS: Tras gestionar el campo de concentración nos encontramos a Ilsa unos años después, pero igual de joven y lozana, en un país árabe. Su misión es la de controlar el harén de mujeres hermosas de todo el mundo que el jeque El Sharif (un hombre tan rico como corrupto). Un agente de la CIA consigue cautivar a Ilsa y los dos se deshacen de Sharif para subir al trono al sobrino de este.

COMENTARIO: El éxito impresionante de Ilsa, la loba de las SS, hizo que los productores decidieran filmar un secuela en la que el personaje interpretado por Dyanne Thorne viviera nuevas aventuras. Dirigida de nuevo por Don Edmonds, la cinta cuenta con un presupuesto algo más amplio (teniendo en ciuenta que hablamos de una serie B) y un interés por incrementar la calidad final del producto. El resultado final es, desde mi punto de vista, algo inferior al logrado en la primera película. Por un loado se han limitado las dosis de erotismo y violencia, dejándole más sitió a la aventura y a unos diálogos fráncamente absurdos. Si bien es cierto que cuenta con alguna secuencia destacada (la lucha entre las dos guardas de color y el soldado, la humillación pública de Ilsa con el tullido), la impresión final es la de un producto casposo y algo desmadrado. Lo más destacado es el carismo de la Thorne que sabe dotar a su personaje de una fuerza fuera de toda duda.
En fin, un entretenimiento que pierde parte de la fuerza del original en pro de potenciar más la aventura. Aun habría una tercera parte.

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domingo, 13 de abril de 2008

ILSA, LA LOBA DE LAS SS



SINOPSIS: Ilsa es la implacable comandante de un campamento medico nazi. En este lugar se usa a las mujeres prisioneras para llevar a cabo dolorosos y brutales experimentos médicos. Ilsa también utiliza a los reclutas masculinos para acostarse con ellos y al día siguiente castrarlos (según sus palabras "un hombre que se acuesta conmigo no se acuesta con ninguna mujer mas"). Todo cambiará cuando llegue al campo de concentración un joven norteamericano.
COMENTARIO
: En el año 1975 una directora italiana semi desconocida llamada Liliana Cavani, estrenó una película que se convirtió en un acontecimiento sociológico. La cinta se titulaba Portero de noche, y en ella se nos explicaba la morbosa relación entre un antiguo nazi y una mujer judia que fue torturada por el durante su estancia en un campo de concentración. Aunque la película no era nada del otro mundo (personalmente nunca la he visto como una cinta erótica sinó como un drama sobre dos personajes al límite), la directora tuvo el acierto de aunar erotismo con imaginería nazi, despertando los más bajos instintos del respetable que acudió en masa a las salas donde se programaba la cinta. Ello también hizo que los avispados productores europeos y norteamericanos especializados en Serie B, decidieran explotar el filón del erotismo Nazi, con una gran cantidad de películas en las que el sexo, la violencia y el gore eran moneda común. De entre todas ellas, la más famosa de todas fue esta Ilsa, la loba de las SS que ahora nos ocupa.
El que esté título de bajísimo presupuesto haya pasado a la historia del cine de explotación se debe a varios factores: 1) el carisma de su protagonista Dyanne Thorne, una voluptuosa y veterana actriz, que supo dotar al personaje de todo el morbo del mundo; 2) su capacidad para crear un ambiente malsano en el que la violencia, extrema y el sexo, estaban bien integrados y repartidos durante toda la narración y; 3) una entretenida trama que logra que la película pasé como un suspiro.
Sin ser una buena película (no podemos obviar que se trata de una producto de bajo presupuesto rodado en cuatro días), la cinta se convirtió en un objeto de culto. Hoy en día, cuando toda su supuesta truculencia está más que superada, la película ha quedado como una curiosidad, como un film sin ningún tipo de pretensiones que nos muestra una forma de entender el cine que, hoy en día, ya no existe.
Su éxito fue tan grandioso que dio pie a tres secuelas, de las que hablaremos en breve, de inferior calidad.

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sábado, 12 de abril de 2008

MANHATTAN



SINOPSIS: Isaac Davis, un neoyorquino de mediana edad, tiene un trabajo que odia como escritor de gags televisivos, una novia de 17 años a la que no ama y una ex-esposa lesbiana que está escribiendo un libro en el que narra todas las intimidades sobre su matrimonio. Pero todo cambia cuando conoce a Mary, la sexy e inteligente amante de su mejor amigo, y se enamora perdidamente de ella. Abandonar a su novia, acostarse con Mary y dejar su trabajo es sólo el comienzo de la búsqueda del amor verdadero y de la realización de uno mismo en una ciudad inmortal.
COMENTARIO: Dentro de la obra de Woody Allen existen varias etapas que, con mejores o peores títulos, definen a la perfección las obsesiones e intereses artísticos del autor newyorkino. Para el que suscribe, su mejor época es la que inició a mediados de los setenta cuando, tras abandonar las comedias, se embarcó en una serie de proyectos en los que reflexionaba sobre el sexo, la incapacidad de madurar, el amor y todas las grandezas su miserias que afrontamos los seres humanos cuando alcanzamos la madurez. Esta etapa dio inició en 1977 con la obra maestra Annie Hall y finalizó en 1986 con otra extraordinaria película titulada Hanna y sus Hermanas. En medio, una serie de películas en su mayoría brillantes que van desde la introspección bergmaniana de Interiores o Recuerdos, hasta la fabulación de Broadway Danny Rose o La rosa púrpura del Cairo, pasando por experimentos de la categoría de Zeling o La comedia sexual de una noche de verano. Dentro de este periodo de excelencia creativa y madurez artística, hay una película que a un servidor le cautiva sobremanera: la inmortal Manhattan.
Los que me conocen ya saben que la cigüeña se equivocó conmigo. Que en lugar de haberme depositado en pleno Aragón, a mi me tendrían que haber dejado en mitad de Manhattan. Si, yo soy un newyorkino frustrado, alguien a quien la ciudad de los rascacielos le insufla vida, ilusiones, sueños. Mi admirado Terenci Moix creía que tenía que haber nacido en el antiguo Egipto; yo, y cada día lo tengo más claro, creo que sólo soy plenamente feliz cuando estoy en mi adorada Nueva York.
Por ello soy incapaz de ser mínimamente objetivo ante una película que es el mayor canto de amor a esa ciudad. Este es un título que he visto infinidad de veces, que nunca deja de gustarme, que me atrapa, con el que pierdo toda racionalidad y capacidad de análisis, que me cuenta cosas que me interesan, que me hacen reflexionar, que me emocionan, que me recuerdan a mi mismo. Y esa imagen del puente de Brookling... y esa música de George Gershwin.
Ya ven, una película fundamental en la concepción emocional de mi vida. Que forma parte de mi vida. Gracias a películas como Manhattan he aprendido a amar a ese compañero llamado cine que nunca, nunca me ha fallado.
Y que más quieren que les diga.

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viernes, 11 de abril de 2008

EL HOMBRE PERSEGUIDO POR UN OVNI



SINOPSIS: Un escritor de novelas de ciencia ficción ve como una nave espacial de origen desconocido le persigue sin un motivo aparente. Tras huir de ella y enfrentarse a unos mutantes, al final es abducido para descubrir que, sin pretenderlo, es una pieza clave para que una civilización extraterrestre sobreviva.

COMENTARIO: Toda cinematografía que se precie tiene esa película incalificable; cuenta con una marcianada que, por rara, extraña, invisible e imprevisible, merece ser tenida en cuenta y disfrutada. El hombre perseguido por un Ovni podría ser perfectamente esa película para el cine español.
La propaganda califica a su director, Juan Carlos Olarria, como el Ed Wood español. Tras ver la cinta, esa comparación nos parece del todo acertada. La película es amateur, cutre, esta realizada sin ningún tipo de lógica ni coherencia, los actores son pésimos y todo parece una inmensa broma. Pero, tal como sucedía con los films de Wood, la película destila un entusiasmo, un amor por el cine y una sensación tan grande de que el director creía en el proyecto que estaba llevando a cabo que resulta totalmente contagiosa. Es admirable ver en los extras del DVD como el hombre que ha perpetrado este bodrio defiende la película, explica su ilusión por poner en imágenes el guión, se lamenta de la precariedad del presupuesto, de los problemas.
Esta es una película espantosa, pero sólo por el entusiasmo y el amor por el cine que emanan sus paupérrimos fotogramas merece el calificativo de película de culto.
Véanla, véanla y sorpréndase.

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sábado, 5 de abril de 2008

LA ISLA DE LOS HOMBRES PECES



SINOPSIS: Un barco lleno de presidiarios naufraga cerca de una isla misteriosa. En su interior, unos extraños seres asesinan a la mayoría de los hombres quedando únicamente dos con vida. Estos se encuentran con una mujer que les conduce hasta una mansión habitada por ella y su tiránico y violento marido. Dentro de la casa descubrirán un misterio relacionado con la manipulación genética y los antiguos habitantes de la mítica Atlántida.

COMENTARIO: La memoria y la nostalgia tienden a ser traicioneras compañeras de viaje. Recuerdo que cuando tenía diez u once años, una tarde de domingo fui a una de las sesiones de cine que daban en el colegio religioso en el que tuve la desgracia de pasar ocho años de mi vida, para ver una película que me dejó completamente alucinado. En la pantalla contemple una maravillosa historia protagonizada por unos aventureros que se enfrentaban a unos fascinantes hombres peces en una isla de los mares del sur. Para mi aquello fue una experiencia casi mística, una muestra del poder del cine y un adelanto de cuanto lograría impactarme este medio en los años venideros. Esta increíble aventura, esta película poblada de seres mitológicos fue, en parte, uno de los grandes causantes de mi amor por el séptimo arte.
Años después descubrí que la cinta se llamaba La isla de los hombres peces, que su nacionalidad era italiana, su afiliación la serie B y su realización corrió a cargo de un director de segunda fila llamado Sergio Martino, un señor que tanto dirigía un spaghetti western, una película fantástica, o un drama erótico al servicio de cualquier efímera y voluptuosa estrella italiana (y que se hizo tristemente famoso hace unos años cuando a algún iluminado de la TV1 se le ocurrió programar su película La montaña del dios caníbal en horario infantil). Las crónicas decían que se trataba de una la cinta era una entrañable caspa, un típico producto italiano de los años setenta en el que, con mucha imaginación, morro y escaso presupuesto, sólo se buscaba entretener a los espectadores.
Por todo ello y con la vana idea de mantener inmaculado el mi maravilloso recuerdo de infancia, siempre me negué a verla; me impuse a mi mismo no pervertir y romper la magia del recuerdo... Hasta hoy.
Y si, la película es una serie B sin pies ni cabeza, los efectos son cutres y pobres, los actores horrorosos (como curiosidad diré que sale Barbara Bach, la preciosa señora del Beatle Ringo Starr) y el guión infumable… pero tiene un encanto especial y se nota que sus responsables quisieron realizar un producto digno, una simple cinta de acción y aventuras que, de alguna manera, recuperase el espíritu de las novelas pulp o los cómics de la EC. Si, La isla de los hombres peces es una mala película: pero es una mala película hecha con el suficiente amor por el cine como para cautivar la imaginación de un niño de principios de los años ochenta. Y, ojo, se que no estoy siendo en absoluto objetivo. Pero por una vez y sin que sirva de precedente, espero se me disculpe el pecado.

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jueves, 3 de abril de 2008

EL PASTIS


Hoy voy a hacer una pequeña excepción en este blog de cine y voy a publicar una entrada que nada tiene que ver con mi idolatrado séptimo arte, sino con algo que me parece tan grave como indignante.
En Barcelona, mi querida ciudad, existe un mítico bar llamado El Pastis. Este pequeño local, situado en la calle Santa Mónica, muy cerca de las Ramblas, lleva más de sesenta años ofreciendo a su clientela un extraordinario ambiente en el que, bajota música de clásicos franceses como Jacques Brel o Edith Piaf, muchos hemos aprendido a amar Barcelona. En el bar hay actuaciones en directo, un ambiente bohemio y se puede degustar el típico Pastis (un aguardiente característico de la zona de Marsella) o lo que a uno le venga en gana. El Pastis es pequeño, kitsch, está lleno de humo y dentro uno tiene la sensación de que el tiempo se ha detenido por completo. No es ni el más lujoso, ni el más cómodo ni el más bonito… pero tiene un encanto tan especial, es tanta la historia que han visto sus paredes, que ha logrado cautivar a muchísimas generaciones de barceloneses a lo largo de los años.
Bien, pues nuestras queridas autoridades municipales han decidido cerrar el local. La razón: la música en directo y las conversaciones de los clientes molestan a los inquilinos de unos apartamentos para turistas que hay en el piso superior. Una vez más, la tradición, los recuerdos, los sueños y todo aquello que una vez hizo grande a mi ciudad, se supedita al vil metal, a la “pela”, a las exigencias de un turismo cutre que sólo busca cervezas, sol y paella. Es así de triste; así de ingrato; así de injusto; así de cierto.
El ayuntamiento se está cargando poco a poco el alma de mi ciudad. Cada día tengo más sensación de vivir en una ciudad provinciana que esta perdiendo su alma, que una vez fue grande y única y que, cada día más, se está convirtiendo en una sombra de si misma por culpa de los grises burócratas que nos gobiernan; a causa de unos gilipogres que no entienden nada de lo que es la Barcelona real. Pero: ¡como se van a enterar unos señores que viven en la zona alta y que pasan las jornadas festivas en sus casitas de la Costa Brava o la Cerdanya! Que saben todos ellos de las noches de Barcelona, de las personas que en locales como el Pastis han aprendido a amar la ciudad, han descubierto una parte de si mismos, se han enamorado o, simplemente, han pasado unos maravillosos minutos de su vida bajo los acordes de “La vie en Rose”.
Cada día siento más envidia de esa cutre y mágica Barcelona preolímpica que nos describía Vázquez Montalban en las primeras novelas del detective Carvalho; de la Barcelona canalla y Underground de la que hablan Onliyu o José Ribas, de la que mostraba Ventura Pons en sus primeras películas, de la que cantaba Gato Pérez… incluso de aquella que describe el inefable Jiménez Lozanitos en su obra “La ciudad que fue”.
Imagino que se envidia aquello que no se ha conocido. Que si yo hubiera rondado durante aquello años por la ciudad, no la mitificaría tanto. Tal vez ese sea el problema. Pero lo único cierto es que ya han cerrado La Paloma y La Cibeles, han obligado a remodelar el mítico Cangrejo y, poco a poco, sólo están dejando en el centro infinidad de Tabernas Irlandesas en las que unos gañanes colorados como gambas y ebrios de cerveza, se dejan sus euros viendo en televisión cualquier partido de la Premier League. ¿Qué vendrá después? La Concha, El Marsella, El Karma, El Sidecar, El Romesco, El Fantástico, El Havana (Así, con V), El Malpaso, El Tequila… Si es que ha cerrado hasta el mítico bar California.
Os dejo un enlace para que firméis contra el cierre del Pastis. Este bar ha de ser la metáfora de un concepto de Barcelona que algunos no deseamos que desaparezca nunca.
http://www.loquo.com/ps/comunidad/artistas-musicos/nos-cierran-el-pastis-2-parte/8528253

PD: Para todos aquellos que no seáis de la ciudad Condal, os recomiendo visitar los locales que he citado en el post. Seguro que descubrís una ciudad muy diferente a la que os ponen en las guías.

POZOS DE AMBICIÓN



SINOPSIS: La película narra el éxito de Daniel Plainview, que pasa de ser un minero extremadamente pobre que cría a su hijo sin ninguna ayuda a convertirse en un magnate del petróleo hecho a sí mismo. Gracias a un misterioso soplo, Plainview descubre la existencia de un mar de petróleo bajo la tierra de un pequeño pueblo del oeste, y se lleva a su hijo, H.W., a probar suerte en el polvoriento Little Boston. Y es este pueblo perdido Plainview y H.W. van a dar el golpe de sus vidas. Pero a medida que el petróleo les va haciendo cada vez más ricos, los conflictos van apareciendo: la corrupción, la mentira y las ingentes cantidades de petróleo pondrán en serio peligro sus valores humanos

COMENTARIO: En el año 1997 Paul Thomas Anderson deslumbró a medio mundo con su segunda película Boogie Nights. Esta película estaba basada en la biografía del actor porno John Holmes, un hombre que protagonizó más de mil películas y cuyo mayor valor se encontraba en los más de treinta centímetros que colgaban entre sus piernas, la película nos presentó a un director con un pulso narrativo firme y con capacidad para indagar en la psicología de los personajes. Todo ello se confirmó con su siguiente obra, la extraordinaria Magnolia, una película coral donde se nos explicaba la odisea vital de varios personajes sumidos en la confusión y la desesperación. Tras fracasar en taquilla con Embriagado de amor, de la que nada puedo decir ya que no he visto, Anderson sorprende a propios y extraños ofreciéndonos una epopeya histórica centrada en la biografía de un magnate del petróleo.
Una vez vista, Pozos de ambición es una obra que sigue los patrones estéticos y estilísticos de Anderson. Dejando de lado cualquier intención de mostrar un biopic al uso, el realizador californiano nos ofrece un retrato del poder, la corrupción, la miseria moral y de como el dinero es capaz de conducirnos hacia los abismos más insospechados. La película es intensa, apasionante y magnética en su primera mitad. Lamentablemente, en su segunda mitad la función decae ligeramente y la historia se vuelve algo reiterativa y tediosa. En esta parte sobra bastante metraje (la duración total es de unos excesivos 158 minutos) que ralentiza la acción y no aporta nada interesante. A pesar de ello, esta es una buena forma de sumergirnos en lo más profundo y negro del alma humana. Por cierto, Daniel Day-Lewis está extraordinario durante todo el metraje, con la excepción de la secuencia final donde da toda una lección de lo que significa el concepto sobreactuar.

TRAILER