Mis películas, Mis heterodoxias

LA PIEL QUE HABITO

2011-09-03T01:39:00.000-07:00

SINOPSIS: Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el doctor Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ése no será el único crimen que cometerá a lo largo de su vida.

COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver La piel que habito. Almodovar es un director que siempre me ha gustado aunque me provoca sentimientos muy contradictorios; mientras en algunas ocasiones conecto con su particular universo y sus películas llegan a fascinarme, en otras sus historias me irritan y me parecen excesivas y ridículas. Ello, empero, no es óbice para reconocer que su fuerza visual me hipnotiza, que su capacidad para crear momentos inigualables es única en el cine mundial y que en sus películas siempre hay, por malas que sean, momentos sublimes de puro cine.
La Mala educación y Los abrazos rotos me parecieron de lo más flojo de su filmografía. La primera era una película desestructurada donde se intentaban explicar muchas cosas con muy poco acierto; la segunda un absoluto desastre que, pese a su fuerza visual, en muchas ocasiones sobrepasaba la frontera del ridículo. Volver, la cinta que dirigió en medio de las otras dos, aunque era una correcta película, no logró interesarme demasiado. Así, con la vana esperanza de encontrarme con una nueva Todo sobre mi madre o Hable con ella fui al Lauren Universidad a la sesión nocturna.
Y, la verdad, no sé muy bien que decir. ¿Es la piel que habito una genialidad o una inmensa y desmesurada tomadura de pelo? Hacía muchísimos años que no me pasaba algo así al salir de un cine. Y ello no es malo, ya que lo peor que te puede pasar con una película es que te deje indiferente. Pero, de verdad, la perplejidad que me ha dejado la película es tan grande que no se muy bien hacia donde decantarme.
Vayamos por partes. Visualmente la cinta es absolutamente fascinante. Almodovar ha logrado un nivel de madurez como narrador y hacedor de imágenes (y uso el verbo hacer con toda la intención del mundo) sin comparación en el cine mundial. El manchego es un mago con la cámara, un hombre que compone imágenes bellas y fascinantes que, sin por ello perder la capacidad narrativa, resultan completamente hipnóticas. Simplemente viendo como compone los planos, su capacidad para embelesar con las imágenes, como cuida hasta el mínimo detalle en la dirección de actores, uno no puede más que quitarse el sombrero y reconocer su talento. Creo sinceramente que en la piel que habito ha llegado al cenit de su capacidad creativa y la película, en sí misma, es un absoluto espectáculo visual. Ahora bien, el cine también es una historia, un guión, una sucesión de acontecimientos que se desarrollan y culminan en un clímax final. Y ahí, precisamente ahí está el mayor pero.
Y es ahí donde la película va de lo sublime a lo grotesco; de lo genial a lo desmesurado; de lo apasionante a lo absolutamente prescindible. La verdad es que la historia encaja como un mecanismo de relojería y casi todo tiene su lógica dentro de la narración. El problema es que en ningún momento logramos entender las motivaciones de los personajes (¿o tal vez si?), que sus actos carecen de sentido (¿o tal vez no?), que hay personajes y situaciones que sobran (¿O tal vez tengan su sentido dentro de la película?) y que el final es precipitado, ilógico y te deja con una extraña sensación de que al director, en el fondo, le interesaba más componer imágenes que narrar una historia. Repito, la película tiene secuencias brutales y otras ridículas, momentos mágicos y otros estúpidos (toda la parte del brasileño vestido de tigre) y, lo que es más extraño, uno no sabe si la cinta es una maravillosa historia de amor y obsesión o una simple ida de pinza del director manchego.
Por otra parte los actores están extraordinarios (mira que no me gusta nada Marisa Paredes, pero he de reconocer que está sublime), que la escenografía es genial y que todo funciona como un mecanismo de relojería y que los primeros 45 minutos son excelentes, pero….
En fin, no sé si he aclarado nada o he creado más confusión. Véanla y opinen ustedes mismo. Dos acotaciones. Vayan a verla sin saber absolutamente nada del argumento. Y una última cosa: no se si sólo me pasa a mí, pero Almodovar cada día me recuerda más a Fassbinder.

LO MEJOR: Su fuerza visual. Increíble
LO PEOR: No se si la historia es genial o un despropósito mayúsculo.

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GUTTERBALLS

2011-08-31T02:33:00.000-07:00

SINOPSIS: Dos grupos de jóvenes se enfrentan en una bolera y deciden retarse a una partida nocturna de bolos. Esa misma noche, una de las chicas de un grupo es salvajemente violada. A la noche siguiente empieza la partida y un misterioso jugador que responde a las siglas BBK decide entrar en el juego asesinando cruel y sanguinariamente a todos su rivales en lo que parece un acto de calculada venganza.

COMENTARIO: En los últimos años desde los Estados Unidos nos están llegando una serie de producciones de terror de bajísimo presupuesto en las que los directores y realizadores se dejan llevar por su enfermiza imaginación, creando productos locos, desmadrados, divertidos y, porque no decirlo, sin pies ni cabeza. Son películas baratas, con actores semi amateurs, pensadas para la distribución directa en videoclubs y creadas para los fans más frikis del cine de terror.
Gutterbals sería un buen ejemplo de ello. Su realizador Ryan Nicholson, un experto en maquillaje, nos ofrece una mezcla de cine de rape and vengance (chicas violadas salvajemente que se vengan) y slasher en el que el desmadre es la nota dominante. Aquí el malo es un tipo que lleva por máscara una bolsa para guardar bolos (absolutamente cierto) y mata con todo tipo de objetos sacados de una bolera. Obviamente las muertes son brutales (por poner un ejemplo, a una pareja los ahoga mientras practican un 69) y sangrientas, los efectos convincentes, hay desnudos gratuitos a manta y la locura e incoherencia campa a sus anchas. Como obviamente la lógica del guión es lo de menos, se improvisa un final embarullado que no hay Cristo que enienda y todos felices.
Una película con su parte divertida, pero sólo recomendada a los amantes de este tipo de cine o a todos aquellos que busquen algo diferente. Y lo que decimos siempre: abstenerse estómagos sensibles.

LO MEJOR: Su absoluta y total falta de vergüenza
LO PEOR: Por destacar algo entre todo lo malo, los actores son pésimos.

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¿ES EL CINE EN TRES DIMNSIONES UNA TOMADURA DE PELO?

2011-08-31T02:10:00.000-07:00

Antes de cualquier otra contingencia quiero pedir disculpas por un titular tan explícito como este. Pero es que no se me ocurría otra forma de encabezar un artículo de opinión en el que, como haré a continuación, daré mi particular opinión sobre el fenómeno de las tres dimensiones que se ha puesto tan de moda a partir del apoteósico éxito de Avatar. Y es que no hay que ser muy avispado para darse cuenta de que tras esta tendencia no hay más que una soberana y monumental campaña de marketing. Hace unas meses decidí ir al cine Bosque de Barcelona a ver El sicario de Dios. Mi idea era visionar una cinta de ciencia ficción, basada en un prestigioso cómic coreano y con la que, siendo consciente de que no era ni mucho menos una obra maestra, esperaba pasar al menos una hora y media de entretenimiento y evasión. Vamos, exactamente lo que yo necesitaba en aquellos momentos.
Cuál fue mi sorpresa al llegar a taquilla y comprobar que la película sólo se proyectaba en tres dimensiones. Aunque era Miércoles, día del espectador, la entrada me costó mis buenos 8 euros, tres más de lo habitual. Como no llevaba gafas, tuve que desembolsar un euro más para poder ver la película en condiciones. En resumen: nueve euros para ver una cinta de presupuesto medio, calidad más que dudosa y que sólo me iba a proporcionar sano entretenimiento. Y afortunadamente no me gustan las palomitas.
La película era exactamente lo que esperaba, un espectáculo inocuo que se olvida tan rápidamente como se consume. El gran problema es que las tres dimensiones no servían ni aportaban absolutamente nada; ¡Pero nada de nada! Lo más triste es que esto me ha pasado con la inmensa mayoría de cintas que he visto en este formato. Airbender, Thor, Torrente 4 o Furia de Titanes son cintas a las que el nuevo formato ni mejora ni empeora, films que estaban pensados y planificados para ser proyectadas en dos dimensiones y a las que la moda y la codicia de los productores han transformado en un espectáculo tan vacuo como caro para el espectador. Y dejo de lado el tema de la animación para niños, porque eso sería para dar de comer a parte (me da algo cada vez que pienso que me dejé, entre entradas, palomitas y Coca Colas, treinta euros para ver un bodrio tan infumable como el Oso Yogui ¡Lo que hay que hacer por los hijos!).
En estos tres años en los que las tres dimensiones se han normalizado en nuestras carteleras, sólo he visto dos títulos en los que no me he sentido timado o estafado: Avatar y San Valentín sangriento. Mientras la primera era una cinta pensada, planificada y filmada en función de ese formato, y eso se nota, la segunda era una serie B de terror que al menos lograba epatar al espectador con las 3D. En el resto de los casos su utilización era absolutamente prescindible.
En los años ochenta se pusieron brevemente de moda las tres dimensiones. Les hablo de aquellos tiempos en los que las gafas no eran esas lentes polarizadas de plástico que no dan ahora, sino unas cutreces de cartón blando con unas lentes configuradas por sendos celofanes de color rojo y azul. Recuerdo que la primera película que vi en ese formato fue la tercera parte de Viernes 13. A ella les siguieron un par de producciones terroríficas de bajo presupuesto cuyo título no recuerdo, y la cuarta parte de la saga Emmanuelle protagonizada por Sylvia Kristel. Fue una moda efímera y muy pronto desapareció por completo de las pantallas. A partir de ese momento las tres dimensiones se convirtieron más en una atracción de feria que en otra cosa. Los cines Imax o determinados parques de atracciones temáticos fueron los únicos que siguienron creyendo en un formato cuya producción era eminentemente documental.
Y llego Avatar. Y todo cambio.
Personalmente considero que esto no es más que una moda. Estoy seguro que con el tiempo las cosas se regularán y que, aunque el formato tendrá una presencia más o menos continuada en los cines, esta se limitará a películas en las que las tres dimensiones tengan algún sentido; ya sea como elemento narrativo, ya sea como estrategia para potenciar un espectáculo que despierte la curiosidad de los espectadores. Como ejemplo de esto último tenemos el enorme éxito que está cosechando en toda asía Sex and Zen, una película de corte erótico donde las 3D se limitan a potenciar los atractivos que, a priori, tienen las cintas pertenecientes a este género.
Por lo que a mí respecta, me retiro de las 3D hasta que no tenga la garantía de que el producto merece realmente los 11 euros que tengo que desembolsar por el. Vamos, que no me toman más el pelo con películas de medio pelo cuyo formato ha sido modificado rápido, mal y en sabe Dios que laboratorio cinematográfico de la India. Por ello durante todo el verano me he negado a ver una película en ese formato. Y mira que han estrenado unas cuantas.
Y es que no todo vale con tal de acercar a los espectadores a las salas.

CONAN EL BÁRBARO

2011-08-30T08:44:00.000-07:00

SINOPSIS: Las hazañas de Conan en la Era Hiboria nos muestran una búsqueda que comienza como una vendetta personal para el feroz guerrero cimmerio no tardará en convertirse en una épica batalla que lo enfrentará a descomunales rivales y horrendos monstruos. Contra toda esperanza de victoria, Conan se dará cuenta de que es la única posibilidad de salvación de las grandes naciones de Hiboria frente a la invasión de un mal sobrenatural.

COMENTARIO: En 1980, con 10 años, yo ya era un flipado de los cómics. Aunque mis favoritos eran Mortadelo y Spiderman, gracias a mi cuñado Manolo descubrí las increíbles aventuras de Conan el Bárbaro. Por ello cuando en 1982 se anunció el estreno de una película que adaptaba las aventuras del personaje, no dude en darle el coñazo a mi padre hasta que logré que me llevara al cine. Fue un sábado a la sesión de las cuatro y la sala escogida era el ya extinto cine Paladium de Barcelona. Cuando llegamos a la taquilla y mi padre vio que la película era autorizada para mayores de 16 años, lo primero que preguntó, en su bendita inocencia, fue si yo, un crio de 12 años, podía entrar. Le dijeron que acompañado sí. Las dos horas siguientes fueron simplemente alucinantes y aquella tarde se convirtió en uno de los recuerdos más bonitos que viví junto a mi padre y probablemente el día que descubrí lo mucho que me gustaba el cine.
Con los años vi muchas veces más el Conan de Schwarzenegger y ya con más criterio, fui capaz de descubrir que la película de John Milius, con todos sus defectos, era un gran film y una obra que pasaría a la historia del cine. Posteriormente llego una secuela más floja pero digna como Conan el destructor y una infame cinta llamada Red Sonja que es mejor olvidar. Es curioso que aunque el personaje seguía vendiendo novelas, cómics y aumentaba su popularidad, ninguna productora se había atrevido a llevarlo de nuevo al cine. ¿La sombra de Schwarzenegger era muy alargada? ¿La filosofía del personaje creado por Robert E. Howard no se adecuaba a los nuevos tiempos de corrección política? ¿Se esperaban tiempos mejores? Qui lo sa.
Lo cierto es que en 2011 ha llegado la esperada película y, al menos para mí, ha representado una pequeña decepción. Hay que reconocerle a la cinta una gran honestidad, ya que en todo momento tiene claro que su propuesta va encaminada a ofrecerles a los espectadores acción y violencia. Además la película es fiel al personaje y perfectamente podría ser uno de esos cómics guionizados por Roy Thomas y dibujados por John Buscema que tan buenos ratos nos han hecho pasar a algunos. Y es que no falta de nada: brujas, monstruos, guerreros, tetas, violencia, piratas… Pero a pesar de todo ello uno sale del cine con un regusto amargo ante un producto que podía haber sido muy grande y se ha quedado en una digna serie B de 90 millones de presupuesto.
Lamentablemente estamos ante un film menor, delante una cinta que respeta las esencias del personaje y sólo pretende entretener. Y eso que ni Jason Momoa está mal como cimeriano, ni Marcus Nispel se desenvuelve mal en la dirección ni la cinta aburre. Ahora, se nota, y mucho, que el guión es flojísimo, que los efectos son tirando a cutrones y que, en el fondo, los productores nunca han creído demasiado en el film.
Vamos, para pasar dos horas la mar de entretenidas y nada más.

LO MEJOR: Su falta de pretensiones.
LO PEOR: El guión es flojito, flojito.

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CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR

2011-08-30T07:52:00.000-07:00

SINOPSIS: Dr. Abraham Erskine es un científico que trabaja en el Proyecto Renacimiento: por medio de un suero experimental, podrá crear súper soldados que lucharán contra los nazis. Steve Rogers se ofrecerá como voluntario para probarlo, convirtiéndose entonces en el Capitán América, y se unirá a Bucky Barnes y Peggy Carter para combatir a la organización Hydra, dirigida por el villano Cráneo Rojo.

COMENTARIO: Tras Iron Man y Thor, ha llegado el momento de que el Capitán América, el tercero de los grandes vengadores, tenga su propia película. Creado en 1941 para la editorial Timely por los autores Joe Simon y Jack Kirby, la función inicial del personaje era servir como propaganda patriótica para concienciar a los norteamericanos sobre los peligros de la Alemania nazi. Su éxito fue tan grande que ya en 1944 se creó un serial cinematográfico protagonizado por el personaje. Tras la II Guerra Mundial y con el auge de los cómics de terror y suspense, el personaje desapareció de circulación y poco a poco fue cayendo en el olvido. No sería hasta 1964 cuando el avispado Stan Lee lo rescataría para la serie de Los Vengadores y le volvería a otorgar una aureolo de héroe mítico que, con los correspondientes altibajos, no ha perdido hasta la fecha.

Antes del estreno de los Vengadores, la que será la gran película del verano del 2012, era necesario presentar en sociedad a este Capitán América al que ya habíamos visto en la gran pantalla en el serial comentado y en una película de 1990 dirigida por el iniutil de Albert Pyun y de la que es mejor correr un tupido velo. Y la forma más lógica de hacerlo es retrotrayéndonos al pasado del personaje y ofreciendo una aventura enmarcada en los tiempos de la II Guerra Mundial. Vamos, que lo que los autores han intentado hacer es recrear la filosofía argumental de las hazañas bélicas adaptándolas a los nuevos tiempos y tamizándolas con un argumento pensado para todos los públicos. Tal vez por ello el resultado ha sido francamente irregular.
El Capitán América no es ni una película bélica pensada para adultos ni un entretenimiento veraniego disfrutable para todos los públicos; es más bien un híbrido que se queda en tierra de nadie y que no acaba de tirar hacia ninguna dirección.
Nada que achacar ni al diseño de producción (excelente), ni a los actores (inmaculados) ni a los apartados técnicos (perfectos), pero si a un guión que tras una primera media hora modélica, deambula por tierra de nadie en una historia confusa, abigarrada y, en algunos momentos, tediosa. Da la sensación de que la cosa nunca termina de arrancar y que el director Joe Johnston, que hace una labor correcta, no sabe muy bien que hacer con el material del que dispone. Una verdadera lástima ya que todo podría haber dado mucho juego si se hubiera sabido concretar más la acción.
Una película que se mueve en el camino de en medio y que incluso en taquilla se ha quedado en una mediocre tierra de nadie.

LO MEJOR: la primera media hora; el diseño de producción.
LO PEOR: Su absoluta indefinición

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EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

2011-08-17T08:21:00.000-07:00

SINOPSIS: En la película, un científico trabaja en una cura para el Alzheimer que está siendo probada en monos. Una de estas criaturas es César, cuya inteligencia evoluciona de forma rápida y al que el protagonista de la historia lleva a su hogar para protegerlo de la crueldad de algunos de sus colegas. Pero algo sale mal y el simio se ve encerrado en un centro de confinamiento. A partir de ahí todo cambiará.

COMENTARIO: El origen del planeta de los simios es una de las grandes sorpresas de la temporada. Sin hacer demasiado ruido, con un presupuesto ajustado para los tiempos que corren (98 millones de dólares), sin demasiadas estrellas en su reparto y con una dignidad y honestidad fuera de toda duda, sus responsables han logrado hacer una película brillante de esas que perduran en la memoria y que, con toda probabilidad, entrará a formar parte de lo mejor del cine fantástico de inicios de siglo. Pero vayamos por partes.
El planeta de los simios de 1968 fue una de las películas que marcó a muchas generaciones de espectadores y que empezó a instaurar ese concepto de ciencia ficción para adultos que tan buenos frutos dio en la década de los setenta. Todavía somos muchos los que recordamos la emoción que nos deparó la imagen de Charlton Heston delante de una estatua de la libertad semi destruida. Dos años después se estrenó una secuela titulada Regreso al planeta de los simios, en el que se intenta dar una explicación a todo lo visto anteriormente. Aunque la cinta no está mal (es bastante recuperable), lo cierto es que no llega a las cotas de excelencia de la primera. Un año después se estrena Huida del planeta de los simios, un film mediocre y ambientado en el que dos simios vuelven al pasado (nuestro presente) para encontrarse con la intolerancia y mezquindad de los hombres. La conquista del planeta de los simios (1973) sería la última película de la saga. Aquí ya hablamos directamente de una serie B con factura televisiva que no aporta absolutamente nada y carece por completo e interés. Sería la última y las aventuras de los simios continuarían en una serie de TV estrenada en 1974 y que se prolongó durante 14 capítulos. Aunque yo la vi en mi más tierna infancia, lo cierto es que me veo incapaz a formular una opinión medianamente coherente sobre ella. Por cierto, en el año 2001 el sobrevalorado Tim Burton dirigió un espantoso remake del que es mejor correr un tupido velo.
El caso es que en el año 2011 nos encontramos con un remake más que digno que está casi a la altura de la primera película de la saga. El guión de Rick Jaffa y Amanda Silver funciona como un mecanismo de relojería y todo está medido hasta el último detalle. Por un lado saben enlazar perfectamente los acontecimientos narrados en la versión de 1968 con un punto de vista actual y moderno sobre el maltrato a determinadas especies animales y la codicia del ser humano por sacar provecho económico al progreso; por otro encontramos una historia coherente que evoluciona de forma magistral y en la que todo encaja a la perfección. A este respecto destacar lo bien narrada que está la estancia de Cesar en el centro de internamiento y la forma como visualizamos que este cambia al constatar que la crueldad de los humanos va mucho más lejos de lo que nunca hubiera imaginado. Por otra parte la realización, pausada y sabiendo destacar los elementos más importantes, es modélica y en ningún momento tenemos la impresión de que nada sobra. El director se toma su tiempo para explicar la historia y lo hace en el ritmo justo y siguiendo los tiempos narrativos.
Por cierto, la actuación de Andy Serkis como César merecería como mínimo una nominación al mejor actor secundario.
Una película intensas, entretenida, que nos provoca una reflexión sobre determinados comportamientos de los seres humanos y que, además, funciona bien como parábola de ciencia ficción. Lo dicho, una de las sorpresas del verano.

LO MEJOR: Un guión excepcional; unos efectos increíbles; un ritmo adecuado.
LO PEOR: Por decir algo, alguna pequeñita laguna en el guión.

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BLACK EVIL DOLL

2011-08-16T08:52:00.000-07:00

SINOPSIS: Un psicópata negro perteneciente a un grupo activista de los setenta es asesinado en la silla eléctrica. Su alma viaja hasta el muñeco de ventrílocuo de una chica con la que empieza una relación. No satisfecho sólo con ella, el muñeco le pide que invite a sus cuatro amigas a una fiesta con las que tendrá una orgía de sangre y sexo.

COMENTARIO: A muchos de los que no estén metidos en el mundillo de la Serie B o el cine de explotación, le costará mucho creer que se puedan llegar a hacer películas como esta. Pero existen y cualquiera con un mínimo de curiosidad se la puede descargar de la red con unos subtítulos latinos realmente infumables y disfrutar/sufrir (táchese el que proceda) de una de las mayores idas de pinza que este cronista ha visto en mucho tiempo.
Y es que la historia es una versión cutre y afro de el célebre Muñeco diabólico (y secuelas) que en 1988 dirigió Tom Holland. Aquí en lugar de a Chucky tenemos a un negro activista mal hablado (dice tacos para dar y vender) y salido, cuya única pasión es cepillarse y asesinar a rubias tetudas. El argumento es absolutamente demencial y nada tiene ningún sentido; los actores son lo peor visto jamás en una pantalla (Dios sabe de que puticlub de carretera han sacado a las chicas protagonistas), los efectos cutres hasta decir basta (las animaciones del muñeco dan risa) y hay momentos tan absolutamente surrealistas (las cuatro chicas lavando el coche) que uno ha de frotarse los ojos para comprobar que no está soñando.
Evidentemente esta no es una película para tomarse en serio; algo que ni sus propios responsables hacen. Este es simplemente un gamberro entretenimiento para alguien que se quiera echar unas risas, ver cuatro tetas, algo de sangre y dos o tres chistes malos. Contemplar la película significa recuperar el espíritu del cine de explotación más canalla, de ese que inundo los videoclubs y los cines de barrio durante los setenta y principios de los ochenta y que a algunos nos hizo amar el cine; todo el cine. Y eso es lo que buscaban sus creadores. Ni más ni menos.
Para curiosos y fanáticos de las rarezas.

LO MEJOR: No se toma en serio a si misma.
LO PEOR: Es imposible tomársela en serio..

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HATCHET 2

2011-08-16T02:54:00.000-07:00

SINOPSIS: Después de conseguir escapar del asesino Victor Crowley, Marybeth decide ir hasta la ciudad para conocer la verdad sobre el fantasma del pantano. Una vez ahí, con la ayuda de un grupo de hombres armados se dirige de nuevo hacia el pantano embrujado en compañía de su tío Bob con el fin de buscar venganza por la muerte de su familia y eliminar a Crowley de una vez por todas.

COMENTARIO: Secuela de una de los slasher más aclamados de los últimos años. Con el director y guionista Adam Green de nuevo al frente, la película retoma la historia justo donde se había quedado la primera y esta vez nos ofrece un espectáculo en el que el suspense y las gotas de terror de la primera parte quedan diluidas en pro de una mayor carga de violencia y gore. De hecho la cinta fue censurada en muchos países y a través de la red se puede lograr una versión uncut en la que se puede apreciar con toda la solvencia los efectos más gore.
Como suele pasar con este tipo de productos, ni la historia es demasiado elaborada ni los personajes están muy bien definidos. El guionista se plantea una mínima anécdota, nos ofrece más `personajes a descuartizar u ofrece un espectáculo de violencia implacable que es, a fin de cuentas, lo que el público demandaba.
A los aficionados al género les dejará satisfechos ya que ofrece lo que promete: sangre y violencia por un tubo. El resto, pues yo les recomendaría abstenerse.
LO MEJOR: Ofrece exactamente lo que promete
LO PEOR: La originalidad brilla por su ausencia.

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HATCHET

2011-08-04T23:53:00.000-07:00

SINOPSIS: Esta es la historia de Victor Crownley, un hombre profundamente deformado que, tras ser agredido por unos muchachos, muere accidentalmente por un hachazo que le propina su padre. La culpa y la pena hacen que su progenitor fallezca y este regrese convertido en fantasma. A partir de ahí, sus víctimas potenciales será cualquier grupo de turistas incautos que se acerquen por la zona de los viejos lagos de Lousiana. Como los jóvenes que e apuntan a una excursión nocturna ilegal.

COMENTARIO: Por esas cosas de la distribución, hay películas que nunca llegan a nuestras carteleras o videoclubs y que uno no tiene más remedio que descargarse. Eso pasa con mucho cine oriental o con películas de terror de las que todo el mundo habla pero que, desgraciadamente, muy pocos tienen ocasión de ver.
Desde su pase en el Festival de Sitges, tenía muchas ganas de ver Hatchet. Los que la pudieron ver decían que se trataba de uno de los slasher (películas de asesino en serie que acaba con un grupo de personas de las formas más brutales; en la línea de Viernes 13) más originales y burros de los últimos tiempos. Y hombre, ¡que quieren que les diga!: si bien el planteamiento inicial (el asesino es de origen sobrenatural) y la ambientación (los inquietantes pantanos de Lousiana) si aportan algo de aire fresco al género, lo demás es algo cien veces visto. Jóvenes descerebrados perseguidos por un matarife que va acabando con ellos de las formas más burras y salvajes posible. Si, la película es muy, muy gore y tiene muertes super originales; pero tampoco es para tanto. Eso si, el director no se lo toma demasiado en serio y en sus menos de ochenta minutos de duración nos ofrece un espectáculo bizarro apto sólo para amantes del gore o para los que disfruten con este tipo de productos.

LO MEJOR: No se anda con chiquitas: es muy gore.
LO PEOR: En el fondo es más de lo mismo.

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TEMPLARIO

2011-08-03T23:01:00.000-07:00

SINOPSIS: Corre el año 1215. El rey Juan I de Inglaterra se ha visto obligado a firmar la Carta Magna. Furioso, recluta un despiadado ejército de mercenarios que empieza a arrasar el país para restaurar la monarquía absoluta. Tan solo un grupo de caballeros reunidos por el barón Abany y atrincherados en el castillo de Rochester se interpone entre él y la victoria. Junto a ellos, Marshall, un caballero templario atormentado por la culpa ante las atrocidades que cometió durante las cruzadas, y unos mercenarios entre los que se encuentran Beckett y el joven Guy.

COMENTARIO: Hay que reconocerles a los ingleses que, desde el punto de vistas cinematográfico, están haciendo las cosas francamente bien. En los últimos años están sabiendo asentar una industria que, mediante presupuestos medios, está abarcando todo un ramillete de géneros y llegando a audiencias de todo el mundo. Hoy en día el cine realizado en las islas no sólo se distingue por las adaptaciones literarias o las historias de denuncia social, sino que está abarcando una buena cantidad de géneros que demuestran cierto tipo de inquietudes en sus realizadores. Templario sería el último ejemplo.
Como sucedía con la excelente Centurión de Neil Marshall, en la película se coge un acontecimiento histórico, el asalto al castillo de Rochester por parte de Juan I de Inglaterra, para narrar una epopeya hiperviolenta y muy entretenida en la que veinte hombres han de hacer frente durante tres meses al asalto conjunto de las tropas del rey y un nutrido grupo de mercenarios daneses. Al frente de la resistencia nos encontramos a un templario con problemas de fe que es el gran protagonista de la cinta.
El realizador es consciente de que el material que tiene en sus manos no da mucho de si. Por ello, tras esbozar ligeramente la trama, nos ofrece un aluvión de secuencias de batalla francamente bien filmadas y plagadas de violencia. No, no le pidamos a la cinta profundidad psicológica ni unos personajes bien trazados. Aquí lo que interesa es filmar la acción pura y dura y ofrecer una historia que, aunque ambientada en la edad media, bien pudiera haber sido un western.
Los cinéfilos exigentes nos quedamos con ganas de saber más sobre la historia y nos sobre el romance entre James Purefoy y Kate Mara (una actriz limitadita, todo sea dicho). Pero tampoco es tan importante. El film es un digno entretenimiento al que su ajustado presupuesto (francamente se nota que el dinero no sobraba) no impide que pasemos dos horas en el cine la mar de entretenidas. Una película correcta.

LO MEJOR: Las secuencias de batalla. Espectaculares
LO PEOR: El desarrollo es muy superficial.

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LOS PITUFOS

2011-08-03T04:25:00.000-07:00

SINOPSIS: El malvado brujo Gargamel persigue a los pitufos fuera de su poblado y a través de un portal mágico llegan a nuestro mundo, en concreto al Central Park de Nueva York. Los pequeños seres azules deberán encontrar el camino a casa antes de que el malvado Gargamel los encuentre. Para lograrlo les ayudará un publicista que está a punto de ser padre.

COMENTARIO: Y es que no aprenderé nunca. A mi favor diré que prácticamente me vi obligado a ver la película (es lo que tiene tener un niño de seis años) y que si de mi hubiera dependido ni se me hubiera ocurrido pagar los ocho euros que cuesta una entrada dominical. Pero es que después del bodrio del Oso Yogui (una de las peores películas de la historia del cine) y de lo poco prometedor que resultaba el tráiler, meterme en una sala para ver Los Pitufos era algo que me apetecía más bien poco.
Y lo peor es que mis sospechas eran absolutamente fundadas. La película es espantosa, absurda, estúpida, irritante, imbécil hasta la nausea y que por no gustar, no gustaba ni a los propios niños. Y lo digo con fundamento: en muchos pasajes de la cinta los a los peques se les notaba cansados y aburridos cual ostras del pacífico.
Si Peyo levantara la cabeza, el pobre hombre a buen seguro volvería a la tumba y se preguntaría que coño han hecho con su creación más famosa. Porqué si, los pitufos, aunque la mayoría de la gente los recuerde por la serie de animación, son unos personajes de cómic creados en 1958 por el dibujante belga Pierre Culliford (que firmaba como Peyo) como secundarios para el álbum “La flauta de los seis agujeros” protagonizadas por Johan y Pirluit, Durante los primeros años de su existencia los pitufos dieron auténticas obras maestras del noveno arte como “La Pitufita” o “Los pitufos negros” para, con el tiempo, caer en una progresiva decadencia artística que, curiosamente, coincidió con su apogeo mediático. Su actual popularidad (son un claro referente de la cultura popular) ha propiciado que llegará a las pantallas esta adaptación cinematográfica que comentaré brevemente.
Una de las cosas que llamaba la atención en la sala de cine en la que vi la película fue constatar que, además de la chavalería, había bastantes parejitas de entre veinte y treinta años. Todas ellas estaban cortadas por el mismo patrón: chicas con cara de ilusionadas ya que iban a rememorar una parte de su infancia (y es que la nostalgia vende) que ya no volverá; y chicos con cara de resignados y pensando que, aunque se tengan que tragar esa tontería de película, su gesto sensible y comprensivo es premiado con un polvete dominguero. En fin, divagaciones aparte, lo cierto es que el ambiente era muy variado y que ello se debía probablemente a que en la campaña de marketing (que ha costado más de 90 millones de dólares) se ha intentado vender la película como un producto familiar para todos los públicos. Pues nada de nada. La película es una castaña infumable.
Para empezar los guionistas llevan a los pitufos a Manhattan para que se codeen con los humanos. No contestos con ello los involucran con personajes ridículos, en situaciones absurdas y sin tener en ningún momento conciencia de que los espectadores tenemos algo llamado inteligencia; no mucha es verdad, pero algo sí. Lo dicho, una película ridícula que nos vende unos valores familiares rancios, con unos actores lamentables (Hank Hazaria como Gargamel da una lección de lo que significa la palabra sobreactuación) y una historia indigna de la trayectoria de los personajes. Y por si fuera poco, está es la película donde más publicidad indirecta he visto en mi vida. Vamos que en algunos momentos parecía más un capítulo de Médico de Familia que otra cosa.
Si con productos como este se quiere acercar a los niños al mundo del cómic, la verdad es que lo llevamos claro. Y es que no todo vale en esto del Show Business. Un fraude en toda línea de la que no se salva nada.

LO MEJOR: Nada
LO PEOR: Todo

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Making OF 81

2011-08-03T04:14:00.000-07:00

Ha salido al mercado la Revista Making Of 81. Entre sus contenidos encontramos:

Artículos

-Enredados
por Daniel Álvarez de Moll

- 23-F: La película
por Daniel Álvarez de Moll

-Bajarse al moro
por Josep Martínez Ollé

-La psicopatía en el cine. Análisis del mal en distintos filmes
por Ruth Estrada Nicolás, Laura Nuño Gómez y Adolfo Jarne Esparcia

Retrato
-Johnny Depp

Fichas educativas
- Rio
- El viaje de Jane
- No tengas miedo
- El árbol
- Kung Fu Panda 2
- Confucio

Cortometraje
- Deus Ex Machina

Libros de cine
DVDs
BSOs
Webs

Guía didáctica
- Pan negro

Más informacióne a web de Making Of

GREEN LANTERN

2011-08-03T04:07:00.000-07:00

SINOPSIS: En un universo tan amplio como misterioso, ha existido durante siglos una poderosa unidad de élite. Protectores de la paz y la justicia, esta unidad recibe el nombre de Cuerpo de Green Lanterns, una hermandad de guerrilleros que han jurado mantener el orden intergaláctico. Cada Green Lantern lleva un anillo que le confiere el poder de crear todo lo que su mente pueda imaginar, pero cuando un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el equilibrio de la energía del Universo, su destino y el de la Tierra caen en manos de su miembro más reciente, el primer humano del Cuerpo: Hal Jordan (Ryan Reynolds). Hal es un intrépido piloto de pruebas con talento y engreído, pero los Green Lantern respetan poco a los humanos, quienes nunca antes habían usado los infinitos poderes del anillo. Sin embargo, la humanidad de Hal es un arma que ningún miembro del Cuerpo había tenido nunca, y si consigue controlar sus nuevos poderes y encontrar el valor para superar sus miedos, es posible que demuestre que no sólo es el único que puede derrotar a Parallax, sino también el único que puede salvar la tierra.

COMENTARIO: Llevaba esperando mucho tiempo la adaptación al mundo del cómic del superhéroes Linterna Verde. Los que me conocen ya saben que con esto de los cómics son un friki irredento. No sólo he visto todas las adaptaciones que se han hecho del mundo del cómic a la gran pantalla sino que además las colecciono: ¡Y originales! (que lo rompo oiga). El caso es que aunque uno es más fan de Marvel que de DC (para los neófitos decir que son las principales editoriales estadounidenses dedicadas al cómic de superhéroes: los primeros publican a Spiderman, Vengadores y Patrulla X y los segundos a Batman y Superman), últimamente sigo las colecciones de Linterna Verde desde que las guioniza Geoff Johns. Y es que este talentoso escritor es el que ha logrado que un segundón como linterna se alce a los primeros puestos de venta y, tal vez por ello, que los estudios de Hollywood se interesaran por el personaje.
La película se lleva vendiendo desde hace un año como una superproducción en la que no se han escatimado gastos. 200 millones de presupuesto, un director competente como Martin Campbell y unos actores que, si bien no son super estrellas, si ofrecen a priori garantías de éxito. Pues con todo ello, mi gozo se ha quedado en un pozo. La película es un truño infecto, indigna del personaje y que no puede gustar ni a los fans del personaje ni al público en general. Vamos, un espanto que ha fracasado en taquilla y de la que nadie habla bien.
El principal problema de la película es el guión. Un personaje de perfil cósmico como este ha de moverse en su medio natural e interactuar a partir de unos códigos determinados. El problema es que aquí no es ni chicha ni limoná; si que se nos muestra el planeta de los lanterns y las relaciones entre sus guerreros, pero se hace de un modo tan simple y superficial que uno no acaba de entender nada. Vamos, que el guión lo resume de la siguiente manera: el personaje recibe el anillo, va al planeta, se deja ostiar por unos extraterrestres, se pelea con su líder y de vuelta a la tierra. El resto son diálogos insoportables, algo de acción, poca, y un final pretendidamente espectacular que no lo es tanto.
Y el caso es que el realizador filma bien, pero el guión es tan malo, los personajes tan arquetípicos, los diálogos tan insulso y pesados y el protagonista tiene tan poco carisma (Y mira que Ryan Reynolds estaba bien el Burried) que todo se hace insufrible. Y es que ni siquiera se salvan algunos secundarios pretendidamente cómicos que, francamente, dan más pena que otra cosa.
Una castaña infumable. Ni espectacularidad, ni odisea cósmica, ni situaciones interesantes. Nada de nada. Sólo un producto insulso del que nadie se acordará dentro de un año. Y es que eso es lo que pasa cuando los productores se piensan que los espectadores somos tontos.

LO MEJOR: Algunos efectos especiales
LO PEOR: Todo lo demás.

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HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE 2

2011-08-01T06:49:00.000-07:00

SINOPSIS: Tras Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte I, llega la segunda parte de la batalla final entre las fuerzas del bien y el mal. El juego nunca ha sido tan peligroso y nadie está a salvo. Se acerca el momento de la confrontación final entre Harry Potter y lord Voldemort. Todo termina aquí…

COMENTARIO: En el año 2001 llegaba a las pantallas de todo el mundo Harry Potter y la piedra Filosofal, primera de las adaptaciones cinematográficas de la famosa saga de libros creada por J.K.Rowling centradas en las aventuras de un joven mago. La popularidad de los libros propició que la película arrasara en las taquillas de todo el mundo y diera pie a la adaptación de los siete volúmenes que la escritora británica tenía pensados escribir sobre Potter. Diez años después llega hasta las carteleras la última de las películas, la que cierra la saga y finaliza una de la aventuras cinematográficas más bien planteadas de la historia del cine.
Ya comenté en su momento que me parecía un error dividir el último libro en dos partes. Si bien la estructura original del libro podía dar pie a ello, lo cierto es que la trama de Harry Potter y las reliquias de la muerte I era una película pesada, incomprensible para quien no había leído el libro y con una trama estirada como un chicle. Una pequeña decepción que, afortunadamente, se ha visto subsanada en la película que aquí comentamos.
Harry Potter y las reliquias de la muerte II es una excelente forma de acabar con la saga. Aquí los guionistas se dejan de rollos y van directamente al grano para cerrar la trama de una forma coherente, hacer que los personajes actúen de una forma coherente y hacer una gran aventura que te engancha desde el primer minuto y te deja con un agradable sabor de boca. Por primera vez el realizador David Yates, el más flojo de la saga y el que más títulos ha dirigido, se pone las pilas y nos ofrece un espectáculo digno del personaje y que gustará por igual a los seguidores de la saga literaria (como yo) y a los que buscan un entretenimiento digno. Una muestra de ello es que aunque muchos sabíamos cual era el resultado final, la cinta era capa de emocionarnos y mantenernos pegados a la butaca.
Tal vez uno de los mayores aciertos de la saga ha sido su casting. Aquí todos funcionan como un mecanismo de relojería y saben explotar sus roles de una forma inteligente. Evidentemente todo el protagonismo recae en Potter, pero no por ello los personajes que hemos amado dejan de tener su espacio.
Yuna extraordinaria forma de acabar una de las sagas más importantes de la historia del cine.

LO MEJOR: Le da un final más que digno a la saga.
LO PEOR: El prólogo final, francamente ridículo.

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RESACON 2: AHORA EN TAILANDIA

2011-08-01T05:23:00.000-07:00

SINOPSIS: Phil, Stu, Alan y Doug viajan a la exótica Tailandia para asistir a la boda de Stu. Después de la inolvidable despedida de soltero en Las Vegas, Stu no quiere asumir ningún riesgo y ha decidido ofrecer un almuerzo tranquilo y contenido antes de la boda. No obstante, las cosas no siempre salen como está previsto. Quizás lo que ocurre en Las Vegas se queda en Las Vegas, pero uno ni siquiera puede imaginar lo que sucederá en Bangkok.

COMENTARIO: En los últimos años, la comedia norteamericana esté explotando una sanísima tendencia hacia lo políticamente incorrecto como hacía tiempo que no recordaba. De este fenómeno es parcialmente culpable el director y productor Judd Apatow que gracias al éxito de Virgen a los cuarenta, supo insuflar un soplo de aire fresco a un género que se estaba estancando gracias a las memeces protagonizadas por la insoportable Cameron Diaz, la irritante Jennifer Aniston o el cara cartón de Hugh Grant. Films como Supersalidos o Resacón en Las Vegas serían las obras cumbres de esta particular escuela.
Dos años después del primer resacón nos llega la secuela con los mismos responsables en la dirección y el guión. Muy probablemente los más 450 millones de dólares recaudados en todo el mundo propiciaron que la secuela llegara a los cines mucho antes y que se intentara por todos los medios tocar lo menos posible del reparto original.
El resultado, digámoslo ya, es una de las películas más divertidas, delirantes y burras que he tenido ocasión de ver. Aunque hay que reconocer que el argumento es muy poco original (la trama es la misma y simplemente se cambia de localización y de personaje al que buscar), la cinta es un no parar desde el principio hasta el final. Aquí todo es más excesivo, más salvaje, más iconoclasta. Se nota, y mucho, que los actores se sienten muy cómodos en su papel y que exprimen sus personajes hasta el límite. Hay diálogos memorables (la reflexión sobre el mono y las mamadas que pronuncia Zach Galifianakis es acojonante por lúcida y por absurda), situaciones hilarantes y todo fluye con un ritmo y una rapidez endiablada.
De verdad, no es alta comedia refinada pero si es un producto divertidísimo para aquellos que tengan un sentido del humor más allá de lo alternativo. Y, lo mejor, es que no se anda con medias tintas. Baste ver los títulos de crédito finales para darnos cuenta que no se han cortado un pelo.
Altamente recomendable.

LO MEJOR: Es políticamente incorrecta de verdad.
LO PEOR: Le falta algo de originalidad en el planteamiento.
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KUNG FU PANDA 2

2011-08-01T01:49:00.000-07:00

SINOPSIS: Po está ahora viviendo su sueño como el Guerrero del Dragón, protegiendo el Valle de la Paz junto a sus amigos y sus compañeros maestros del kung fu, Los Cinco Furiosos. Pero su nueva e impresionante vida se encuentra amenazada por la aparición de un villano formidable, Lord Shen, que planea usar un arma secreta imparable para conquistar China y destruir el kung fu. Po deberá buscar en su pasado para descubrir los secretos de su misterioso origen, sólo entonces será capaz de reunir las fuerzas necesarias para vencer.

COMENTARIO: Llego el veranito y, con el, me toca una buena sesión de cine para niños. Aunque me he podido escaquear de Cars 2, he tenido que pasar por el tubo con Kung Fu Panda 2 como un campeón y en 3D. Reconociendo que he visto la primera parte a trozos y que, por regla general, las películas animadas de Dreamworks no me interesan demasiado, los antecedentes no eran nada halagüeños. Pero bueno, uno hace de tripas corazón y acompaña al retoño a la sala.
Y tengo que reconocer que, para mi sorpresa, la película no está nada mal. Si bien es cierto que adolece de los habituales defectos de las películas animadas de la factoría (personajes irritantes, historias simplonas, chistes fáciles…), no es menos cierto que la cinta tiene cosas interesantes, los personajes están mejor dibujados de lo que es habitual y la animación, sin llegar a las cotas de Pixar, es bastante decente. El primer acierto de la cinta es mezclar imágenes de animación en tres dimensiones con otras (empleadas en los flasbacks) de animación tradicional con toques de la iconografía china. Ello no sólo le da empaque sino que genera una atmósfera muy especial y logra que nos emocionemos con determinadas situaciones. Por otra parte el villano está muy bien perfilado y sus motivaciones responden a unos patrones coherentes, algo fundamental en el cine de animación. Si, el oso sigue siendo irritante y algunas situaciones sonrojantes, pero al menos su responsable logra que entendamos las motivaciones de ciertos personajes y que a historia fluya con ligereza.
Una película que, si bien no es perfecta, se deja ver con agrado.

LO MEJOR: La mezcla entre animación tradicional y 3D.
LO PEOR: Le falta intensidad y le sobra humor chusco.

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SIN IDENTIDAD

2011-06-28T11:49:00.000-07:00

SINOPSIS: El doctor Martin Harris acude junto a su esposa a Berlín para asistir a un congreso de Biotecnología. Tras un accidente de coche, recupera la consciencia para descubrir que su esposa no le reconoce y que otro hombre ha asumido su identidad. Con la ayuda de una extraña aliada se sumergirá en un misterio que le obligará a cuestionarse su cordura y su identidad, preguntándose hasta dónde tiene que llegar para descubrir la verdad.

COMENTARIO: Jaume Collet-Serra es sin duda el director español con la carrera más afianzada dentro de Hollywood. Con cuatro películas a sus espaldas, el catalán ha demostrado ser un buen artesano que maneja a la perfección los resortes narrativos del medio y que es capaz de sacar petróleo de las historias en las que se ve inmerso. Ninguna de sus películas es redonda, pero en todas ellas se puede comprobar su buen hacer y su capacidad para trascender la mera trasformación de un guión en imágenes para ofrecer a sus films un toque personal.

Tal vez Sin Identidad sea su mejor película. Y eso que contaba con un guión que, reconozcámoslo, no tiene ni pies ni cabeza y carece de cualquier tipo de lógica y credibilidad. La capacidad del realizador estriba en abordar un material de esas características y convertirlo en un entretenimiento puro y duro en los que se dosifican a la perfección los momentos de suspense, de acción y de tensión.

Y es que lo que hace Collet-Serra es un ejemplo de lo que debería ser buena parte de ese cine comercial de gama media que tanto, y tan mal, se hace en los Estados Unidos. Y la fórmula es bien sencilla: una historia interesante, unos actores de clase media solventes y creíbles, buena puesta en escena y la capacidad de hacerle pasar al espectador un par de horas de entretenimiento. De ahí el éxito de la película.

Una propuesta que, si bien no es perfecta, si resulta disfrutable.

LO MEJOR: Mantiene la tensión durante todo el metraje

LO PEOR: El guión no tiene ni pies ni cabeza.

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X-MEN PRIMERA GENERACIÓN

2011-06-09T06:55:00.000-07:00

SINOPSIS:. La acción se sitúa en los años 60, en los inicios de la era espacial, el punto álgido de la Guerra Fría, cuando las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética amenazaban a todo el planeta, y cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes. También fue durante este período cuando Charles Xavier conoció a Erik Lehnsherr. Antes de que Charles y Erik adoptasen los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes inmersos en el proceso de descubrir sus poderes. Antes de ser archienemigos trabajaban juntos y con otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo hubiera conocido nunca. En “X-Men: Primera generación” tendremos respuesta a las preguntas que nos han intrigado desde hace tiempo: ¿cómo llegaron a juntarse los X-Men? ¿por qué está Charles en una silla de ruedas? ¿cuál es el origen de la Mansión X y de Cerebro?

COMENTARIO: Después de tres películas y un spin-off protagonizado por Lobezno, parece que el éxito comercial de los X-Men está más que garantizado. Con la excepción de la tercera parte de la saga, un truño dirigido por el inútil de Brett Ratner, el resto de las películas han mantenido un listón de calidad bastante alto y no han defraudado en absoluto a los espectadores. Tal vez por ello la Fox se animara a producir una pre-cuela en la que se nos explicara los orígenes de estos mutantes.
El primer acierto de la película reside en la elección del director. Matthew Vaughn ya demostró con Kick-Ass que era un director a tener muy en cuenta. Sin perder un ápice de vista que está realizando productos para el gran público, este director sabe narrar con pulso firme y dotar a sus personajes de una profundidad psicológica que para sí quisieran muchos. En esta películas el realizador demuestra sus buenas maneras y nos ofrece un producto muy digno en el que todo tiene sentido.
Personajes muy bien definidos (aquí no hay nada que pase porqué si), situaciones bien resueltas, lógica narrativa y secuencias de acción bien filmadas y dosificadas son los ingredientes que destacan en la película. Ninguno de los espectadores se sentirán defraudados y todos se introducirán en una historia que, según como, podría haber resultado confusa e ininteligible. Cierto que la película tiene un bajón d ritmo en su parte central, pero ello no es óbice para reconocer que estamos ante un buen entretenimiento veraniego y ante una cinta altamente recomendable.

LO MEJOR: La labor del realizador
LO PEOR: Un cierto bajón en la parte central del relato

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MAKING OF 79-80

2011-05-29T09:38:00.000-07:00

Ha salido al mercado la Revista Making Of. Como coordinador de la revista, os la recomiendo ya que es un especial dedicado al mundo del cortometraje. Entre sus contenidos encontramos:

Artículos

El cortometraje en España
por Nacho Jarne Esparcia

MUVIES
por Elena La Banda

Dos cortos muy cortos
por Francisco Javier Pascual Burillo y Ana Rosa Romero Ramos

Pixar en corto
por Daniel Álvarez de Moll

Eurídice en 35 mm
por Manuel González Riquelme

Cinco motivos por los que utilizar cortometrajes en el aula
por Nacho Jarne Esparcia

El cortometraje en la educación
por Nacho Jarne Esparcia
Balthasar
Calla Mamá
Casitas
Dime que yo
El ataque de los robots de Nebulosa-5
El tiempo al tiempo
Inter-Face
La historia de siempre
Luciérnaga
Salvador, historia de un milagro cotidiano

Guía didáctica
El orden de las cosas

Tenéis más información en : http://www.comunicacionypedagogia.com/making.html

ARTHUR Y LA GUERRA DE LOS MUNDOS

2011-05-25T09:15:00.000-07:00

SINOPSIS:. Maltazard ha conseguido colarse en el mundo de los humanos. Su objetivo es sencillo: reclutar un ejército de gigantescos secuaces y dominar el universo. Arthur parece ser el único capaz de frustrar sus planes, pero primero tendrá que volver a su habitación y recuperar su tamaño normal. Aunque sigue atrapado en un diminuto cuerpo de Minimoy, contará con la ayuda de Selenia y Betameche, y, sorprendentemente, también con la de Darkos, el hijo de Maltazard, que afirma estar de su lado.

COMENTARIO: Arthur y la guerra de los mundos es la tercera y última entrega de la trilogía ideada por Luc Besson tras Arthur y los Minimoys y Arthur y la venganza de Maltazard. Es curiosa la trayectoria del director galo. Tras sorprender a propios y extraños con títulso tan curiosos como El profesional o El quinto elemento, el fracaso comercial de Juana de Arco le llevó a embarcarse en la producción de esta trilogía animada basada en los cuentos de Celine García.
Si esta crítica la realizara mi hijo de seis años, sin duda la calificaría con un 10. Desde que la estrenaron la ha visto dos veces. Si a eso le sumamos las incontables ocasiones en las que ha visualizado las dos partes anteriores, deducimos que algo debe tener la película. A mí, que ya paso la cuarentena, me pareció un producto bastante flojo, sin mucha chicha y en el que encontramos pocos elementos de interés. La cinta sigue las aventuras del Minimoys justo donde se quedo la segunda parte y lo resuelve de una forma bastante previsible.
Pero este producto va pensado para niños y a ellos, visto lo visto, les gusta mucho. Así que algo tendrá. Pues eso, para ver con los niños o para los muy, muy frikis del cine de animación. Por cierto: ¿Hasta qué extraño abismo ha caído la carrera de Mia Farrow para aparecer en esta película? Misterios del cine

LO MEJOR: La animación es correcta.
LO PEOR: Si tienes más de ocho años te resultará muy poco interesante.

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MIDNIGHT IN PARIS

2011-05-22T10:14:00.000-07:00

SINOPSIS: Un guionista norteamericano algo bohemio que quiere ser escritor llega con su prometida Inez y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde conocerá a Hemingway, Scott Fitzgerald, Dalí y Picasso, entre otros artistas

COMENTARIO: Ya hace años que la mejor palabra que define la obra reciente de Woody Allen es irregularidad. El realizador neoyorkino, que dirige una película al año, no resulta infalible y alguno de sus últimos títulos mostraban un agotamiento creativo importante. No sólo hablo de esa enorme castaña llamada Vicky Cristina Barcelona, sino de otros títulos que, tal vez con la excepción de Match point, estaban por debajo del talento del realizador. Y es que, por mucho que nos empeñemos, no se puede acertar siempre.
Por todo ello, lo cierto es que me daba bastante pereza ir a ver Midnight in Paris. Las buenas críticas cosechadas durante su pase en el Festival de Cannes y los comentarios positivos de algunas personas me hicieron ir a verla mucho antes de lo que yo pensaba. Y no me arrepiento lo más mínimo.
Allen ha retomado con esta película el pulso firme que había perdido y nos ofrece una película deliciosa, mágica y que logra atraparnos encima de la butaca durante sus casi dos horas de proyección. La historia es sencilla: un escritor norteamericano (extraordinario Owen Wilson) se ve inmerso en el parís de los años veinte donde conoce a toda la bohemia cultural que vivía en la ciudad. A partir de ahí, Allen realiza un discurso sobre la idealización del pasado, las oportunidades perdidas y lo difícil que resulta encontrarnos a nosotros mismos. El personaje encarnado por Wilson se adentra en un mundo fantástico en el que puede alejarse de la realidad, huir de sus miedos, alejarse de su insoportable novia y vivir un sueño. Pero los sueños son sólo sueños, y hasta dentro de ellos existen pequeñas miserias y momentos de desilusión. La vida hay que afrontarla y aprender, pese a las perdidas, a ser consecuente con nuestras decisiones y nuestro destino. Sinceramente creo que este es el discurso que pretende ofrecernos Allen. Esa imagen final con una Léa Seydoux imitando a la Mia Farrow más joven y hermosa, es una perfecta muestra de las intenciones del autor. Cualquier pasado fue mejor… siempre que lo idealicemos.
Da igual que el guión tenga agujeros más que evidentes, que la misoginia de Allen palpable en determinados momentos y que algunos personajes sean excesivamente estereotipados. La cinta es una delicia y se la recomiendo encarecidamente.

LO MEJOR: Es una delicia de principio a fin.
LO PEOR: El guión contiene bastantes incoherencias.

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EL SICARIO DE DIOS

2011-05-22T09:40:00.000-07:00

SINOPSIS: Estamos en un mundo alternativo, un mundo asolado por siglos de lucha entre vampiros y hombres. La historia gira en torno a un legendario sacerdote guerrero que desde la última Guerra Vampírica vive en la oscuridad junto a otros humanos oprimidos dentro de los confines de los muros de ciudades gobernadas por la Iglesia. Cuando su sobrina es secuestrada por un grupo de vampiros asesinos, el sacerdote rompe sus votos sagrados para aventurarse en una obsesiva odisea para hallarla antes de que la conviertan en uno de ellos. A su cruzada se suma el novio de su sobrina —un joven sheriff de las tierras arrasadas— y la ex guerrera sacerdotisa, quien posee poderes de lucha sobrenaturales.

COMENTARIO: Basada en un exitoso manhwa (que es como se denomina a los mangas realizados en Corea del Sur) de Hyung Min-woo, El sicario de Dios es la nueva obra del director Scott Stewart, un técnico de efectos especiales que dio el salto a la gran pantalla con esa enorme castaña llamado Legión. Aquí el realizador vuelve a una historia con componendas religiosas para manufacturar un entretenimiento tan liviano como inocuo. Y es que no lo podemos negar: el interés de la película no va más allá de un mero espectáculo de efectos especiales y acción bien realizado y que nos hace pasar un rato de lo más entretenido. Que nadie busque aquí ni una historia mínimamente profunda ni una sesudo reflexión sobre el sentido de la fe. Esto es espectáculo palomitero pensado para un consumo rápido y no demasiado exigente.
Con un guión que es un refrito de Centauros del desierto de John Ford y cuyo desarrollo argumental es tan simple que a buen seguro lo escribieron sobre una servilleta de bar (la cinta dura algo más de 80 minutos), unos diálogos funcionales, una historia que no insulta demasiado la inteligencia de los espectadores, una nada disimulada vocación de serie B y la presencia de dos actores carismáticos como son el inquietante Paul Bettany y la extraordinaria Maggie Q, la cinta no deja de ser un western moderno en el que se cambian a los indios por vampiros, los cowboys por sacerdotes y los caballos por motocicletas de última generación. Vamos, un simple entretenimiento para abrir boca antes de los grandes estrenos de la época estival.
Una advertencia para navegantes. Uno empieza a estar hasta las narices de las tres dimensiones. Cada vez tengo una mayor certeza de que este formato se ha convertido en el timo de la estampita, en una burda forma de sacarle tres euros más a los incautos espectadores con la excusa de un espectáculo que, francamente, no se ve por ningún lado. De verdad, como sigan en este plan van a conseguir que la gente huya de las tres dimensiones como de la peste. Avisados quedan.

LO MEJOR: Su absoluta falta de pretensiones
LO PEOR: El guión es prácticamente inexistente.

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THOR

2011-05-11T04:48:00.000-07:00

SINOPSIS: Thor es un poderoso pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra con los gigantes de hielo. Como consecuencia, Thor es castigado a ser enviado a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe, sobre todo cuando un temible enemigo aparece en nuestro mundo con la intención de conquistarlo.

COMENTARIO: Dentro de las dos grandes compañías estadounidenses dedicadas al cómic de super héroes, Marvel ha tomado una gran ventaja sobre su competidora DC a la hora de trasladar a sus personajes a la gran pantalla. Mientras la segunda se ha centrado en sus dos principales franquicias (Batman y Superman) obviando al resto de su rico catálogo de personajes (algo parcialmente paliado con el estreno este verano de Green Lantern de Martín Campbell), Marvel ha logrado crear una producción constante y seria en la se combinan productos de presupuesto medio con grandes superproducciones pensadas para arrasar durante los meses estivales. Desde el éxito de la primera parte de Spiderman de Sam Raimi, no ha pasado un verano sin que llegue hasta nuestras pantallas una nueva aventura protagonizada por uno de los personajes de la casa. Este verano, sin ir más lejos, nos llegarán tres: Thor, X-Men primera generación y Capitán América, el primer vengador. Y ya hemos podido ver Thor.

Cuando se anunció el proyecto, me sorprendió parcialmente la elección de un director como Kenneth Branagh para dirigir la película. Y digo parcialmente porqué si bien Branagh es un director muy alejado de los grandes bloockbusters veraniegos, no es menos cierto que Marvel siempre se ha destacado por seleccionar a los directores más adecuados a las características definitorias de cada personaje. Y quien mejor que Branagh, un hombre especializado en Shakespeare, para llevar a imágenes un conflicto familiar entre padres e hijos ambientada en el marco del reino de los dioses nórdicos. Esta circunstancia, el perfil tan marcado de un director que se siente cómodo narrando grandes tragedias épicas, son las que han motivado la enorme irregularidad de la película.

La cinta funciona muy bien cuando está ambientada en la mítica Asgard. Ahí los personajes tienen profundidad, sus conflictos nos enganchan y nos interesan y las acciones y, especialmente, los condicionantes que las motivan y articulan , resultan creíbles e interesantes. El problema es cuando la historia llega a la tierra y se ambienta en California. Ahí nos encontramos con un producto soso, anodino y sin ningún tipo de gracia. Parece que los guionistas han impostado la acción desarrollada en el mundo real como excusa para atraer al gran público y para ir preparando al personaje para su próxima aparición en los vengadores.

La película es entretenida, se deja ver y sus dos horas pasan por un suspiro. Pero da la impresión de que el director pierde el interés cuando desaparecen los conflictos familiares y tiene que centrarse en lo mundanal. Una lástima ya que podía haber sido un gran film.

Y, por cierto, Chris Hemsworth, el fulano de Elsa Pataki, es uno de los peores actores que uno haya tenido la mala suerte de sufrir en una pantalla.

LO MEJOR: La parte ambientada en Asgard

LO PEOR: Lo que se desarrolla en California.

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EL LIBRO DE ELI

2010-04-01T04:29:00.000-07:00

SINOPSIS: Nos encontramos en un futuro no muy lejano. La tierra ha sido devastada por una hecatombe nuclear y los seres humanos sobreviven como pueden en un mundo donde impera la ley del más fuerte. Por las carreteras de ese mundo circula Eli, un hombre solitario que busca llegar al oeste para poder entregar un libro que protege a cualquier precio. El problema es que algunos quieren hacerse con ese libro que puede cambiar el destino del hombre.

COMENTARIO: El libro de Eli es una de esas películas que, sin ser nada del otro mundo, nos proporcionan un sano y jovial entretenimiento para esas tardes en las que uno tiene ganas de ver una peli que no le proporcione excesivos quebraderos de cabeza. Los hermanos Hugnes, que ya mostraron que manejaban a la perfección los resortes del cine comercial en la interesante Desde el infierno, son capaces de filmar con pulso firme una historia sencilla y sin demasiadas pretensiones pensada para el consumo masivo. A partir de un guión muy esquemático, ellos definen bien a los personajes, realizan una buena tarea de dirección de actores (tanto Denzel Washington como mi idolatrado Gary Oldman están magníficos), plantean una puesta en escena funcional en la que las secuencias de acción están magníficamente resueltas y nos meten dentro de una atmósfera agobiante y opresiva, con la única intención de dignificar un producto que, en manos de otro realizador, podía haber dado lugar a un churro patatero de campeonato.

No quiero desvelar mucho de la trama ya que la película contiene un par de sorpresas finales que, a buen seguro, dejarán a más de uno con la boca abierta. Pero lo que si afirmo es que si queréis pasar dos horas de puro entretenimiento, esta es vuestra propuesta para las vacaciones.

LO MEJOR: La labor de los directores

LO PEOR: Un guión muy esquemático

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EN TIERRA HOSTIL

2010-03-23T05:23:00.000-07:00

SINOPSIS: La película nos narra el día a día de un comando de artificieros del ejército destinado en Irak. El grupo lo componen el temerario sargento James, el sargento Sanborn y el especialista Eldridge. Cada uno intenta sobrevivir como puede en un territorio plagado de locura en el que nada parece tener sentido.

COMENTARIO: Con mucho retraso realizo el comentario de la película que ha triunfado en la última ceremonia de entrega de los Oscars de Hollywood. Tengo que reconocer que para mi ha sido una sorpresa que esta cinta, que ni es un film sencillo ni está pensado (ni planteado) para agradar al gran público, se haya alzado con el premio gordo. Y es que esta película se ha de observar y analizar con sumo mimo, ya que tras la aparente sencillez de la historia, se esconde una reflexión sobre la guerra y sus complejidades.
En primer lugar quiero destacar la labor de la directora Kathryn Bigelow, una mujer con una enorme capacidad para plasmar historias en imágenes (suyas son las interesantes Los viajeros de la noche, Le llamaban Bodhi y Días extraños) y que, lejos de reivindicar eso tan etéreo, vago (y absurdo) llamado la "mirada femenina" (Nunca entenderé todas aquellas personas que defienden esa teoría de que algunas directoras tienen una sensibilidad especial a la hora de poner en imágenes una historia. Y ojo, hablo de filmar, del oficio de director; no de guiones que eso ya es otro tema. Vamos si el paradigma de esa supuesta "mirada" son señoras como Isabel Coixet o Jane Campion, es como para planteárselo en serio), se ha dedicado a rodar con oficio y sabiduría los diversos guiones que le han llegado a las manos. Que duda cabe que la Bigelow no es una autora; pero nadie le niega su enorme talento para atrapar al público desde el primer hasta el último minuto de sus películas.
En segundo lugar señalar que el tema principal de En tierra hostil es la adicción a la guerra. Si algo tengo claro a estas alturas es que para algunas personas cuya vida carece de sentido, de horizonte y de cualquier tipo de propósito, la violencia es la única salida. Eso sucede desde que el mundo es mundo y, muy probablemente, explique muchas de las atrocidades que ha cometido el ser humano a lo largo de la historia. Esta película nos habla de ello a partir del personaje de James, un hombre al que todo le importa un pito y cuya única vávula de escape es la adrenalina que le corre por el cuerpo cuando se enfrenta a las bombas. Frente a él tenemos a un militar cobarde que sólo quiere acabar su contrato para volver a casa y a un tonto, a un digno representante de todos esos jóvenes cuyo patriotismo y sentido del deber (siempre de boquilla) choca con la cruda realidad que cada día marca el silvido de las balas. Por ello no es extraño que a uno lo interprete un negro (el ejercito como vía de escape ante las pocas espectativas laborales) y al otro un digno representante del white trash característico del medio oeste norteamericano. Y entre todos estos personajes, un reguero de sangre, sufrimiento, dolor, incoherencia, falta de empatía, muerte... el sin sentido de una guerra que padecen la población civil y de unos militares que no saben muy bien que están haciendo ahí. A este respecto a una secuencia genial que define la esencia de la película: aquella en la que los protagonistas pasan el rato pegándose puñetazos en el estómago. No hay mejor forma de reflejar el absurdo que conllevatodo lo que están haciendo.
A mi la película me ha recordado mucho a la segunda parte de la obra maestra de Stanley Kubrick La chaqueta metálica: tanto Kurick como Bigelow han sabido retratar a la perfección lo que implica estar luchando contra ni se sabe muy bien qué, ni cómo, ni con quien.
En tierra hostil no es una obra maestra pero si una gran película.

LO MEJOR: La puesta en escena, los actores, la tensión...
LO PEOR: En ocasiones resulta demasiado críptica.

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UP IN THE AIR

2010-03-09T11:45:00.000-08:00

SINOPSIS: Ryan Bingham tiene un oficio de lo más peculiar: recorre miles de kilómetros por todos los Estados Unidos con el objetivo de despedir a trabajadores cuyas empresas no se atreven a dar la cara. Él ha hecho de tan ingrata tarea todo un arte y es feliz sin una residencia fija y recorriendo el país de punta a punta. Toda su chanza puede cambiar si se implanta la idea de una jóven ejecutiva que pretende implementar un sistema para despedir mediante teleconferencia. Con la finalidad de que su empresa no adopte esa decisión, Ryan viaja con la chica para enseñarle los secretos del oficio.

COMENTARIO: Up in the air ha sido uno de los films más unánimemente alabados de los últimos meses, nominaciones a los Oscar incluidas. Obra de Jason Reitman, uno de los directores con mayor proyección del actual panorama cinematográfico y autor de las interesantes Gracias por fumar y Juno, la cinta es una propuesta curiosa que, si bien tiene muchos elementos interesantes, a mi me ha dejado bastante frío.
Y tengo que reconocer que su arranque es francamente prometedor. La historia nos presenta a Ryan Bingham, una persona tan carismática como egoísta, tan enamorada de su trabajo como de él mismo y tan profesional como inmaduro, cuya vida discurre sin complicaciones emocionales ni compromisos familiares (que son, no lo neguemos, dos de los ámbitos que más nos complican la vida a los seres humanos). A la definición del personaje ayuda mucho un George Clooney en estado de gracia, cargado de carisma y que ha logrado eso tan difícil para un actor como es definir a sus personajes a través de miradas y pequeños matices gestuales. Durante estos 45 minutos en los que se nos presenta al personaje y sus circunstancias, la cinta deviene dinámica, la definición de los personajes perfectas y la historia mezcla con habilidad las dosis perfectas de humor y crueldad como para que uno piense que está ante una obra estimable.
Todo se empieza a complicar cuando aparece en escena la ejecutiva (interpretada, siempre desde mi punto de vista, de forma espantosa por una Anna Kendrick que resulta de lo peor de la película) y acaba de estropearse cuando el protagonista acude a la boda de su hermana y, de golpe y porrazo, descubre las bondades de la vida en pareja. Y ojo, no estoy criticando ni el giro romántico ni la concesión hacia la idea de que "el amor lo puede todo", sino lo incoherente que resulta que un personaje tan bien definido y coherente, cambie por arte de magia de esa manera. Repito, el principal problema es que la historia se sustenta sobre un personaje que varía su filosofía vital de golpe y porrazo sin que, y lo digo como lo sentí, se nos expliquen unos motivos creíbles sobre por que lo hace.
Ojo, ni es una mala película ni carece de elementos de interés (Clooney, la estupenda Vera Farmiga, sus primeros 45 minutos que son modélicos, un final que no da ninguna concesión al espectador, una puesta en escena más que correcta...), pero a la que le falta un punto de profundidad y, por que no decirlo, de coherencia para resultar redonda.

LO MEJOR: Sus primeros 45 minutos
LO PEOR: La secundaria Anna Kendrick.

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SHUTTER ISLAND

2010-03-04T05:32:00.000-08:00

SINOPSIS: Estamos en 1954. El marshall Teddy Daniels llega a un sanatorio mental prisión ubicado en una isla. Su misión es investigar la extraña desaparición de una reclusa que asesinó a sus tres hijos. Una vez ahí, todo estará envuelto de una atmósfera enrarecida que logrará que Teddy se vea inmerso en un ambiente de pesadilla y locura. En la isla nada es lo que parece.

COMENTARIO: Ante todo disculparme por no haber actualizado el blog en muchos días. Una punta de trabajo inhumana ha impedido que pudiera dedicarme a actividades menos lucrativas, pero no por ello más placenteras. Una vez superado el agobio me dispongo a actualizar la web con el montón de pelis que tengo pendientes.

Y empiezo por una de las cintas que más está dando que hablar durante estos días. Y es que por fin ha llegado hasta nuestras carteleras, cuatro años después de su magistral Infiltrados, la última obra del maestro Martin Scorsese. Tengo que reconocer que a mi me interesa mucho la obra del autor neoyorkino. Dejando de lado coñazos como New York, New York, La última tentación de Cristo o Kundum, su cine me fascina por su innegable capacidad para recrear unas atmósferas y una visceralidad que convierten a sus películas en experiencias fascinantes y emocionales (e incluso emocionantes). En muchas ocasiones da lo mismo que el guión esté más o menos elaborado o esté mejos o peor trenzado: la fuerza de sus imágenes compensa con creces sus carencias y excesos a la hora de explicar historias.

Con Shutter Island sus defectos y virtudes se acentúan como nunca. Si a nivel visual la película es absolutamente fascinante y sus imágenes logran cautivarnos en todo momento, la historia es previsible y tramposa como pocas.

No me quiero marcar ningún mérito, pero a los cinco minutos sabía perfectamente por donde iban los tiros. Y es que cualquiera acostumbrado a este tipo de cine, lo ve venir todo con una claridad meridiana. Por lo demás, a mi la historia me pareció poco creíble, manipuladora y carente de cualquier tipo de lógica (incluso en la irracionalidad tiene que existir ua cierta coherencia). Parece que Scorsese haya decidido que al ambientar su historia en una institución mental todo valía. Y, afortunadamente, las cosas no son así. A este respecto me hubiera gustado ver que hubiera hecho un Ken Rusell en plena forma.

Es una gran película: No. Es una buena película; pues no se que decir. Sus imágenes son poderosas y magnéticas, pero la historia que nos cuenta naufraga por unas aguas poco cristalinas que, en algunas ocasiones, rozan lo pantanoso.

Ustedes mismos.

LO MEJOR: La puesta en escena. Portentosa

LO PEOR: La falta de coherencia de todo lo que pasa.

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EL HOMBRE LOBO

2010-02-18T03:27:00.000-08:00

SINOPSIS: Lawrence Talbot regresa a casa de su padre para asistir al funeral de su hermano asesinado en extrañas circunstancias. Tras salir una noche de luna llena a investigar, es mordido por un extraño animal que le transmite la maldición del hombre lobo. Ese será el inicio de una dramática existencia en la que Talbot no podrá luchar contra su destino.

COMENTARIO: Los amantes del fantástico seguíamos con curiosidad la evolución de esta película. Y es que las noticias que nos llegaban desde el otro lado del charco no eran nada halagüeñas: retrasos en su filmación, el director Joe Johnston despedido durante la fase de montaje, el responsable de la segunda unidad rodando escenas adicionales, unos test de pruebas catastróficos... Todo ello motivó que la cinta tuviera que ver atrasado su estreno más de un año y que la productora se viera obligada a invertir más de treinta millones de dólares en salvarla.

Con estos antecedentes uno se temía lo peor. Y, hombre, si bien no estamos ante una obra maestra del séptimo arte, lo cierto es que la película se deja ver y resulta muy entretenida. Si, el guión es esquemático, los personajes están escasamente definidos y las situaciones carecen de cualquier tipo de lógica, pero los momentos en los que aparece el licántropo son brillantes (y mucho más gore de lo que uno se podía imaginar) y están muy bien resueltos.

Efectos especiales cojonudos, una banda sonora de Danny Elfman sospechosamente parecida a la que Wojciech Kilar compuso para el Drácula de Coppola y unos actores simplemente correctos, son los complementos de esta película que no pasará a la historia del cine.

LO MEJOR: Los momentos en los que actúa el hombre lobo

LO PEOR: La inmensa superficialidad del guión.

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BIG CULO DAY

2010-02-16T03:32:00.000-08:00

Me uno a esta singular iniciativa del blog de Jotace con un homenaje al maestro Naschy recientemente fallecido

TRUCO O TRATO

2010-02-11T03:02:00.000-08:00

SINOPSIS: Estamos en la noche de Halloween y varios personajes vivirán una serie de terroríficas historias en las que veremos a asesinos en serie, fantasmas, hombres lobo, vampiros, rituales macabros y monsntruos varios. Todos los personajes se irán cruzando hasta confluir en un terrorífico final.

COMENTARIO: Uno no acaba de entender que criterios siguen los distribuidores a la hora de decidir que películas llegan a la gran pantalla y cuales pasan directamente al infierno de la distribución directa en DVD. Y digo eso por que es incomprensible que una película tan mala como el remake de El padrastro se haya estrenado en cines de todo el país, y un producto tan interesante, original y entretenido como este Truco o trato vaya a pasar desapercibida para la inmensa mayoría de los espectadores.
Sin ningún tipo de pretensión y con un planteamiento muy original, el debutante Michael Dougherty nos ofrece una película en la que convergen varias historias que, en un momento u otro del relato, se van entrelazando con mayor o menor intensidad. El mayor acierto es que, aunque parte de situaciones muy manidas y mil veces vistas, es capaz de sorprendernos con un planteamiento original y una historia en la que uno no sabe nunca por donde van a discurrir las cosas. El director se basa en las historias de miedo de toda la vida, pero sabe darles la vuelta y ofrecer nuevas perspectivas sobre ellas.
La cinta me ha recordado mucho al Creepshow que en 1982 manufacturaron con excelentes resultados George A. Romero y Sthepen King, con la diferencia de que aquí se han incorporando más referentes pop y una mayor capacidad para generar tensión. Además su diseño de producción es extraordinario (la secuencia del autobús escolar está super lograda y da mal rollo de verdad) y las ideas fluyen a lo largo de toda la película.
De verdad, una pelíi muy recomendable para todos aquellos a los que les guste el cine de terror. Les aseguro que se sorprenderán gratamente.

LO MEJOR: La originalidad de la propuesta
LO PEOR: Que no se haya estrenado en cines.

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PRECIOUS

2010-02-09T04:39:00.000-08:00

SINOPSIS: Clareece Precious es una joven obesa mórbida que vive en el Harlem de finales de los años ochenta. Su vida no es fácil: despreciada por todos a causa de su aspecto físico, la muchacha tiene que soportar los continuos abusos sexuales de su padre (del que está embarazada de su segundo hijo) y las palizas de su madre. Todo cambiará cuando ingrese en una escuela alternativa que le ofrezca una nueva perspectiva de las cosas.

COMENTARIO: Seguimos con nuestro repaso a las películas nominadas a los Oscar con una de las cintas que más controversia han despertado. Y es que a Precious una buena parte de la crítica especializada la esta poniendo literalmente a parir: que si es pornografía emocional, que si sólo busca manipular los sentimientos de los espectadores, que si es excesiva y de mal gusto... Un auténtico clamor popular contra la cinta que, muy probablemente, condicionará en negativo su carrera comercial.
Y que quieren que les diga; pues a mi la película me ha gustado. Reconozco que no es una obra maestra, que tiene partes muy discutibles y que a veces cae en la lágrima fácil y la autocomplacencia. Pero, de la misma manera, su visionado me ha mostrado una historia honesta sobre una persona cuya vida es un infierno y que hace lo que puede para sobrevivir. Al director Lee Daniels no le interesa mostrar los actos desagradables (el uso de la elipsis es muy certero), sino profundizar sobre las causas y consecuencias de ellos. Por ello lo que prioriza es la historia de supervivencia de una mujer a la que no le queda más remedio que crear un universo de fantasía que le permita evadirse y saber aceptar las pequeñas cosas que le da la vida. El director no pretende darnos una lección de moral ni engañarnos con falsos "Hasppy Ends"; lo que busca es demostrar que, aunque somos víctimas de nuestras circunstancias, todavía podemos ser dueños de pequeñas partes de nuestros destinos.
La cinta tiene momentos crudísimos y refleja toda la miseria moral que somos capaces de desplegar los seres humanos; pero ello lo hace respetando a los personajes y huyendo de los estereotipos. Aunque algunos de ellos lleven a cabo actos incalificables, la película nos demuestra que detrás siempre hay algo, una auto excusa, una autoindulgencia que nos hace justificarlos (y justificarnos a nosotros mismos) por terribles y dolorosos que sean. Aquí no hay buenos ni malos: sólo hay personas a las que la vida les ha jodido a base de bien y que, por aquello de que uno nace donde nace, están condenados de antemano. En medio sólo nos queda sobrevivir como podemos y construir nuestra propia entidad moral.
Si, la película es terrible y la protagonista sufre todo tipo de penurias, pero honestamente no creo que eso se aleje mucho de la realidad que viven muchas personas; de las miserias que podemos encontrar en este mundo.
Para ser sinceros, me pareció mucho más manipuladora, excesiva y emocionalmente tramposa Babel de Alejandro González Iñárritu. Si, esa misma película que muchos de los que ahora machacan a Precious alabaron como el no va más de la modernidad. Y es que hay que joderse.
Destacar que los actores están sobervios, con una sorprendente interpretación de una irreconocible Mariah Carey.

LO MEJOR: El realismo que logra impregnar a la historia.
LO PEOR: Los momenos onírcos.

DISTRITO 9

2010-02-05T23:48:00.000-08:00

SINOPSIS: Una enorme nave espacial se posa sobre la ciudad de Johannesburgo (Sudáfrica). Tras la perplejidad inicial, los extraterrestres son confinados en un campo de refugiados llamado Distrito 9 en el que se les hace vivir en condiciones infrahumanas. A causa del crecimiento demográfico, las autoridades se ven obligadas a llevar a los extraterrestres a otro lugar. Pero el desalojo no será nada fácil.

COMENTARIO: Empezamos nuestro repaso a las películas nominadas a los Oscar con esta producción estrenada a principios del mes de septiembre. Y lo cierto es que su inclusión entre las candidatas no nos extraña ya que se trata de una de las propuestas más originales, innovadoras e interesantes que el género de la ciencia ficción nos ha ofrecido en mucho tiempo.

El planteamiento es sumamente original. La primera parte de la película está planteada como si se tratara de un falso reportaje televisivo y en ella se nos describe la situación en la que viven los refugiados extraterrestres. Alejándose de los cánones establecidos, la cinta opta por el verismo y nos ofrece una realidad en la que la degradación, la cochanbre, la miseria, las mafias y la corrupción campan a sus anchas. Todo ello va acompañado de declaraciones de los habitantes de Johannesburgo en el que el racismo, la incomprensión y la intolerancia que los seres humanos solemos mostrar en situaciones similares, se hacen más que evidente. El gran acierto de la cinta, y lo que hace tan impactante esta primera parte, es que en ningún momento se cae en demagogias y se nos muestra una realidad que, precisamente por cercana, resulta totalmente verosímil.

En la segunda parte la cosa decae un poco ya que la historia pierde el acertado tono documental, para centrarse en la odisea de un funcionario que es infectado por un extraño virus y que tiene que aliarse con un extraterrestre para poder huir de una corporación que quiere utilizarlo como "conejillo de indias". Aquí la cosa se centra más en la acción y se pierde la originalidad del planteamiento inicial en pro de empatar al público con persecuciones y tiroteos varios.

Empero, ello no es óbice para reconocer que el debutante Neil Blomkamp ofrece un buen espectáculo visual en el que un presupuesto muy ajustado de 30 millones de dólares luce como si fuera una gran producción de 150. Bien rodada, con momentos francamente espectaculares y sin darle un respiro al espectador, la película logra sobreponerse a los tópicos habituales dentro del cine de ciencia ficción y crear una historia muy original que no defraudará a nadie.

Una propuesta interesante que, pese a sus evidentes irregularidades, demuestra un nivel medio más que notable. Si se la perdieron en su estreno comercial, no duden recuperarla en su edición en DVD. No se arrepentirán.

LO MEJOR: La originalidad de la historia.

LO PEOR: En su segunda mitad la historía se vuelve más tópica y previsible.

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LOS OSCAR

2010-02-03T07:58:00.000-08:00

Ayer se dieron a conocer las nominaciones a los Oscar. Aunque hace años que tengo muy claro que estos premios están pensados únicamente como estrategia de promoción y que cualquier parecido entre las películas del año y los mejores títulos estrenados es pura coincidencia, no dejo de negar su capacidad para lograr el interés del gran público que es, a la postre, el que se deja los cuartos en la taquilla. Los Oscar son glamour, autobombo y un negocio como la copa de un pino. No hay que darle más vueltas y los norteamericanos lo tienen claro desde hace años.
Sea como fuere, y dado el interés que suele despertar esta ceremonia, durante los próximos días intentaré reseñar las películas que están nominadas en las categorías a la Mejor Película. Por si alguien no lo sabe, este año se nominan 10 títulos que son:

Mejor película

AVATAR

MALDITOS BASTARDOS

UP IN THE AIR

PRECIOUS

EN TIERRA HOSTIL

DISTRITO 9

UN TIPO SERIO

THE BLIND SIDE

AN EDUCATION

CRANK 2: ALTO VOLTAJE

2010-02-02T09:53:00.000-08:00

SINOPSIS: A pesar de haber caído desde un helicóptero, Chev Chelios sobrevive y es raptado por un grupo de chinos que le extraen el corazón y le implantan uno de plástico provisional. Tras fugarse, Chelios tendrá que recorrer la ciudad en busca de su corazón original enfrentándose a todo tipo de delincuentes. El problema es que para que el corazón no se pare se ha de someter a descargas eléctricas. Será una carrera loca por sobrevivir.

COMENTARIO: Crank, veneno en la sangre fue una agradable sorpresa cuyo mayor acierto era el no tomarse demasiado en serio a si misma, ofreciendo un espectáculo de acción que, al menos desde el punto de vista formal, funcionaba a las mil maravillas. El éxito de la cinta propició una secuela perpetrada por el mismo equipo técnico y artístico y que en nuestro país se ha estrenado directamente en DVD.

Para disfrutar Crank 2 hay que dejar los prejuicios de lado. Conscientes de que era muy difícil sobrepasar el nivel adrenalínico de la cinta original, los responsables han optado por ir todavía más lejos y multiplicar por mil los excesos de la misma. El resultado ha sido un film enloquecido, donde nada tiene lógica ni sentido y en el que lo mejor es disfrutar de un desmadre y unos excesos que me cuesta mucho recordar en otro film comercial. La cinta no es más que un cartoon de Tex Avery o Chuck Jones con personajes de carne y hueso en el que todo vale. Hay violencia (desmedida), despelote a mogollón (gratuito, garrulo y desternillante), humor casposo, homenajes a un montón de pelis de Serie B (la recreación de La Batalla de los simios gigantes de Ishiro Honda o el polvo en el hipódromo a lo Russ Meyer son memorables) y unos actores que son plenamente conscientes de que están participando en una gran broma. Destacar a Jason Statham, un hombre que por su carisma y sentido del humor se ha convertido en el mejor actor con el que cuenta el cine de acción hoy en día.

Una película para disfrutar y echarse unas risas.

LO MEJOR: No se toma a si mismo en serio.

LO PEOR: No deja de ser una soberana tontería.

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LA HERENCIA VALDEMAR

2010-01-26T12:30:00.000-08:00

SINOPSIS: Luisa Llorente es una tasadora inmobiliaria que desaparece tras visitar la mansión Valdemar, una extraña casa sobre la que pesa una terrorífica leyenda. Maximilian, el jefe de Luisa, contrata al detective Nicolás Tramel para que descubra el paradero de la joven. Durante el camino conocerá la historia de Lázaro y Leonor Valdemar, las personas que habitaron la casa a finales del siglo XIX.

COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver esta película. No sólo por que es cine fantástico (y ya saben ustedes que esa es mi debilidad) sino por que este es un proyecto novedoso dentro de la cinematografía española. Con un presupuesto de 12 millones de euros, el director José Luis Alemán decidió rodar una historia dividida en dos películas que, sin subvenciones de ningún tipo, ofreciera una nueva perspectiva industrial para la paupérrima industria cinematográfica española. Cine comercial, de género, de calidad y pensado para ser exportado. Y encima era la última interpretación de mí admirado e idolatrado Paul Naschy.

Y con todo el dolor de mi corazón tengo que reconocer que me he llevado una decepción bastante importante. A pesar de sus buenas intenciones y de un diseño de producción bastante resultón, la sensación que nos deja es la de un quiero y no puedo que, con honestidad, tiene más sombras que claros. No se si es el reparto (no hay ni uno que se salve), el irregular ritmo narrativo de la historia, la falta de verdaderos momentos de terror o la sensación de que al guión le faltaban un par de lecturas, pero lo cierto es que su visionado nos deja el sabor de boca amargo de lo que pudo haber sido y no fue.

El director opta por una narración clásica, pero la hace tan clásica que en algunos momentos tenemos más la impresión de estar ante un telefilme televisivo que ante una película pensada para atraer a los aficionados al género. Ello por no hablar de unos efectos especiales digitales que, sintiéndolo mucho, no hacen honor al dinero que se ha invertido en ellos. Y es que le mini secuencia ambientada en el infierno, más parece proceder de un videojuego que de una película medianamente seria.

Tendremos que esperar al mes de octubre para ver la segunda parte y hacer una valoración más fidedigna del producto final. Pero visto lo visto, la verdad es que la cosa no pinta nada bien.

LO MEJOR: El diseño de producción

LO PEOR: Los actores, todos y cada uno de ellos.

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TAQUILLA

2010-01-26T04:01:00.000-08:00

Con toda probabilidad, hoy o mañana Avatar se convertirá en la película mas taquillera de la historia del cine. Y esto no es para tomárselo a broma ya que Titanic estaba en lo alto de esta clasificación desde el año 1997. Aunque ya he manifestado que no me gustó demasiado Avatar, es justo reconocer que Cameron tiene una visión comercial incuestionable, ya que suyas son las dos películas que más dinero han dado a lo largo de la historia.
Como curiosidad a continuación os pongo las diez películas más tquilleras de la historia (teniendo en cuenta que la información sobre Avatar será debidamente actualizada):

Nombre	Año	Recaudación (mil Millones)
Avatar	1997	1.844$
Titanic	2009	1.843$
ESDLA: El retorno del rey	2003	1.119$
Piratas del Caribe: la mano del hombre muerto	2006	1.066$
Batman: Dark Knight	2008	1.001$
Harry Potter y la piedra filosofal	2001	974$
Piratas del Caribe: El fin del mundo	2007	961$
Harry Potter y la orden del Fenix	2007	938$
Harry Potter y el misterio del príncipe	2009	934$
ESDLA: Las dos torres	2002	925$

Aprovecho para colgar las 15 películas españolas más taquilleras de la historia.

Nombre	Año	Recaudación
Los otros	2001	27.254.163 €
El orfanato	2007	25.061.143 €
La gran aventura de Mortadela y Filemón	2003	22.847.733 €
Torrente 2: Misión Marbella	2001	22.142.173 €
Ágora	2009	21.000.000 €
Mar Adentro	2004	19.837.472 €
Torrente 3, el protector	2005	18.168.924 €
Alatriste	2006	16.715.741 €
El otro lado de la cama	2002	12.610.725 €
Días de fútbol	2003	12.212.1223 €
Planet 51	2009	11.500.000 €
Torrente, el brazo tonto de la ley	1998	10.902.631 €
Celda 211	2009	10.772.000 €
Volver	2006	10.242.587 €
Todo sobre mi madre	1999	9.962.047 €

Os dejo un par de enlaces interesantes
Box Ofice Mojo
Box Ofice España/USA

SHERLOCK HOLMES

2010-01-24T09:48:00.000-08:00

ARGUMENTO: Holmes y Watson logran detener a Lord Blackwood, el causante de una serie de horribles crímenes rituales. Antes de ser ajusticiado, el Lord advierte a Holmes que la muerte no le impedirá acabar con el trabajo que dejó pendiente. Meses después, una serie de crímenes parecen demostrar que Blackwood ha vuelto de entre los muertos. Holmes tendrá que utilizar todas sus habilidades deductivas para descubrir un misterio que puede acabar con el equilibrio político de la nación.

COMENTARIO: Nunca he sido demasiado fan de Guy Ritchie. Aun reconociendo que su estilo narrativo me hace gracia, que me lo suelo pasar bien con sus películas y que utiliza inteligentemente ese sentido del humor tabernario tan característico de algunos sectores de la sociedad británica (como hace Grant Ennis en los comics o Irvine Welsh en las novelas), sus películas, en general, me parecen chorradas que se consumen con la misma facilidad con la que se olvidan. Eso es exactamente lo que me pasó con Lock and Stock, Snatch, cerdos y diamantes o RocknRolla.

Con Sherlock Holmes me ha pasado igual que con el resto de su filmografía: me ha entretenido, me ha divertido, lo he pasado bien pero, y ahí está el problema, no he dejado de sentir en ningún momento que la película es una sandez sin pies ni cabeza. Lo que el realizador británico ha intentado (con éxito, a tenor de los resultados de traquilla) es adaptar su estilo enérgico y adrenalínico a un personaje tan conocido y popular como es el inmortal Sherlock Holmes. Para ello ha acometido una operación tan discutible como acertada: respetar la esencia detectivesca de la creación de Arthur Conan Doyle, pero convirtiéndolo en una especie de héroe de acción adaptado a los gustos actuales. Eso, que no es ni bueno ni malo, se ve lastrado por un guión superficial y en el que todo carece de lógica y donde la testosterona brilla por encima de las conexiones sinápticas.

La película es un entretenimiento insustancial con extraordinarios efectos especiales y en la que la magnífica interpretación de Robert Downey Jr (uno de los mejores actores de su generación y un tipo listo que entiende perfectamente lo que esperan los espectadores de cada una de sus películas) aporta el resto. Entretiene, no irrita y, les aseguro, que en algunos momentos les arrancará una sonrisa de complicidad. ¿qué más podemos pedir de un producto como este?

Les garantizo que lo pasarán muy bien durante las dos horas que dura la película. También les garantizo que dentro de unos días ni se acordarán de un film que nos demuestra que, hoy en día, es más importante la estética que la ética. Y lo que nos espera.

LO MEJOR: Robert Downey J.R

LO PEOR: Es fast food cinematográfico

TRAILER

AVATAR

2010-01-19T03:24:00.000-08:00

SINOPSIS: Jake Sully, un ex marine condenado de por vida a estar en una silla de ruedas, es reclutado para viajar al planeta Pandora. Este planeta, que contiene un mineral importantísimo para la tierra, esta habitado por una raza de humanoides llamada Na'vi que viven en permanente contacto con la esencia natural del lugar La misión de Jake consiste en tomar control de un Na'vi creado por ingeniería genética y acercarse a la raza para obtener información estratégica sobre ellos. El problema es que los intereses comerciales pondrán en peligro el ecosistema del planeta y Jake tendrá que tomar una decisión.

COMENTARIO: Y toca hablar de Avatar. ¿Y que decir de este fenómeno de masas? La cinta es la más taquillera de la historia en España, va camino de superar el record de recaudación de Titánic, ha ganado los Globos de Oro más importantes y esta a punto de arrasar (sino al tiempo) en la ceremonia de entrega de los Oscar. Además, por si fuera poco, técnicamente ofrece un espectáculo increiíle, los efectos especiales son lo nunca visto, la utilización de las tres dimensiones es magistral y la narrativa extraordinaria. Con estos antecedentes: ¿Que más se le puede pedir a una película? ¿Que más queremos los humildes aficionados?

Una historia... Ahh!!!

Muy probablemente Avatar marque un antes y un después en la historia del cine. Su concepción del espectáculo, el cuidado detalle y precisión que se ha logrado con los efectos especiales y su capacidad para, a través de las 3 Dimensiones, ofrecer un paso adelante en la historia del cine, no ofrece discusión. No podemos discutir que Avatar se ha convertido en un referente y en un título mítico. Eso es así y a los aficionados al cine y a los que defendemos el cine comercial no nos queda más remedio que rendirnos a la evidencia. Ahora bien, toda la magia, todo el buen hacer de James Cameron y todas las expectativas que podamos tener sobre como va a evolucionar el séptimo arte a partir de este momento se ven lastradas por una historia que, e intentaré ser suave, es una absoluta castaña.

Cuando salí delk cine definí a la película como un Bailando con lobos con marcianos y final feliz. Y es que no se me ocurre otra forma mejor de referirme a una película en la que todo es previsible, fácil, simple, sin sustancia, anodino. Los personajes son tan estereotipados y carecen de tal profundidad psicológica (y no, yo no pedía una descripción psicológica Bergmaniana, sino que, al menos, entendiéramos algo, sólo un poco, sus motivaciones) que se llegan a hacer hasta antipáticos. Y es que los buenos son muy buenos y los malos muy malos; y es que los pobres indígenas azules son tan absolutamente inmaculados y el hombre blanco tan perverso y egoísta que, francamente, da risa. Con un ecologismo digno de una clase de P4, unas situaciones que, de puro inverosímiles y previsibles, provocan en algunos pasajes vergüenza ajena (alguien no supuso desde el principio que el protagonista acabaría domesticando al bicharraco volador) y ofreciendo unos conceptos de filosofía Zen (el rollo de la madre tierra y similares) que logran que, en comparación ,Jorge Bucay parezca Bernard Henry-Levy, la película naufraga por todos los lados.

Cameron es un gran técnico, un hombre que maneja a la perfección los mecanismos del lenguaje cinematográfico y, en muchos sentidos, un visionario. Pero, que quieren que les diga, creo sinceramente que le hace falta un guionista como el comer.

LO MEJOR: La parte técnica.

LO PEOR: El guión.

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SALOMON KANE

2010-01-14T12:16:00.000-08:00

SINOPSIS: El capitán Salomon Kane, tras una vida de asesinatos y salvajismo, escapa milagrosamente de un demonio que quiere robar su alma. Tras pasar una temporada en un convento, Salomon parte para encontrarse a si mismo con el firme propósito de no ejercer nunca más la violencia. Pero las circunstancias le harán cambiar de idea cuando una extraña secta empiece a atacar a los habitantes de Inglaterra.

COMENTARIO: Robert. E. Howard fue un afamado escritor norteamericano de principios de siglo XX especializado en novelas de espada y brujería. Su creación más famosa y conocida fue "Conan el bárbaro", un feroz guerrero que habitaba en una época mítica en la que la magia y la brujería estaban a la orden del día. Pero Conan no fue su única creación; personajes como Red Sonja, Kull el conquistador o este Salomon Kane que ahora nos ocupa también surgieron de su infatigable pluma.

El concepto de Salomon Kane es muy similar al de Conan: un hombre solitario y ducho en el arte de la guerra, que se enfrenta con todo tipo de seres mágicos e infernales con la sana intención de hacer prevalecer la justicia en el mundo. Las diferencias con el cimeriano las encontramos en que Salomon habita en un mundo real (la Inglaterra del siglo XVII) y que sus actos están condicionados por un sentido de la moralidad de la que el bárbaro carecía.

82 años después de su publicación, llega a las carteleras de nuestro país la adaptación cinematográfica del personaje. Producida desde Inglaterra y dirigida por Michael. J. Bassett (el realizador de la interesante Deathwatch ), la película es un entretenimiento de espada y brujería a la que no hay que pedirle mucho más de lo que ofrece. Con un guión muy simplón, unos personajes apenas perfilados y una producción media (45 millones de dólares de presupuesto que se nos antojan insuficientes, como se puede constatar en el cutre diseño del monstruo demoniaco), la cinta ofrece aquello que el espectador demanda de este tipo de productos: acción, algo de gore, aventura y entretenimiento palomitero.

Reconociendo que esta bien hecha, queda a opción del espectador invertir siete euros en la entrada o esperar a su edición en DVD y disfrutarla cómodamente en el sillón de casa.

Avisados quedan.

LO MEJOR: Es muy entretenida

LO PEOR: El guión es simple y previsible como un capítulo de Águila roja.

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EL CÓNSUL DE SODOMA

2010-01-12T13:08:00.000-08:00

SINOPSIS: Jaime Gil de Biedma (1929-1990) fue uno de los mejores poetas de la generación del 50. Hijo de un importante industrial, homosexual, provocador y con una capacidad increible para retratar sus innumerables contradicciones a través de la pluma, su figura es una de las más fascinantes de la Barcelona de finales de la segunda mitad de siglo.

COMENTARIO: Hace unos meses James Wallestein (al que le agradezco infinitamente que me facilitara una copia de los trabajos de Jorge Molina) me pidió que realizara un comentario para su extraordinario blog Dimensión fantástica. En mi escrito, entre otras chanzas, le decía que si me gustaba su web era por que lograba transmitir muy bien las experiencias personales y subjetivas que le evocaba cada película.

El estreno de El cónsul de Sodoma ha provocado una gran polémica entre todos aquellos que conocieron personalmente a Gil de Biedma. El más gráfico de todos ha sido Juan Marsé que la ha calificado como, y cito textualmente, una cinta "grotesca, ridícula, falsa, inverosímil, sucia, pedante, dirigida por un fallero incompetente y desinformado, mal interpretada y con diálogos deplorables." Ahí es nada. Josep María de Sagarra, por su parte, en su genial columna dominical de La Vanguardia, también ponía en tela de juicio la calidad de la película. Vamos, que la cinta está suscitando un cierto revuelo y opiniones encontradas entre sus detractores y sus escasos defensores.

Yo, que ni conocía la vida de Gil de Biedma ni he leído absolutamente nada de su obra (una laguna que espero subsanar en breve), acudí a ver la película con el firme propósito de analizarla como producto cinematográfico, obviando las polémicas sobre su veracidad. Y que quieren que les diga. Sin saber si es muy fiel y respetuosa con la vida del poeta, lo que puedo deciros es que, reconociendo sus lagunas, la película me ha gustado muchísimo y que tiene momentos de cine sobresalientes.

La cinta es el retrato de un ser humano complejo y fascinante que lucho toda su vida contra sus propias contradicciones y que plasmo en sus textos, de forma magistral, sus fantasmas cotidianos. Gracias a un sólido guión y a la soberbia interpretación de Jordi Mollà, los espectadores podemos conocer los miedos, inquietudes y anhelos de una persona que siempre miró la parte más amarga de la vida; de un Peter Pan que se negaba a crecer y que contemplaba con dolor y tristeza el paso de los años. La película es una reflexión sobre el paso del tiempo, sobre las motivaciones que conducen hacia la creación artística, sobre la incapacidad de asumir la propia madurez, sobre lo difícil que resulta plegarse a los convencionalismos (y sobretodo huir de ellos) cuando no se tienen claros ni los propios objetivos vitales. Una película, en definitiva, sobre el amor, la soledad y el miedo a ser uno mismo.

Si, tiene lagunas, momentos flojos y cae a veces en los estereotipos más burdos. Pero da lo mismo: la película logra emocionar y sólo por ese plano final (que no desvelaré) merece la pena pagar los seis euros de la entrada.

Y que quieren que les diga: un servidor, como decía al principio, no ha podido reprimir sentirse identificado con los fantasmas cotidianos de ese ser humano.

Y por cierto: si en lugar de ser la biografía de un personaje que existió como Gil de Biedma, la película fuera un guión original sin parecido con la vida real, probablemente ahora muchos de los que la critican la tacharían de película imprescindible.

LO MEJOR: El retrato de un ser torturado y coherente en su incoherencia.

LO PEOR: Un guión algo desequilibrado.

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El retorno

2010-01-12T11:08:00.000-08:00

Tras más de un año en el que he abandonado completamente este blog, he decidido volver con fuerzas renovadas. Los motivos de mi retorno al universo blog son los mismos que me llevaron a dejarlo en su momento: me lo pide el cuerpo.
Así de sencillo, así de complicado

Sin más preámbulos, bienvenidos de nuevo

AULLIDOS 6

2008-10-25T00:48:00.000-07:00

SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante el cariz que están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.

COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, por malos, incoherentes, exagerados y carecer de cualquier tipo de vergüenza torera, merecen toda mi admiración. ¡Que coño!: también hay que saber disfrutar de estas pequeñas locuras que nos ofrece la vida; no todo ha de ser seriedad y trascendencia. Digo esto a colación de esta película que es, para que lo vamos a negar, una castaña impresionante, pero que resulta sumamente divertida.
Sexta parte de una de las sagas más longevas de la historia del cine de terror, este es el claro ejemplo de que si segundas partes no fueron buenas, las sextas.... Y eso que el primer Aullidos de Joe Dante no estaba nada mal. Esta era una peli de serie B muy bien hecha, con momentos de terror logrados, una historia solvente y unos cojonudos efectos de maquillaje de los maestros Rick Baker, Rob Bottin y Greg Cannon. El éxito de la película fue tan grande que dio pie a siete secuelas a cual más mala, más barata y más cutre.
En el caso que nos ocupa hablamos de la sexta. Aquí la acción se traslada hasta un pueblo al que llega el hombre lobo de turno. A la población llega un circo plagado de freaks y comandado por un vampiro que quiere secuestrar al hombre lobo para exhibirlo a los paletos locales. Esto nos puede dar una idea de por donde van los tiros: caspa a granel, maquillajes de risa, diálogos absurdos y un sin fin de despropósitos y falta de prejuicios con los que uno sólo puede echarse unas risas. De verdad, hacía tiempo que no veía algo tan rematadamente malo y desvergonzado.
Para disfrutarla sin prejuicios.

LO MEJOR: El maquillaje del vampiro
LO PEOR: Todo lo demás.

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THE BLACK GESTAPO

2008-10-17T05:44:00.000-07:00

SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante erl cariz quie están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.

COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, aunque vistos hoy en día provoquen vergüenza ajena, resultan tan entrañables como fascinantes. Resulta paradójico que estas películas, que en su momento estuvieron pensadas para las clases más populares y menos exigentes, hoy en día se hayan convertido en objeto de culto para frikis, gafapastas y alternativos varios. Que le vamos a hacer si somos como borreguitos.
Dentro de estas pelis de serie B hubo varias tendencias, tipologías, géneros e incluso estilos. Uno de los más apasionantes es el conocido como Blaxploitation. ¿Qué esto de la Blaxploitation? Pues películas hechas por y para un público negro (o afroamericano en el lenguaje políticamente correcto) cuyo único objetivo era lograr que los espectadores morenitos se dejaran sus dólares en películas que hablaran de sus problemas y los tratara con un mínimo de dignidad e inteligencia.
La primera de estas películas, y la que dió pie a todo el fenómeno, fue Las noches rojas de Harlem, un título protagonizado por el actor Richard Roundtree que cosechó un éxito más que considerable. Las películas de Blaxploitation contó con sus estrellas particulares (entre otras Pam Grier) y con unas características estilísticas comunes: historias sencillas pero efectivas, desnudos y violencia gratuita, funky a mogollón, pelos a lo afro, vestidos setenteros que provocan el más absoluto de los sonrojos y presupuestos escasos. Como pasa con todo, la moda se fue disipando y el subgénero degeneró hacia productos cada vez más casposos e infumables. Este The Black Gestapo sería un ejemplo terminal del grado de cutrez al que llegó la Blaxploitation.
Los que hayan leído el argumento se pueden imaginar de que va la cosa, pero hay que ver la película para creerla. De verdad que uno no acaba de entender como se puede llegar a hacer algo tan cutre, macarra y malo y levantarse por la mañana tan tranquilo. Dejando de lado la historia, los actores son de lo peor que he visto en mi vida, la violencia más gratuita que nunca (la secuencia de la castración es digna de las antologías) y el sin sentido campa a sus anchas. Si sale hasta sale una increible Uschi Digard que ni se molesta en abrir la boca.
Una curiosidad sólo recomendada para los muy frikis.

LO MEJOR: Es tan mala que resulta simpática.
LO PEOR: Todo.

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QUEMAR DESPUÉS DE LEER

2008-10-16T06:46:00.000-07:00

SINOPSIS: Ozzie Cox es un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias, con toda su experiencia en la Agencia, en un CD. El problema surge cuando su mujer le roba el CD y se lo deja accidentalmente en el gimnaso, lugar donde lo encuentran unos empleados sin escrúpulos que intentan chantajear a Cox. A raiz de esto, la CIA manda a un asesino para intentar solucionar el entuerto. Ahí el CD llegará alasmanos de una empleada que quiere hacerse una operación de estética.

COMENTARIO: Tal como comenté en la entrada dedicada a No es país para viejos, en la obra de los hermanos Coen, sin abandonar en ningún momento la independencia y una personal forma de mirar la realidad, siempre se han alternado películas serias y con importantes pretensiones artísticas con otro cine mucho más ligero que siempre se mueve dentro de los terrenos de la comedia. Tras lograr el Oscar con la película protaganizada por Javier Bardem, ni un año después llega hasta nuestras pantallas una comedia desenfadada y loca como sólo ellos saben hacer.
Reuniéndose de nuevo con su actor fetiche George Clooney, los hermanos manufacturan una desmadrada y divertidísima historia en la que se nos habla sin tapujos de cual profundos son los límites de la estupidez humana. En esta película todos los personajes son hipócritas, idiotas, egoístas, interesados; todos ellos mienten para lograr seguir con sus miserables vidas, sin tener en cuenta las consecuencias de sus actos. Este mundo de mezquindad, esta hoguera de pobres vanidades es retratada por los hermanos con gracia y desparpajo sirviéndose de la complicidad de unos actores en estado de gracia. Aunque la historia es bastante chorra y la puesta en escena terriblemente plana, los impagables diálogos y un giro final francamente inesperado y sorprendente, logran que estemos clavados en la butaca durante todo el metraje.
No es una obra maestra pero si un entretenimiento de primera.

LO MEJOR: Brad Pitt, sencillamente sublime.
LO PEOR: Una resolución algo precipitada que demuestra que el guión no se ha cuidado demasiado.

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JOHN RAMBO

2008-10-15T02:07:00.000-07:00

SINOPSIS: John Rambo, después de una vida marcada por la guerra, vive una solitaria y apacible existencia en la jungla del norte de Tailandia, pescando y cazando cobras para luego venderlas. Pero todo esto cambia cuando un grupo de misioneros necesita que les guíe hasta la frontera con Birmania para suministrar medicinas y alimentos a unos refugiados asediados por el despiadado ejército birmano. Rambo no tendrá más remedio que volver a involucrarse.

COMENTARIO: Sylvester Stallone es uno de esos actores que, con el transcurso de los años, ha pasado de ser unánimemente denostado a convertirse en un objeto de culto para muchos aficionados. Tras lograr el éxito a mediados de los setenta gracias a Rocky, Stallone se convirtió en una de las mayores extrellas del cine de acción. Ello duró hasta el año 1993 en el que protagoniza Demolition Man, su último gran éxito. A partir de entonces el bueno de Sly entra en una lenta pero progresiva decadencia que le lleva a protagonizar una serie de fracasos económicos (a pesar de protagonizar una película interesante como Cop Land donde demostró que tampoco era tan mal actor como lo pintaban) que provocan su práctica desaparición de la primera línea de panorama internacional. Consciente de su situación, el actor decide recluirse en la producción de un Reality Show centrado en el mundo del boxeo y esperar mejores tiempos. En el 2006, con sesenta años de edad, olvidado por las nuevas generaciones y con una cara que es un muestrario de los horrores que puede llegar a provocar el botox en un ser humano, Stallone dirige y protagoniza una nueva entrega de Rocky que, para pasmo de propios y extraños, deviene un film muy digno en el que se ofrece una interesante reflexión (tal vez autobiográfica) sobre lo que significa caer en el olvido. El éxito crítico y comercial de la película le lleva a desempolvar al segundo personaje que le proporciono fama y dinero: John Rambo.
Tras ver la película, una cosa nos queda muy clara: con John Rambo, Satallone no ha tenido las mismas pretensiones artisticas y temáticas que en Rocky Balboa. Mientras la segunda, con sus limitaciones, es un film que busca profundizar en la psicología de los personajes y se centra en mostrarnos los esfuerzos que es capaz de acometer el ser humano para gestionar con dignidad su propia decadencia, con Rambo sólo ha pretendido ofrecernos un entretenimiento intrascendente. ¡Y que entretenimiento! John Rambo es visceral, dura, de una violencia tan brutal que roza, si no lo sobrepasa, los postulados del cine gore. Dejando de lado los discursos políticos de sus anteriores entregas, el actor-director se limita a manufacturar un correctísimo film de acción, maravillosamente filmado y cuyo único objetivo es el de entretener a los espectadores. Que nadie busque discursos crepusculares ni zarandajas; esto es solo acción y violencia pensada especialmente para todos aquellos que, no se muy bien por que, vemos al bueno de Stallone como a un abuelete entrañable que se niega a hacernos olvidar esos maravillosos momentos que algunos pasamos en la adolescencia gracias a sus películas.

LO MEJOR: La falta de pretensiones y la violencia de las secuencias de acción.
LO PEOR: El guión: se resume en media línea.

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JCVD

2008-10-14T03:05:00.000-07:00

SINOPSIS: El gran astro del cine de acción, Jean-Claude Van Damme, se encuentra disfrutando de un merecido descanso en Bruselas cuando sufre una repentina crisis existencial. De repente la gran estrella de cine que todos conocemos se convierte en un tipo corriente, aquejado de miedos, contradicciones y esperanzas.¿Cómo puede mantener la leyenda que ha ayudado a construir a su alrededor? ¿Qué hace un hombre de acción cuando la pistola que te está apuntando a la sien está cargada con balas de fogueo? Jean-Claude se encuentra a sí mismo en la encrucijada del fin de su vida como héroe.

COMENTARIO: Todos los cinéfilos contamos con nuestras pasiones inconfesables, con esos films que, aunque como productos cinematográficos sean deficientes o directamente malos, logran conmovernos, agradarnos e, incluso, apasionarnos. A estas películas los norteamericanos lo definen con el término de "guilty pleasure" (placer culpable) y todos contamos con alguno. Personalmente dentro de esta categoría yo pondría títulos como Armageddon, Rocky IV, Ojos de serpiente o las películas de Van Damme.
Reconozco las infinitas limitaciones interpretativas del belga, lo casposas que son la mayor parte de sus films, lo demencial de sus argumentos y la poca personalidad de la mayor parte de los directores con los que ha trabajado. Más aun, no me duele en prendas asumir que se trata de un actor venido a menos, pasado de moda y que hace tiempo que se mueve en los peligrosos márgenes que separan a la serie B de la Z. Pero el actor belga tiene, para mi, algo especial; una forma singular y carismática de abordar sus papeles que logra que le prefiera por encima de otras estrellas del cine de acción de bajo presupuesto como Steven Seagal, Chuck Norris o Dolph Lundgren. Si, me encanta ver las caspas de Van Damme y disfrutar con sus patadas y golpes de kárate. Por todo ello aguardaba con ilusión esta película.
Aviso a navegantes: que nadie espere que JCVD es el típico film de acción. El director francés Mabrouk El Mechri, admirador confeso del actor, ha manufacturado una película en la que rinde un homenaje a su ídolo a partir de algo terriblemente complejo como es la desmitificación y la humanización del personaje. Lo que vemos en la película es un Van Damme que se ríe de si mismo, de sus papeles infumables, de sus limitaciones interpretativas, de lo casposas que son la mauyor parte de sus películas, de la figura del héroe de acción cinematográfico; pero también encontramos una reflexión sobre la decadencia de una estrella, sobre las inquietudes y anhelos de una persona que lo ha sido todo y ahora se encuentra en unos de los periodos más bajos de su vida, sobre el precio de la fama, sobre la inmoralidad del negocio del cine, sobre lo que somos y queremos ser. Sin perder nunca el sentido del humor, la película desnuda al personaje y nos muestra a una persona que, como todas, sobrevive con sus propias contradicciones. JCVD es un film interesante, apasionante y que demuestra que incluso los temas más triviales pueden ser tratados con inteligencia.
Por cierto, Van Damme está fantástico como actor. Pásmense señores.

LO MEJOR: El monólogo en plano secuencia en el que el actor se desnuda emocionalmente.
LO PEOR: Ciertas lagunas en el guión.

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MARTYRS

2008-10-13T02:26:00.000-07:00

SINOPSIS: Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

COMENTARIO: Estoy plenamente convencido de que en los próximos meses se hablará, y mucho, de esta película. Ayer a las dos del mediodía tuve ocasión de verla en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Al principio yo me esperaba un film francés encuadrado dentro de la escuela de Frontier(s) o A L'interieur, es decir una película cruda, con abundantes dosis de sangre y cierta originalidad en su argumento y puesta en escena. Y durante la primera hora de proyección es exactamente eso lo que me encontré. Esta es la historia de una niña que huye en estado catatónico de una casa y que, quince años después y en compañía de una amiga, decide acabar con sus captores. El director, en lugar de optar por una rutinaria historia sobre venganza, aporta un interesante plus fantástico: la protagonista es agredida por una mujer deformada de la que no sabemos muy bien si es real o forma parte de la imaginación de la muchacha que justifica de esa manera su tendencia a autolesionarse. Hasta ahí simplemente se trata de una película correcta que contiene buenos momentos de terror.
El problema es que cuando todo parece resuelto, el director Pascal Laugier da un giro de 180 grados al argumento y nos ofrece una media hora final que es, sin exagerar un ápice, la mayor muestra de puro mal rollo que uno ha tenido ocasión de ver en una pantalla a lo largo de sus treinta y ocho años de vida. Sin desvelar demasiadas cosas del argumento, sólo les diré que lo que nos muestra la película es duro, desagradable, difícilmente soportable y que logra remover en su silla al más curtido de los aficionados. En la sala que se proyectaba hubo deserciones masivas y que al final de la proyección todos teníamos la sensación de haber visto algo excesivo y terrible. ¿Arte? ¿Provocación? ¿Reflexión sobre la brutalidad inherente al ser humano?
Seguramente se hablará de los límites de la mostrable, de censura, de si hay que evitar este tipo de cine, de historias sobre lo políticamente correcto. Yo creo que todo ello es gratuito, que el arte es algo que funciona a través de la subjetividad y que ella no puede medirse bajo parámetros de lo que es bonito o no; de lo que se puede y no se puede mostrar. El arte es ficción, reflexión o reflejo de la realidad, no la realidad misma. Eso no lo podemos obviar ni olvidar. Es la base de la libertad.
¿La película es buena o no? Pues no se muy bien que decir. Como producto cinematográfico tiene cosas interesantes y cumple con su función de empatar, pero temgo miedo de que los arboles, por frondosos que sean, no me dejen ver el bosque. Creo que necesitaré unas cuantos días para pensarla y meditarla. De momento lo único que les puedo decir es que mentes y estómagos sensibles abstenerse.
Aunque los medios de comunicación ya se encargarán de recordarlo por activa y por pasiva, avisados quedan.

LO MEJOR: Su capacidad para epatar
LO PEOR: Su capacidad para epatar.

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LOS OJOS SINIESTROS DEL DOCTOR ORLOFF

2008-10-03T03:34:00.000-07:00

SINOPSIS: Una joven llamada Melissa, está convencida de haber cometido un terrible crimen en sueños. Su familia angustiada reclama la presencia del doctor Orloff para que la ayude. Pero éste no quiere más que consumar una antigua venganza, por lo que someterá a Melissa a unos retorcidos tratamientos

COMENTARIO: Jesús Franco es el director más atípico de la historia del cine español. Nacido en Madrid en 1936, ha dirigido más de 189 películas hasta la fecha. Franco ha tocado todos los palos (ciencia ficción, comedia, terror, erótico, porno), ha trabajado por toda Europa con cientos de pseudónimos o ha dirigido a actores de la talla de Christopher Lee o Fernando Rey, siempre en producciones de bajo presupuesto que van desde la serie B hasta la serie sub Z. Su figura es idolatrada por miles de aficionados alrededor del globo que lo consideran unos de los últimos outsiders, como una figura que siempre ha trabajado en libertad y ha dirigido lo que le ha dado la gana.
Esta personalidad, que no negamos resulta fascinante, se trasmite en unas películas que tienen unas temáticas muy similares, que juegan con un sentido del erotismo muy particular y que cuentan con un peculiar estilo a la hora de plantearse la puesta en escena. Todo en el cine de Franco es atípico... para sus detractores y admiradores. Desgraciadamente yo me encuentro entre los primeros.
A mi el cine de Franco me resulta cutre, malo, aburrido, sin pies ni cabeza. Sus películas no logran engancharme y, cuanto más las veo, más tengo la impresión de que su problema es que no tiene ni idea de donde se ha de colocar una cámara.
La película que nos ocpa tiene todos los dectos del cine de Franco. Recuperado a un personaje habitual en su cine, el doctor Orloff, el director nos ofrece una historia absurda y sin sentido trasmitida a través de una puesta en escena carente de ritmo, llena de zooms y primero planos innecesarios. Nada más; la película es más mala que un dolor y sólo la recomiendo a los seguidores del director. Avisados quedan.

LO MEJOR: Montserrat Prous, la protagonista principal
LO PEOR: Todo lo demás

ENTREVISTA JESÚS FRANCO

PROZAC NATION

2008-10-01T05:38:00.000-07:00

SINOPSIS: Estamos en los años 80. Lizzy es una joven brillante que es aceptada en Hardward con una beca para estudiar periodismo. La muchacha, que sufre depresiones desde pequeña, pretende empezar una nueva vida, olvidarse de los problemas de cas (su madre es una neurótica que no ha aceptado la separación de su marido; su padre un bohemio que ha pasado literalmente de su hija) y conocer amigos. Aunque en un principio las cosas irán bien, pronto empezarán a desatarse crisis. Lizzy tendrá que acudir a la psiquiatra Sterling para que le ayude con su problema.

COMENTARIO: Basada en un célebre best seller autobiográfico en el que la escritora Elizabeth Wurtzel explica sus problemas con la depresión, esta película del año 2001, cuyos innumerables problemas de producción hicieron que no se estrenara en los Estados Unidos hasta el 2003, nunca llegó a proyectarse en las pantallas españolas y sólo llego algunos años después en DVD y sin ningún tipo de promoción. Y es una verdadera lástima, ya que con la cantidad de castañas que se estrenan a lo largo del año, los distribuidores podrían haber arriesgado con un film como este. La película nos explica la historia de una periodista que fue superando poco a poco una extraña forma de depresión que la estaba hundiendo en un pozo sin fondo. Lo que más tenemos que agradecer a la cinta del desconocido realizador noruego Erik Skjoldbjaerg (toma ya), es su honestidad y su escaso interés por entrar en juicios morales. El se limita a presentarnos a los personajes, mostrarnos sus conflictos y dejar que seamos los espectadores los que extraigamos nuestras conclusiones. Repito, esta es una película sobre relaciones personales, un film en el que no hay buenos ni malos, sólo personas que hacen lo que pueden para salir adelante. Cierto que el guión peca en algunas ocasiones de superficial y que la enfermedad está tratada de una forma tangencial, pero la propuesta resulta en su conjunto interesante y, en algunos momentos, conmovedora.

Buena labor tras las cámaras del director (sabe expresar bien los estados de ánimo de la protagonista) y un curioso papel para Christina Ricci que resulta creíble como protagonista. A descubrir.

LO MEJOR: la honestidad de la propuesta

LO PEOR: Tendría que profundizar más en algunas situaciones

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30 DIAS DE OSCURIDAD

2008-10-01T03:40:00.000-07:00

SINOPSIS: A una pequeña ciudad del norte de Alaska, donde no se ve la lus del sol en invierno durante treinta días, llega un grupo de vapiros que pretende alimentarse de la población. Tras una primera noche en la 1que acaban prácticamente con la totalidad del pueblo, el sheriff local y un grupo de personas tendrán que hacer todo lo posible para sobrevivir hasta que vuelva a salir el sol.

COMENTARIO: Basada en un cómic de Steve Niles y Ben Templesmith, publicado en España por la editorial Devir en el año 2003 con el título de "30 Días de Noche", que no tengo el gusto de conocer pero que recibió en su momento buenas críticas, nos llegó hace unos meses está película que retoma la temática vampírica. La película, a priori, parecía interesante ya que aportaba un punto de vista original sobre el tema, los vampiros son una raza milenaria que, con la intención de no ser descubiertos, atacan a pueblos aislados situados en la zona ártica, se basaba en un buen material de partida y contaba con la dirección de David Slade, un hombre que había sorprendido con su ópera prima Hard Candy.

Pues señores, nuestro gozo en un pozo. La película es un producto rutinario a más no poder, previsible hasta el sonrojo, sin pizca de gracia ni de originalidad, con actores que no creen en lo que hacen y con una puesta en escena que, con algunos momentos buenos, resulta de lo más simple y anodino que nos podamos imaginar. Si se acercan a este título se encontrarán con una historia 100 veces vista que, con suerte, les deparará algunos sustos y que olvidarán con la misma rapidez que la han visto. Cine para consumo masivo y recomendada para amantes del terror poco exigentes que no tengan nada mejor que hacer un domingo por la tarde.

LO MEJOR: Alguna secuencia protagonizada por los vampiros

LO PEOR: La sensación de Deja Vu.

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LA TERZA MADRE

2008-09-27T00:16:00.000-07:00

SINOPSIS: Sarah Mandy trabaja restaurando obras de arte en un museo de Roma. Un día llega hasta ella una urna que contiene las cenizas de una bruja conocida como Mater Lachrymarum. El regreso de esta hermosa, pero terrible, hechicera trae caos al mundo. Una ola de asesinatos arrasa la capital italiana mientras las brujas se reúnen para homenajear a su reina. Sarah tendrá que hacer frente a la amenaza.

COMENTARIO: Llevaba algo así como veinte años, desde que vi con 18 Suspiria e Inferno, esperando esta película. Si señoras y señores, veinte largos años rogando para que el bueno de Dario Argento solucionara los problemas legales con su ex mujer Daria Nicolodi y pudiera terminar su famosa "trilogía de las madres". Veinte largos años, como muchos de los millones de aficionados al cine de terror de todo el mundo, suspirando por ver terminada la historia de las tres madres y saber que pasaba con la famosa bruja Lachrymarum. En el año 2007, por fin, presentó la película en sociedad. En Setiembre de 2008, tras agenciarme unos subtítulos en castellano decentes, pude verla (las películas de Argento no se estrenan es España, que le vamos a hacer). Y que quieren que les diga. Y como quieren que les explique la enorme DECEPCIÓN (en mayúscula y negrita para que quede claro) que he sentido después de ver la película.
Par aquello neófitos, decir que Dario Argento es uno de los directores de cine (de terror) europeos más importantes (con permiso de Terence Fisher y Mario Bava) y sin duda el más popular. Nacido en Roma en el año 1940, Argento le otorgó al Gialo (un género eminentemente italiano de asesinos misteriosos que cometen sus crímenes motivados por traumas del pasado) categoría universal y logró dirigir durante los setenta y ochenta un gran número de grandiosas películas que han pasado a la historia del género. Algunos de sus films más importantes son Rojo Oscuro, Suspiria, Inferno, Phenomena (la favorita del que suscribe) u Opera. En los noventa le llego una imparable decadencia y películas como Trauma, El fantasma de la ópera o Insomnio demostraban que el director estaba inmerso en una imparable cuesta abajo de la que sólo salió parcialmente con la enfermiza El síndrome de Sthendal. Sus interesantes propuestas para la serie televisiva Master of Horrors (si no la han visto, se la recomiendo encarecidamente), hicieron que muchos pensáramos que al abordar su esperada Terza Madre, el director diera lo mejor de si mismo y nos ofreciera una obra maestra a la altura de su talento. Pero... mi gozo en un pozo.
La película nos narra la llegada de la madre Lachrymarum, la más chunga de todas, a Roma y como este advenimiento empieza a causar la locura en las calles. El problema de la película no es tanto que se sustente en un guión enloquecido y sin pies ni cabeza, que eso es algo habitual en el director y sus seguidores hemos aprendido a perdonárselo; el gran problema es que lo mejor que tiene Argento, su puesta en escena, no aparece por ningún lado. Si por algo nos gusta Argento es por su estética abigarrada, enfermiza, enloquecida, por su cuidado por el detalle, por unas asesinatos coreografiados al milímetro, por unaa utilización de la música desmesurada pero que logra cautivarnos, por sus angustiosos trávelings... Nada de eso encontramos en la película. Pero nada de nada. La Terza madre, si no fuera por el gore, que lo tiene y en cantidades industriales, podría pasar por uno de esos telefilmes fantásticos que emite Antena 3 los sábados a las siete de la tarde. ¡Si es que hasta los efectos por ordenador son de vergüenza ajena!.
En la película funcionan muy pocas cosas y la sensación que nos deja es de profunda fustración. Repito, lo que más me molesta no es el flojo guión; es su incapacidad para lograrme cautivar a través de las imágenes. Y eso que la película está plagada de homenajes a sus anteriores films. Y sale su hija Asia Argento . Y la música es de Claudio Simonetti Y hay mogollón de gore...
Que le vamos a hacer, lamentablemente ya se sabe que el infierno está asfaltado de buenas intenciones.

LO MEJOR: El primer asesinato, lo único auténticamente Argento que hay
LO PEOR: Lo plana ques es la puesta en escena.

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PLÁCIDO

2008-09-24T01:36:00.000-07:00

SINOPSIS: En una pequeña ciudad de provincias, unas señoras se inventan la campaña navideña "cene con un pobre", para que los más necesitados disfruten por una noche del calor y el afecto que no tienen, sentados a la mesa de las familias pudientes. En medio de los preparativos se encuentra Plácido, que es contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero hay un pequeño detalle que le impide dedicarse únicamente a su tarea: ese mismo día de Nochebuena le vence la primera letra del motocarro, su único medio de vida.

COMENTARIO: El que suscribe, que tenía cinco años cuando murió el Francisco Franco y que ha pasado toda su vida viviendo en democracia, no puede dejar de sorprenderse ante lo que nos muestra una película como Plácido. Y es que no puedo acabar de entender como la censura de la época, que prohibía las cosas más absurdas y ridículas, permitió que este film llegara a las carteleras españolas. La película es una cruda y despiadada parodia de una sociedad hipócrita, egoísta, mezquina, que vive de las apariencias y que permanece adocenada dentro de una realidad triste y gris. Imagino que ese humor negro, tan habitual en nuestra forma de ver la vida, y la sutileza con la que realiza determinadas críticas, lograron que los censores, señores más bien cortos de entendederas, pasaran por alto lo que era, a la postre, un palo en toda regla al sistema y los que formaban parte de él.
La cinta no deja títere con cabeza. Las clases pudientes son retratadas como un conjunto de hipócritas beatos a los que sólo les importa las apariencias; la clase media son un conjunto de seres mezquinos dispuestos a todo por quedar bien con los primeros; los obreros, encarnados por Plácido, seres egoístas que se limitan a hacer lo que pueden por sobrevivir. Por último los pobres, nos son mostrados como seres miserables que se limitan a observar lo que pasa con escepticismo y sin enterarse absolutamente de nada. A este respecto, la secuencia en la que el mendigo está a punto de morir resulta modélica. En ella vemos a la familia organizadora preocupándose únicamente del estado civil del mendigo, la anfitriona de colocar sábanas de hilo y del aspecto de su asistenta, Plácido de cobrar para pagar la letra, al tiempo que el pobre, encarnado por el extraordinario Luis Ciges, se limita a mirarlo todo mientras se come las sobras de la cena. Sencillamente extraordinario.
Berlanga ambienta su película en una anónima ciudad de provincias. Este pequeño entorno le sirve como microcosmos para presentarnos a un buen número de personajes a los que retrata sirviéndose exclusivamente de los pequeños detalles. Este es uno de los grandes aciertos del director: el ser capaz de generar un microcosmos pleno de sentido en el que participan infinidad de personajes que son, a la vez, un impagable catálogo de los mayores defectos de nuestra sociedad. A ello, que es un trabajo fundamentalmente de guión, ayuda un casting inmenso en el que cada actor comprende a la perfección los registros que le ha de ofrecer a través de sus personajes.
La película se estructura en cinco grandes bloques que se ambientan en diferentes escenarios de la ciudad, tan prototípicos como representativos de la realidad de la época. En ellos se cruzan todos los personajes, lo que da pie a que contemplemos uno de los grandes temas que trata Berlanga con la película: la falta de comunicación. Los personajes son incapaces de ponerse de acuerdo entre ellos, no se escuchan y cada uno defiende sus propios intereses sin empalizar con los de los demás. La magistral secuencia en la que el pobre se niega a casarse y la señora rica le mueve la cabeza obligándole a asentir, es muy significativa: en el fondo lo que importan son los intereses individuales, el propio beneficio y la necesidad de ofrecer una imagen que no se corresponde con la realidad. La cinta está llena de dobles sentidos relacionados con esta idea: la falta de compromiso del banco a la hora de conservar la letra, la llegada de actores de tercera fila y no las grandes estrellas que habían prometido, la subasta cargada de hipocresía y necesidad de aparentar, o la magistral secuencia en la que el locutor se inventa el diálogo entre la artista y el pobre, mientras estos improvisan una conversación tan surrealista como divertida.
Lo más brillante de la película es que, aunque todos quieran aparentar, al final cada uno se queda con sus propias miserias. Nadie progresa, todo queda como estaba. La frase final de Plácido, cuando recuerda que el próximo mes se verá en el mismo fregado por culpa de la letra, nos muestra que todo sigue igual, que nada cambia, que la hipocresía ha sido el único valor que ha predominado durante toda la noche y que los personajes volverán a sus miserables vidas de provincias en una España tan gris como la extraordinaria fotografía de Francisco Sampere que los retrata.
Berlanga dio un salto cualitativo con esta película. Dejando parcialmente de lado sus intereses estéticos por el neorrealismo, que se mantienen en la fotografía y la banda sonora, decide acercarse más a la tradición del esperpento y la comedia negra española como vehículo para retratar no tanto historias, que no le interesan demasiado, como una sucesión de situaciones que conjuntadas ofrecen un discurso lógico y coherente.
Este cambio estilístico también se ve en la puesta en escena. Berlanga opta abiertamente por estructurar su película a partir de largos planos secuencia que no sólo serán una marca de fábrica a partir de entonces, sino que le servirán para mostrar con todo lujo de detalles el universo de personajes que pueblan sus ficciones. El director le da absoluta libertad a un plantel de actores impresionante (grandiosos José Luis López Vázquez, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre, Elvira Quintillà, Amelia de la Torre) que dotan a sus personajes de una humanidad y espontaneidad envidiables. Uno no puede menos que sorprenderse por la solvencia de unos intérpretes que, sin afán por destacar, eran capaces de algo tan sencillo como era vocalizar y recitar sus diálogos a la perfección. Vamos, igualito que lo de ahora.
Esta presunta dejadez en la estructura formal de la película, no ha de ser óbice para reconocerle al director sus logros a la hora de plantear la puesta en escena. Desde esa imagen inicial en la que la puerta del lavabo se encadena con la del banco, pasando por los elementos que coloca en un segundo plano y que complementan y enriquecen el discurso de la cinta, llegando a su decisión de reservar los primeros planos sólo para aquellos momentos de la película que realmente lo requieran, todo en ella funciona a la perfección.
Plácido es una obra maestra y una película de una importancia cumbre en nuestra cinematografía. Berlanga logró aunar como nunca fondo y forma a través de una historia en la que se habla, y muy claro, sobre la situación de un país que vivía en una auténtica caverna política, moral y emocional. Con Placido el director valenciano lograba por primera vez ofrecer un producto inmaculado que se adaptaba perfectamente a su particular filosofía y forma de entender el mundo. Tras esta película, vendría El Verdugo, una cinta que le reafirmaba en la misma línea ideológica y estilística, y gracias a la cual el director se convirtió en uno de los grandes nombres del cine europeo. Pero eso ya es otra historia.

LO MEJOR: Todo
LO PEOR: Nada

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HELL RIDE

2008-09-23T08:43:00.000-07:00

SINOPSIS: Un motorista conocido como Pistolero, recorrerá las carreteras del país junto su hermano The Gent y a su socio Comanche, para vengar la muerte de su antigua chica a manos de los 666ers, una banda de motoristas rival. Estos estarán dispuestos a cualquier cosa con tal de recuperar una llave que abre un extraño tesoro.

COMENTARIO: Hell Ride podría ser perfectamente la tercera entrega del proyecto Grindhouse que emprendieron Quentin tarantino y Robert Rodríguez en al año 2007. De Hecho, la película está producida por el mismo Tarantino, y tanto argumental como temáticamente encaja a la perfección con los objetivos del fallido Grinhouse: homenajear a las películas de explotación de los años ochenta haciendo una lectura paródica y descontextualizadora de esos míticos títulos.

Hell Raider está dirigida y protagonizada por Larry Bishop, un actor de reparto al que pudimos ver, entre otras, en Kill Bill 2. Junto a él, actores míticos de la serie B o de la factoría Tarantino (David Carradine, Michael Madsen, Vinnie Jones, Dennis Hopper, Leonor Varela), que participan en un espectáculo desmadrado lleno de violencia gratuita, motos, tías buenas desnudas y tipos duros. El argumento, de puro delirante, es lo de menos; lo que se trata es de disfrutar de un sin sentido absoluto en el que da la sensación de que ninguno se lo ha tomado demasiado en serio.

Una película para disfrutar sin prejuicios y recordar esas series Z de moteros de los sesenta y setenta.

LO MEJOR: Su absoluta falta de prejuicios

LO PEOR: Es imposible tomársela en serio

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A L'INTÉRIEUR

2008-09-22T02:08:00.000-07:00

SINOPSIS: Tras perder a su marido en un accidente de tráfico en que ella conducía, Sara afronta los últimos días de gestación de su bebé aislada en su casa. Los médicos le van a provocar el parto el día de Navidad, por lo que decide pasar la noche anterior sola en su casa. De repente alguien llama a su puerta. Se trata de una mujer que parece conocer todo sobre ella y quiere entrar en la casa. Asustada Sara llama a la policia que no encuentra a nadie. A medianoche, la mujer entrará en la casa con un sólo objetivo: arrancarle el bebe de sus entrañas.

COMENTARIO: Aviso para navegantes: esta película es una burrada no apta para estómagos delicados. Uno, que ya está curado de espantos, asistió atónito a la muestra de gore, burradas, sangre y muerte que nos ofrece esta película francesa dirigida por los debutantes Alexandre Bustillo y Julien Maury. Ya comentamos en la crítica de Frontiere(s) que esta, junto a la que reseñamos hoy, habían sido las grandes sorpresas del cine de terror francés de 2007. Su fórmula es muy similar y, de alguna manera, marcan una cierta forma de hacer que los franceses han adoptado como suya: situaciones delirantes, personajes extremos, violencia descarnada, gore del bueno y un pesimismo existencial bastante acusado.
A l'Interieur me ha parecido bastante más desagradable que su hermana estilística. Y lo es por que nos plantea una situación mucho más realista y lo hace creando situaciones claustrofóbicas resueltas con mano maestra. Si, la película acojona y da mal rollo, pero también está extraordinariamente filmada y ofrece algunos de los momentos de terror puro más brillantes que haya visto últimamente. Si, la película es claustrofóbica y, a pesar de ofrecernos pocas sorpresas y ser muy evidente las motivaciones de la asesina, nos mantiene en tensión durante sus 90 minutos de duración. Eso, por no mencionar los cojonudos efectos especiales y la inmensa cantidad de gore que, sin ser demasiado explícito, esta pensado para atacarnos directamente a las vísceras.
El problema, el gran problema de la película es que tiene un final que es una absoluta castaña. No quiero desvelar nada, pero los últimos diez minutos son indignos de la película y dejan un mal sabor de boca considerable. Lastima que no hayan sido capaces de ofrecer un final más creíble y se hayan dejado llevar por un gran guiñol absurdo.

LO MEJOR: Su capacidad para generar tensión.
LO PEOR: El final: una castaña

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LADY TERMINATOR

2008-09-15T05:50:00.001-07:00

SINOPSIS: Una arqueóloga especializada en leyendas marinas, busca los restos de una malvada bruja conocida como la Reina de los mares del sur. Tras verse arrastrada por la corriente marina, va a parar a una cueva en la que es poseída por el espíritu de la bruja. Una vez en tierra, esta mujer tendrá un sólo propósito: acabar con la vida de la descendiente de la persona que acabó con su reinado de terror y, a la vez, recobrar un talismán que le dará poder infinito. la muchacha recorrerá las calles de Yakarta sembrando el terror y el caos.

COMENTARIO: Mi amigo Rodrigo, cuyo ingenio está fuera de toda duda, me dijo un día una frase que viene al pelo para encabezar el comentario de esta película: "Los orientales son muy constantes pero no tienen nada de imaginación". Y digo que viene al pelo por que esta película es la pura representación visual de esa idea. Y es que Lady Terminator no es más que la versión Indonesia del primer Terminator de James Cameron, pero cambiando a Arnold Schwarzenegger por una mujer, la ciencia ficción por la brujería, la creatividad por la copia barata y unos efectos especiales resultones por la mayor cantidad de caspa que uno pueda llegar a imaginarse.

Lady Terminator es un calco (en algunos momentos literal) del primer Terminator, pero con el protagonismo de una fémina que se pasa media película en pelotas y la otra media matando a todo cristo que se le pone por delante. Y es que a la peliculita hay que verla para creerla. Actores infames (cotilleando la ficha del Moviedatabase he visto que para la mayor parte de ellos su carrera empieza y acaba con esta película... afortunadamente), efectos de risa (pero de descojonarse), situaciones imposibles, gore a toneladas y la cutrez elevada a la enésima potencia. vamos, una de esas películas imposibles provenientes de cinematografías tercermundistas que de vez en cuando podemos disfrutar algunos aficionados a las experiencias extremas.

Aunque no lo hago nunca, os cuelgo un e-link para que os la podaís bajar y ver por vosotros mismos como es esta versión femenina de la película de James Cameron. No os arrepentireís.

LADY TERMINATOR

LO MEJOR: La absoluta falta de vergüenza ajena del director

LO PEOR: Todo

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FAST FOOD NATION

2008-09-08T05:19:00.000-07:00

SINOPSIS: Don Henderson, un ejecutivo de una importante cadena de restaurantes de comida rápida, tiene un problema: la carne de las hamburguesas más famosas de la empresa está contaminada, y él tiene que averiguar por qué. El descubrimiento de la respuesta no será tan simple como él había esperado. En su camino se cruzará con otros personajes que también viven con de la comida rápida.

COMENTARIO: Fast Food Nation es una de esas películas que, lamentablemente, pasan sin pena ni gloria por las carteleras nacionales. Y digo que es una lástima por que este es uno de esos productos que, sin ninguna duda, nos hacen pensar, nos remueven la conciencia y nos muestra una realidad que, por cruda, no deja de estar ahí.

La película narra varias historias paralelas de personajes que viven por y para la comida basura. Nos damos cuenta de que este es un negocio descomunal, un negocio cargado de desaprensivos, explotadores y personas sin escrúpulos cuya única religión es el dinero. Todo ello esta rodado con gracia y talento por el realizador Richard Linklater que sabe dosificar las apariciones de los distintos personajes y crear un fresco en el que todo tiene sentido. Se nota, y mucho, que los actores han trabajado en el proyecto por que creían en el, por que les apetecía hacer una película diferente y que llamara la atención sobre un tema tan polémico como es el de la alimentación en los Estados Unidos. Sólo así se entiende que con un presupuesto tan escaso, se haya conseguido reunir a actores de la envergadura de Bruce Willis, Greg Kinnear, Patricia Arquette, Avril Lavigne, Luis Guzmán o Ethan Hawkwe.

Aunque en su media hora final la película cojea un popco y cae en un tremendismo algo excesivo, lo que nos muestra (y como lo hace) nos impactará de tal manera que, a buen seguro, se nos quitarán las ganas de volver a entrar en un Mc Donalds o similares. Palabrita.

LO MEJOR: El sentidfo del humor con el que se toma un tema tan serio.

LO PEOR: Un final un poco excesivo

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FRONTIÈRE(S)

2008-09-03T00:15:00.000-07:00

SINOPSIS: Francia en un futuro cercano. La ultraderecha está a punto de ganar las elecciones y las calles se han llenado de disturbios. Un grupo de tres musulmanes aprovechan el desconcierto para robar un banco y pagar con ello el aborto de Yasmina, la novia de uno de ellos. En la huida llegan cerca de la Fontera con Alemania donde van a parar a casa de una extraña familia de caníbales que les harán vivir un infierno.

COMENTARIO: En los últimos años el cine fantástico francés y español están viviendo un momento francamente interesante. Lo más curioso de todo es que ambas cescuelas han optado por estilos totalmente distintos: mientras nosotros nos decantamos más hacía un cine de claras reminiscencias góticas (ahí esta El Orfanato, Los Otros o la obra de Jaume Balagueró para demostrarlo) cargado de elementos sobrenaturales, los galos han optado por un estilo mucho más extremo, en el que el terror se genera a partir de una violencia visceral, realista y dirigida directamente a las vísceras. Muy probablemente la obra que inauguró esta escuela fue Alta tensión (2003) de Alexandre Aja, una película que ofrecía una nueva lectura sobre el cine de asesinos en serie, partiendo de una historia angustiante que se sustentaba en una cuidada puesta en escena y un malsano interés por ofrecer escenas tan truculentas como bien filmadas. Esta tendencia se ha ido manteniendo y en el año 2007 se estrenaron dos películas que llevarían estos conceptos hasta el extremo: A l'interieur, de la que hablaremos mañana, y esta Frontière(s) que ahora nos ocupa.
Digámoslo desde el principio: éste no es un film para estómagos sensibles. La cinta nos explica las vicisitudes que viven un grupo de chicos que caen en manos de una enloquecida familia de matarifes neonazis y caníbales que les hace vivir una pesadilla dantesca. La película destila sangre, torturas, violencia y sadismo en cantidades industriales, pero todo ello cocinado a partir de una cuidadísima planificación visual y un trabajo de puesta en escena que, por extraño que parezca, logra cautivarnos hasta extremos inimaginables. A la película le han acusado, y con razón, de ser una fotocopia actualizada de La matanza de Texas de Tobe Hooper. Pero yo creo que el realizador Xavier Gens era plenamente consciente de ello, ya que lo que probablemente buscaba era reformular el discurso de la primera (centrado en retratar las particularidades de la América profunda) y centrarlo en una Europa (también profunda, que haberla ahila) cada día más desorientada, multicultural, egocéntrica e intolerante.
Una película violentísima, con momentos escalofriantes y que nos sabe mantener en tensión durante sus más de 100 minutos de duración. Muy recomendable. Eso si, lo dicho, estómagos sensibles absténganse.

LO MEJOR: Su atmósfera
LO PEOR: Toma demasiadas ideas prestadas de La matanza de Texas.

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HELLBOY 2: EL EJÉRCITO DORADO

2008-09-01T03:31:00.000-07:00

SINOPSIS: Tras la ruptura de un acuerdo milenario entre la humanidad y los poderes invisibles de un mundo fantástico, el infierno en la Tierra está cada vez más cerca. Un líder despiadado, que se maneja tanto en el mundo de los humanos como en el de las criaturas, decide traicionar a sus ancestros, y despierta a un ejército imparable de criaturas diabólicas. Ahora, en este momento de debilidad, Hellboy y sus compañeros deberán combatir contra el imparable líder y su ejército.

COMENTARIO: Lo reconozco desde el principio: me lo he pasado absolutamente bomba con esta película. Si, no hay que negar que como han señalado sus críticos la historia es muy floja y el argumento de un simplismo sonrojante. Pero es tanta la imagineríaa visual que utiliza Guillermo del Toro, tan grande la imaginación que demuestra en todo el metraje, su capacidad para sorprendernos con seres increíbles y mágicos, tan afinada la puesta en escena, que uno no puede apartar la vista de la pantalla durante casi dos horas de metraje que pasan como un suspiro.

Hellboy es un personaje surgido de la febril imaginación del extraordinario autor de cómic Mike Mignola. Publicado por la editorial Dark Horse a mediados de los noventa, la obra nunca llegó a ser un superventas pero enseguida logra acumular una legión de fans que han seguido fieles las aventuras del personaje. A mi personalmente Hellboy cómic siempre me han parecido tebeos extraordinariamente dibujados, con un diseño de personajes increíble pero con unos guiones flojitos, precipitados y poco elaborados.

Ese es, paradójicamente, el principal problema de la película: su inconsistencia. Uno verá referencias a El señor de los anillos, Men in Black y otras tantas películas. Pero lo cierto es que el director es capaz de trascender la escasa consistencia de la historia con un espectáculo visual impactante, unos personajes carismáticos y terriblemente divertidos y un diseño de personajes con el que es imposible no quedar maravillado.

En resumidas cuentas: un entretenimiento de primera magnitud para disfrutar sin prejuicios.

LO MEJOR: El diseño de personajes

LO PEOR: La historia

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EL DIA DE LA MADRE

2008-08-22T01:42:00.000-07:00

SINOPSIS: Tres jóvenes amigas planean una tranquila excursión de fin de semana en el bosque, pero todo se complica terriblemente cuando conocen a Madre y sus dos adorables hijos. Arrastradas hasta una casa aislada, donde son atacadas y torturadas, las tres amigas deberán luchar para sobrevivir. Los aparatos de la cocina se convierten en fantásticos medios para mutilar a las inocentes víctimas.

COMENTARIO: En 1980 un servidor tenía 10 años. A esa tierna edad yo no sólo era muy impresionable, como todos los niños, sino que ya empezaba a notar el gusanillo de la cinefilia por mis venas. Por ello, todavía recuerdo el impacto que me causó ver el cartel de El día de la madre en una marquesina de un céntrico cine de mi ciudad. La cara medio deformada de una señora que aguantaba una cabeza sobre su regazo, los dos gañanes armados que tenía detrás suyo, la enorme "S" (para los no iniciados diremos que era una clasificación que se inventaron durante la transición para calificar las películas cuyo contenido "podía herir la sensibilidad de los espectadores") que decoraba el cartel. Yo quería ver esa fascinante película, tenía que saber que encerraba ese terrorífico cartel dentro de sus fotogramas.

Pude ver la película bastantes años después y me decepcionó considerablemente. Entonces me topé con una película cutre, mal hecha y sumamente aburrida. Imagino que me decepcionó tanto que la olvidé con toda la rapidez del mundo. No era más que un gore más que estaba a años luz de cintas como Pesadilla en Elm Streat o Reanimator, que eran los productos que marcaban tendencia a finales de los años ochenta.

Veinte años después, y tras leer en innumerables fancines y libros sobre el género, la condición de film de culto de la película, he decidido rememorar viejas nostalgias y visualizarla de nuevo en una de esas noches ociosas de verano. Y el resultado ha sido algo distinto

El día de la madre es una película que ha envejecido fatal, que no puede ocultar su pírrico presupuesto y sus escasas pretensiones artísticas, que, por no ser, no es ni excesivamente gore ni violenta. Vamos, que hoy en día hay cientos de películas pensadas para chicos de 13 años que dan sopas con onda, en cuanto a sangre y casquería, a este título. Pero he de reconocer que la película de Charles Kaufman tiene su coña, que su guión, aunque previsible, tiene un cierto interés por retratar la psicología de los personajes y que contiene un cierto discurso crítico sobre esa fenómeno tan inexplicable que sólo pueden lograr hacernos sentir las madres y que se conoce con el nombre de culpabilidad.

El día de la madre es un producto muy característico de su época, una película de culto que, dejando de lado sus escasas intenciones artísticas, la hemos de observar como la curiosidad que realmente es.

LO MEJOR: La descripción de los personajes

LO PEOR: Lo cutre que resulta todo

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CÁNDIDA

2008-08-21T02:35:00.000-07:00

SINOPSIS: Cándida, una asistenta que ha pasado la edad de jubilación, aprovecha el duro trabajo diario para practicar lo que más le gusta: ser amable con los demás. Y eso aunque la sombra de la tragedia no deje de perseguirla y sus hijos se empeñen en arrastrarla al infierno, ella sabe que la felicidad se juega en un frontón imaginario donde lo que das te viene devuelto. Filosofía que terminará contagiando a Pablo, un periodista televisivo cuya vida gira obsesivamente sobre su trayectoria profesional.

COMENTARIO: Reconozco que no soy un gran seguidor de los Gomaespuma. Aunque lo poco que he visto y oído de ellos me ha hecho siempre bastante gracia, los horarios de sus programas han motivado que me resultara casi imposible hacerme seguidor incondicional y, con ello, conocer sus códigos internos y obsesiones particulares. Ello, empero, no quiere decir que no reconozca su sentido del humor surrealista, su capacidad para hacer un humor tierno (de ternura) a partir de personajes sencillos (que no simples) y entrañables, sus inteligentes juegos de palabras, su originalidad.

Cándida es un producto que refleja a la perfección el espíritu de Gomaespuma. Su director Guillermo Fesser ha sabido trasladar imágenes esa particular forma de entender la vida y nos ofrece una historia agridulce protagonizada por uno de los personajes más dulcemente bizarros, tiernos y estrafalarios de nuestra cinematografía. La vida de Cándida es la de muchas mujeres que viven en los extrarradios más marginales de las grandes ciudades: mujeres curtidas por la vida y las circunstancias que nunca lo han tenido fácil, que han tenido que sufrir innumerables contratiempos y que siempre han sabido mirar adelante y hacer frente a todo lo que el puñetero destino a tenido a bien presentarles. Si la historia de esta Cándida cayera en manos de un por ejemplo, Fernando León, esta hubiera sido una película social, un film de denuncia en el que se pondrían en solfa todas las mierdas, que las tiene y muchas, de nuestro sistema. Incluso, y permítanme que destape mi poco aprecio por el realizador de Los lunes al sol, se hubiera hecho bastante demagogia.

En cambio, en manos de Fesser esta es una película tierna que, sin renunciar a retratar una realidad cruda e inmisericorde, trata a los personajes, a todos ellos, con ternura, respeto y sentido del humor. Esta es una historia de pobreza y necesidad, pero también una historia que demuestra que las personas estamos por encima de todo, tenemos derecho a equivocarnos, a ser decentes y, sobretodo, a merecer el respeto de todo el mundo. Con un humor agridulce y unos personajes entrañablemente estrafalarios, el director ofrece un ejercicio de justicia poética con una buena mujer a la que la vida le dió muy malas cartas. Con sus fallos, que los tiene, y un final algo impostado, su mayor defecto, la cinta es una muestra de que las miserias sociales se pueden tratar desde el humor y el respeto.

LO MEJOR: Cándida, un personaje increible.

LO PEOR: Un final un poco autocomplaciente.

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UNA GOTA DE SANGRE PARA MORIR AMANDO

2008-08-19T04:58:00.000-07:00

SINOPSIS: Una serie de crímenes aterroriza a la ciudad mientras Ana, enfermera, prodiga sus cuidados a los pacientes del Gran Hospital. Un día, David, un joven delincuente, descubre casualmente que Ana es la autora de los crímenes de los que siempre son víctimas jóvenes con problemas a los que ella cree liberar de su enfrentamiento con la sociedad.

COMENTARIO: Esta es una de las películas más extrañas, incalificables y curiosas que ha dado la cinematografía española en toda su historia. Dirigida por el incalificable Eloy de la Iglesia, con guión, entre otros, de el propio De la Iglesia y José Luís Garci, producción del inefable José Frade y la interpretación de la Lolita de Kubrick Sue Lyon y Christopher Mitchum, hijo del histórico Robert Mitchum y un señor que ha pasado su carrera entre series B y Z.

El caso de su director es realmente curioso. Debutó en el mundo del cine en 1966 con una película infantil llamada Fantasía 3. A partir de ese momento, dirigió una serie de extraños e interesantes títulos, violentos pero con una cierta intención de crítica social, que siempre nadaban entre el delgado filo que separa la originalidad, la caspa, la provocación, la psicotronía y el cine de explotación más descarado. De esta época son la increíble La semana del asesino o esta Gota de sangre que ahora nos ocupa.

Su siguiente etapa la proporcionan una serie de películas de marcado carácter erótico que, con la excusa de mostrar temas polémicos como la homosexualidad o la política, eran vulgares excusas para enseñar teta y culo a granel. El Diputado o Los placeres prohibidos serían muy representativas. A partir de los ochenta, De la Iglesia empieza a hacer un cine de denuncia social en el que retrata la vida de delincuentes, navajeros y drogadictos en la deprimente España de la época. Sus dos cintas más conocidas de entonces son las dos partes de El Pico.

Tanto se metió el director en este tipo de cine que en 1987, tras dirigir la Estanquera de Vallecas, desaparece del mapa a causa de su adicción a la heroína y a los jovencitos marginales. Muy deteriorado físicamente reaparece en el año 2003 con Los novios búlgaros, para morir poco después a los sesenta y dos años de edad.

La película que nos ocupa es un curioso intento por aprovecharse del éxito internacional de La naranja Mecánica de Kubrick desde un punto de vista muy particular. Aquí nos encontramos también con un grupo de jóvenes que cometen atrocidades y con un proyecto estatal para rehabilitar a los delincuentes, pero todo ello se mezcla con la historia de una enfermera que asesina a jóvenes sin futuro y porvenir con la idea de que les está haciendo un favor. Con este argumento, el resultado es una rareza entre lo Kitch, la explotación y un cine raro y personal que es, precisamente, su mayor atractivo. Esta no es una gran película, es una cinta rara y diferente que han de paladear todos aquellos aficionados a las rarezas. Destacar el curioso diseño de producción y alguna secuencia francamente brillante.

LO MEJOR: Lo diferente de la propuesta

LO PEOR: Ese cierto tono cutre del que no se puede desprender

TRAILER

Lo siento, pero no lo he podido encontrar: sorry

EL CABALLERO OSCURO

2008-08-19T03:02:00.000-07:00

SINOPSIS: Batman regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon y el Fiscal del Distrito Harvey Dent, Batman tiene como objetivo destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra ser eficaz, pero pronto termina siendo presa del caos desencadenado por una nueva mente criminal que los aterrados ciudadanos conocen como Joker.

COMENTARIO: El caballero oscuro es la película de la que todo el mundo habla. Las impresionantes recaudaciones que está logrando en todo el mundo, las entusiastas críticas tanto de los especialistas como del público en general y todos los elementos extracinematográficos que la envuelven (la repentina muerte de Heath Ledger como principal), la han convertido no sólo en la película del verano, sino en el acontecimiento cinematográfico del año. Y la pregunta es, ¿hay para tanto? ¿Es realmente esta nueva aventura de Batman la obra maestra indiscutible que muchos han querido ver? La respuesta no se antoja sencilla: Si, pero...

Dejémoslo claro desde el principio: El caballero oscuro es una extraordinaria película, un film impecable que sabe dotar a un producto comercial de una profundidad psicológica y emocional fuera de toda duda. Christopher Nolan ha manufacturado una película donde fundamentalmente se reflexiona sobre la figura del héroe a través de temas como son los estrechos límites entre el bien y el mal, las responsabilidades individuales, la libertad de elegir y, sobre todo, las renuncias a las que uno ha de hacer frente. Y todo ello lo hace de forma brillante y espectacular, incidiendo en los matices (algo muy poco frecuente el el cine comercial de hoy en día) y ofreciendo personajes plagados de grises que resultan absolutamente apasionantes. Y no sólo hablo de los principales, sino de algunos secundarios como Lucius Fox cuyas dudas morales resultan tan coherentes como ricas para entender el discurso global del film.

Mención a parte merecen las soberbias interpretaciones de todo el elenco, con un Ledger monumental, un Aaron Eckhart que no le va a la zaga y un Christian Bale que es el mejor Batman que uno podría imaginarse. Además, en una película donde aparecen como secundarios Michael Cane, Gary Oldman y Morgan Freeman, todos ellos admirados por mi, no puede desagradarme nunca. Ello por no hablar de la música (bellísima) los FX (sencillos pero perfectos) y el diseño de producción (parece que estás dentro de un cómic de Batman).

Después de leer mí comentario muchos se preguntarán, ¿Y donde demonios está el pero? No Voy a entrar en el absurdo argumento si está es o no una buena adaptación de un cómic de super héroes (algo que dejo para mis compañeros de Blogs dedicados a mi idolatrado noveno arte), pero si a reconocer que le sobran veinte minutos de metraje, que el personaje de Batman queda en algunas ocasiones diluido ante la fuerza de sus némesis y que algunos giros de guión son un pelín forzados.

De todas maneras, esta es una gran película, un entretenimiento superlativo y la muestra de que dentro del cine comercial se pueden tratar temas muy profundos con aparente sencillez.

LO MEJOR: La profundidad del guión

LO PEOR: La duración

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OVEJAS ASESINAS

2008-07-25T03:15:00.000-07:00

SINOPSIS: En una remota granja de Nueva Zelanda un científico está realizando un irresponsable programa de ingeniería genética que intenta crear la "oveja perfecta". Cuando un grupo de ineptos activistas medioambientales deja en libertad a un cordero mutante, miles de ovejas se convierten en depredadores sedientos de sangre cuyo objetivo es acabar con la raza humana.

COMENTARIO: Los neocelandeses hacen poco cine de terror, pero cuando se ponen a burros no les gana nadie. Así lo demostró el bueno de Peter Jackson, un director que antes de hacerse millonario con la saga de El señor de los anillos, dirigió algunas de las películas más gores y salvajes de la historia como Bad Taste o Braindead. No se si será por vivir en una isla, por la mezcla cultural que tiene o, simplemente, por que son unos cachondos, pero el fantástico de Nueva Zelanda tiene tela marinera.
Ovejas asesinas, ópera prima del director Jonathan King, es una de las mayores idas de olla que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo. Imagínense unas plácidas ovejas que, por un producto químico, se transforman en animales caníbales sedientos de sangre. La película tiene momentos inenarrables, situaciones que de puro absurdas te hacen troncharte de risa, un hombre oveja hippie demencial y gore a raudales. No esperen ni una gran historia ni terror del bueno: esto es un delirio divertido, sangriento y para ver con amigos y con la colaboración de esos cigarritos que nos dan tanta risa.

LO MEJOR: La absoluta falta de pretensiones
LO PEOR: Los actores son espantosos

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HANCOCK

2008-07-24T01:21:00.000-07:00

SINOPSIS: Hay héroes… hay superhéroes… y está Hancock. Un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Todo el mundo lo sabe. Todo el mundo, menos Hancock. Insatisfecho, atormentado, sarcástico e incomprendido, las acciones heroicas y bienintencionadas de Hancock cumplen su objetivo y salvan muchas vidas pero siempre provocan unos tremendos desaguisados. La población ya no puede más, y aunque está agradecida de tener a su héroe local, los buenos ciudadanos de Los Ángeles se preguntan qué es lo que han hecho para merecer a este tipo. Un relaciones públicas intentará lavar su imagen.

COMENTARIO: Will Smith es el tipo más listo de la clase. Tras el éxito logrado con la televisiva El Príncipe de Bel-Air, decidió dar el paso a la pantalla grande y controlar su carrera al milímetro. Tras participar en títulos como Made in América o Seis Grados de separación, películas pequeñas donde también demostró que era un buen actor, trinfó con Dos policías rebeldes. Es en ese momento cuando, a diferencio de algunos contemporáneos suyos, es consciente de que para ser el más grande hacen falta dos cosas: elegir los proyectos con sumo cuidado y no saturar al público. Así, decide que sólo hará una película al año y que está será un producto comercial digno y con un cierto toque de calidad. Y la fórmula no le ha ido nada mal ya que desde mediados de los años noventa sus películas dan dinero, gustan y, hoy por hoy, está considerado el actor más rentable de Hollywood.
Hancock se adapta plenamente a la fórmula seguida con acierto por Smith. Es un película comercial, pensada para ser estrenada en verano, con un presupuesto importante pero, a la vez, tiene los suficientes toques de calidad como para no ser considerada el típico producto de acción sin alma ni sustancia. Hancock no es una gran película, ni siquiera una buena película; pero tiene los elementos suficientes como para hacerla interesante y, lo que es más importante, atractiva para el público.
Lo que más sorprende de la cinta es lo atípico de su propuesta. Hancock ni es un drama, ni una comedia, ni una cinta de superheroes al uso, ni un film de acción... ni siquiera una película de catástrofes. Hanccok no es nada de eso pero, por paradójico que parezca, lo es todo a la vez. La película tiene gags, escenas dramáticas, peleas entre super tipos, destrucción de edificios, tiros, pero todo está integrado en un conjunto francamente atípico que, al menos al que esto suscribe, le pareció muy interesante. Creo que, aunque fallida, los productores han intentado ir un poco más lejos y ofrecer un espectáculo donde los personajes tienen presencia, las interpretaciones están cuidadas (Charlize Theron está fantástica en todos los sentidos de la palabra) y la historia intenta ofrecer unos toques de drama, emoción y dignidad encomiables.
Si, de acuerdo, la historia cojea, la trama es algo insulsa y, a lo mejor, falta algo de acción. Pero creo que hay que aplaudir el esfuerzo de Smith por ofrecer un cine comercial que, cuanto menos, resulta digno y no insulta la inteligencia del espectador.

LO MEJOR: Es una película atípica para la bueno.
LO PEOR: Falta algo de épica

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SEXO EN NUEVA YORK

2008-07-23T01:53:00.000-07:00

SINOPSIS: Adaptación de la popular serie de televisión Sexo en Nueva York. La película contesta a todas las preguntas pendientes: ¿Carrie y Mr.Big finalmente decidirán contraer matrimonio? ¿Podrá Samantha sentirse realmente satisfecha con un sólo hombre? ¿Conseguirá Charlotte quedar embarazada alguna vez? ¿Serán Miranda y Steve realmente felices para siempre?. Lo veremos a lo largo del film.

COMENTARIO: He de reconocer que no soy un seguidor fiel del Sexo en Nueva York televisivo. De las seis temporadas emitidas, habré visto unos veinte capítulos, lo que me ha dado una idea bastante aproximada de una serie pensada para un tipo de público muy concreto (mujer, urbana, entre los veinticinco i los cuarenta i cinco, de clase media-media alta, ¿sexualmente liberada? -permítanme los interrogantes- e interesada por la moda. Por cierto, al target potencial de público también hay que unirles los gays) que es, precisamente, el que abarrotaba la sala barcelonesa en la que vi el film y reía con las ¿gracias? y ¿desgracias? -permítaseme de nuevo los interrogantes- de las protagonistas del film.
La serie tenía su encanto, no lo voy a negar. Los diálogos eran ágiles e irónicos, se retrataba con bastante acierto distintas tipologías femeninas y lograba presentar mujeres que, pesé a su altísimo estatus social, le ofrecían al público un espejo en el que reflejarse ya sea por acción (en el menor de los casos) o por omisión (en la inmensa mayoría de ellos). Y es que siempre nos gusta lo que no tenemos. Somos así de raros.
La película no tiene ni una de las virtudes de la serie y si todos sus defectos. El resultado de todo ello es un producto infumable de un metraje excesivo, con situaciones típicas, tópicas y previsibles y donde el sexo del título, que era uno de los atractivos de la serie, brilla por su ausencia. Aquí todo es políticamente correcto, los gags son terriblemente vulgares y en algunas ocasiones, como toda la parte dedicada a la asistente interpretada por Jennifer Hudson, la película parece pensada más para adolescentes de catorce años que para mujeres maduras e independientes. Y paro: no me hagan ser malo, por favor.
Dejo de lado las horrorosas interpretaciones (sólo se salva de la quema Kim Catrall que es, con diferencia, lo mejor de la película), lo pobre del argumento, lo escaso de los gags, la poquísima profundidad emocional que se le da a los personajes (el conflicto entre Miranda y Steve daba muchísimo juego y hubiera permitido indagar en el apasionante tema de las renuncias personales en el mundo de la pareja), lo que más molesta de la película es esa oda a la superficialidad, esa casi insultante muestra de lujo, marcas, tiendas y bares de moda. Y ojo, que no lo crítico; únicamente me abruma. Sexo en Nueva York, al final, es sólo eso: un catálogo de cosas caras, vacío, superficial y sin alma. Algo que, por lo que yo vi, si tenía la serie.
Tendré que ver de nuevo Los lunes al sol para desintoxicarme de tanto lujo.

LO MEJOR: Kim Catrall
LO PEOR: Lo superficial que resulta todo

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TROPA DE ÉLITE

2008-07-20T09:56:00.000-07:00

SINOPSIS: Río de Janeiro, 1997. A Nascimento, capitán del BOPE (Batallón de Operaciones Especiales de la Policía), la tropa de élite de la Policía de Río, se le asigna el mando de uno de los grupos que tienen la misión de “pacificar” las favelas del cerro de Turano debido a la visita de Juan Pablo II, quien va a instalarse en una zona cercana. El capitán, bajo una presión constante, empieza a notar los efectos del estrés. Tiene que ejecutar las órdenes recibidas, mientras intenta encontrar un sustituto, ya que su mujer, Rosane, se encuentra en sus últimos días de embarazo y le pide constantemente que abandone la primera línea del Batallón. En estas condiciones, le llaman para otra emergencia más en una favela. Durante un tiroteo en una fiesta funk, Nascimento y los suyos tienen que salvar a dos aspirantes a oficiales de la policía: Neto y André Matias. Deseosos de entrar en acción e impresionados por la actuación de sus salvadores, los dos se presentan como candidatos al curso de formación del BOPE.

COMENTARIO: En demasiadas ocasiones los que escribimos de películas somos excesivamente benevolentes con el cine que nos llega desde las cinematografías periféricas. Ya sea por esnobismo, por "culturetarismo" (que no deja de ser un neologismo que define otra forma de esnobismo), por empatía o, simplemente, por esa extraña tendencia que tenemos los seres humanos a identificarnos con los que tienen menos posibilidades, solemos valorar con excesiva indulgencia film que provienen de Asia, África o Sudamerica. Lo que nos sucede es que en muchas ocasiones el árbol no nos deja ver el bosque y priorizamos determinadas temáticas de carácter social sobre la calidad cinematográfica; determinados ejercicios producto únicamente de la tradición cultural (como la forma de narrar de algunos directores iraníes o chinos) con innoivación y vanguardia cinematográfica. Los que me conocen saben que no estoy de acuerdo con ello. En estos países, como en Europa y Hollywood, se hace buen cine, películas irregulares y bodrios infumables. El cine no es una cuestión de nacionalidad sino de talento.

Digo todo esto a colación de la película brasileña Tropa de élite, un film que conquistó el último Oso de Oro en el Festival de Berlín y ha obtenido unas críticas espectaculares donde se ha estrenado.

Y que quieren que les diga: por una vez los premios y agasajos son absolutamente justos. Tropa de élite es un peliculón, una obra maestra que seguramente no recibirá la afluencia de público que merecería. La película narra la historia de unos policías que trabajan cada día en las favelas de Brasil, y lo hace cuidando al máximo la parte sociológica del relato, algo obvio, pero también profundizando en la psicología de unos personajes y demostrando que en este mundo no hay buenos ni malos; sólo personas que sobreviven o que siguen sus propios, y a veces equivocados, códigos éticos. Las dos horas de duración pasan como un suspiro y nos sumergen en una historia apasionante, impactante y llena de matices de todo tipo. Además, por si todo ello fuera poco, la pelí es entretenida, está filmada maravillosamente y es capaz de emocionarnos hasta en los más pequeños detalles.

Si este verano sólo tenéis la oportunidad de ir una vez al cine, esta ha de ser vuestra película: no os arrepentiréis.

LO MEJOR: Todo

LO PEOR: Nada

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MONSTRUOSO

2008-07-16T00:49:00.000-07:00

SINOPSIS: La víspera de su viaje a Japón, Rob celebra una fiesta de despedida durante la que espera expresar ciertos sentimientos ocultos y, de paso, atar algunos cabos sueltos. Pero su plan se desmorona cuando un temblor sacude el edificio. Después de ver un boletín de noticias en televisión acerca de un terremoto, todos corren a la terraza para evaluar los daños. De pronto, una bola de fuego explota en la lejanía y hay un apagón. La confusión del principio se convierte en pánico mientras todos se precipitan hacia la calle. Entre los gritos de la gente, se oye un terrible rugido de dimensiones sobrehumanas. Rob y sus amigos descubren un paisaje desolador, del que se ha apoderado algo de otro mundo, aterrador, monstruoso

COMENTARIO: J.J. Abrams es un tipo tremendamente listo. Guionista de títulos como Eternamente joven o Armageddon, su carrera como productor se ha desarrollado fundamentalmente en televisión. Tal vez su nombre no les suene a nada, pero si les digo que es el máximo responsable de series como Felicity, Alias o Perdidos, comprenderán mi admiración por el sujeto. Sus series son diferentes, originales, están bien hechas y en todo momento tienen la capacidad de atrapar a los espectadores con giros argumentales sorprendentes e historias de lo más atractivo. Si hoy en día hablamos de una edad de oro dentro de las series televisivas (hablamos de los Estados Unidos, no de países donde se facturan productos como Los Serrano, Aída o, digámoslo claramente, Vent del Pla), es en gran medida mérito de señores como Abrams.
Monstruoso es un intento de llevar sus brillantes ideas al mundo del celuloide. ¡Y a fe mía que lo consigue! La historia no es nada original (cualquier film de Godzilla explica exactamente lo mismo), lo que nos sorprende es el planteamiento. En primer lugar por que toda está rodada cámara en mano como si de una película doméstica se tratara. Este factor ayuda a que el espectador se identifique con las imágenes y vaya descubriendo, con los protagonistas, lo que acontece en la acción. Lo advertimos, no es una utilización como la de REC, donde la cámara en mano ejercía funciones documentales; aquí permite estirar la tensión y crear un clima de nerviosismo que funciona a la perfección.
En segundo lugar, el que nunca sepamos de donde viene el monstruo ni lo veamos demasiado bien, es una estrategia perfecta para centrar la atención en el desarrollo de unos personajes que son los que llevan el peso de la historia y, por ello, tienen que ofrecernos elementos de identificación.
Una película muy interesante, original y verdaderamente innovadora que creo puede abrir un nuevo camino dentro del cine fantástico.
Muy recomendable.

LO MEJOR: La originalidad del planteamiento
LO PEOR: Una ligera sensación de deja vu en la parte final.

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EL INCIDENTE

2008-07-15T00:35:00.000-07:00

SINOPSIS: Todo comienza sin previo aviso. En cuestión de minutos, se producen casos de extrañas y escalofriantes muertes en las principales ciudades de Norteamérica que desafían cualquier explicación. ¿Qué está causando este repentino y total colapso del comportamiento humano?, ¿Es algún nuevo tipo de ataque terrorista, un experimento fallido, una diabólica arma tóxica, un virus fuera de control?, ¿Se transmite por el aire, a través del agua... cómo? Para el profesor de ciencias en un instituto de Filadelfia Elliot Moore, lo más importante de todo es encontrar el modo de escapar de este misterioso y letal fenómeno. Pronto comprende la naturaleza de los acontecimientos.

COMENTARIO: M. Night Shyamalan es uno de los directores de los que más se ha hablado durante los últimos diez años. Aunque debutó en 1992 con una desconocida película titulada Praying with Anger, no sería hasta 1999 cuando sorprendería a medio mundo con una cinta de terror titulada El sexto sentido. Con un presupuesto moderadamente bajo, la presencia de una estrella como Bruce Willis, una sabia utilización de los resortes cinematográficos y una sorpresa final que dejaba a los espectadores con la boca abierta, la cinta se convirtió en un fenómeno social y aupó al realizador al limbo de los elegidos. Su siguiente cinta, El protegido, es incluso superior. Historia de superheroes narrada en clave moderna y excelentemente filmada, demostró que Shyamalan era uno de los realizadores más dotados para explicar historias. Menos interesante resultó, al menos para el que esto suscribe, Señales, una película con momentos francamente ridículos, o El bosque, que aunque interesante en algunos momentos se hacía imprevisible. El fracaso de La joven del agua, creo que inmerecido, hizo que el realizadores se decantará por otros terrenos y probará suerte con un producto más estándar.
El resultado es El incidente, un film con unos veinte primeros minutos absolutamente fantásticos que, por falta de un mayor interés por desarrollar la historia, se diluye y se acaba convirtiendo en un film previsible y aburrido. Repito, el desarrollo de la cinta es de lo mejor que he visto últimamente: intenso, ajustado, concreto, con secuencias memorables (la de la cadena de conductores que se suicidan con la pistola es magistral) pero que a partir del momento en el que los protagonistas bajan del tren, pierde mucha fuerza y en algunos momentos roza, si no lo sobrepasa, el ridículo.
Creo que Shyamalan es uno de los directores con mayor capacidad visual del cine contemporáneo, pero le hace falta un guionista como el comer. Si es capaz de entender esto y buscarse a alguien que le de un poco de consistencia a las historias, seguramente estaremos ante uno de los mejores creadores del cine moderno. Si no, al tiempo.

LO MEJOR: Los primeros veinte minutos
LO PEOR: Algunos diálogos de vergüenza ajena

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EL INCREIBLE HULK

2008-07-09T08:55:00.000-07:00

SINOPSIS: El científico Bruce Banner vive em Brasil tratando de encontrar una cura a su problema, en busca de un antídoto que le permita librarse de Hulk, su Alter Ego. Perseguido por el ejército y por su propia rabia interna, es incapaz de sacar de su cabeza a Betty Ross. Así que se decide a volver a la civilización, donde debe enfrentarse a una criatura creada cuando el agente de la KGB, Emil Blonsky, se expone a una dosis superior de la radiación gamma qu le trasforma en la Abominación.

COMENTARIO: Tras ver como las películas basadas en sus personajes franquicia lograban millones de dólares de recaudación y ellos no sacaban tajada, Marvel Comics decidió crear su propia compañía productora y asumir las pérdidas o ganancias ellos solos. Así, los primeros productos que nos han llegado de la compañía han sido la extraordinaria Iron Man y está no menos interesante El increíble Hulk que ahora reseñamos.

Los ejecutivos de Marvel han entendido que los grandes productores no entienden como funciona el universo superheroico y que, por ello, estaba desvirtuando a unos personajes tan ricos como potencialmente atractivos. Así que se han dejado de cutreces (Elektra), experimentos con gaseosa (Ghost Raider) o castañas (Spiderman 3), y han intentado aplicar al cine la fórmula magistral que les lleva funcionando más de cuarenta años en los tebeos: buenas historias, algo de profundidad psicológica y conflictos internos, espectacularidad y héroes dándose tortas contra villanos. Y esto es, ni más ni menos, lo que nos ofrece la nueva entrega de Hulk.

Dejando completamente de lado lo expuesto por Ang Lee es su plomiza versión del gigante esmeralda, aquí los guionistas van al grano y nos dan una película extraordinaria llena de acción y en la que los personajes nos resultan absolutamente próximos. Aquí realmente entendemos el conflicto interno de Banner, la codicia del general Ross, las aspiraciones de Blonsky. Ello, por supuesto, sin desdeñar unas secuencias de acción que nos dejan con la boca abierta, sobre todo la última, y a las que un sorprendente Louis Letterrier sabe dotar de personalidad propia. Es curios el caso del director francés que tras hacer exclusivamente cine de acción puro y duro (saga Transporter, Danny the dog), con la película demuestra que sabe filmar diálogos y situaciones íntimas.

Muy bien todos los actores (especialmente Tim Roth) y a una Liv Tyler que, aunque sigue sin tener ni idea de actuar, ha ganado unos kilos y está más guapa. Por cierto, a lo largo de la peli aparecen bastantes guiños para los aficionados a los cómics, sí como un Robert Downey Jr como Tony Stark que le da continuidad al tema. En fin: un gran entretenimiento.

LO MEJOR: La puesta en escena. El combate final.

LO PEOR: no haber profundizado más en algunos temas (por ejemplo la creación del Lider)

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EL PATITO FEO Y YO

2008-07-02T12:43:00.001-07:00

SINOPSIS: Esta es la historia del Patito Feo y su madre, Ratso. En realidad, así es como el Patito Feo lo llama... porque en realidad él es su padre, aunque eso tampoco es del todo verdad. Lo que sucedió es que cuando el Patito Feo salió del cascarón, la primera persona a la que vio fue a Ratso, y él se sintió responsable de ocuparse del pequeño. Además, ¿qué clase de padre sería si rechazara a su hijo, a pesar de llamarlo "mamá"? ¿confuso? ese es Ratso. El día a día es duro, intentan llevar comida al plato mientras huyen de las bandas de ratas de la ciudad, de las hostiles aves de corral...

COMENTARIO: Un amante del cine de animación como un servidor, no puede desaprovechar la oportunidad de visualizar un producto europeo que, por recursos técnicos y aspiraciones artísticas, pretende competir con los norteamericanos. Dejando de lado las producciones nacionales de Filmax, son muy pocas las oportunidades que tenemos los aficionados de ver que es lo que se cuece en el viejo continente en materia de animación. El patito feo y yo, aunque se una producción de 2006, es una buena oportunidad para ello.
Coproducida entre Francia, Alemania, Irlanda, Inglaterra y Dinamarca, la película es una pequeña decepción. Si a nivel de animación no está nada mal, la historia es bastante mediocre (actualiza el cuento de Andersen e introduce como protagonista a una rata) y nada apta para los niños pequeños. Tiene momentos divertidos, no lo vamos a negar, pero otros en los que aburre y resulta confusa. Una de las grandes virtudes de la animación norteamericana es su utilización del ritmo, la capacidad para crear personajes carismáticos que enganchan a los espectadores más pequeños y que permiten que aunque la trama sea más compleja, existan otros elementos sobre los que centrar el punto de vista. A este respecto el ejemplo de Horton es elocuente: un niño no entiende la trama, pero se engancha a unos personajes y situaciones que le motivan y con las que disfruta.
La película naufraga en tierra de nadie y ofrece muy pocos puntos de apoyo para gustar ni a los niños, por demasiado confusa, ni a los adultos, por excesivamente simplona. Una pequeña decepción.

LO MEJOR: La calidad de la animación
LO PEOR: Dejando de lado lo expuesto en el comentario, la versión doblada al catalán es infumable. De acuerdo en que se ha de utilizar una lengua normativa; pero de ahí a poner palabras que parecen sacadas directamente de la "Filología Aplicada" de Pompeu Fabra va un abismo. Señores, que es una película para niños y el lenguaje ha de ser fácilmente comprensible por ellos.

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LIBERTAD PARA MORIR

2008-07-02T12:13:00.001-07:00

SINOPSIS: El Oficial Louis Burke es un detective que se infiltra en unja penitenciaría para investigar una serie de crímenes a presos que se encuentran internos. Pero Burke tendrá que intentar escapar de la prisión cuando descubra el sorprendente secreto que se encuentra detrás de los muros de la cárcel, enfrentándose a cientos de presos realmente brutales, a unos guardias corruptos y a un enemigo mortal del pasado que no parará hasta verle muerto.

COMENTARIO: De entre todos los especialistas de cine de acción que empezaron su carrera durante los años ochenta, Jean Claude van Damme es, de largo, el que siempre me ha caído mejor. Partiendo de la realidad irrefutable de que todos ellos eran pésimos intérpretes, al menos el belga tenía una simpatía y una capacidad para reírse de si mismo encomiable. Ni fue tan popular como Schwarenegger, ni logró ganarse al público más garrulo como Seagal, ni tenía el carisma de Stallone. El belga supo empezar desde abajo, trabajando para la Canon, e ir escalando poco a poco peldaños hasta lograr un número del Box Office norteamericano en 1994 con Time Cop. A partir de ahí, todo fue un descenso hasta los infiernos de la cocaína, la serie b y la caspa. Paradójicamente, ha sido en este 2008 cuando ha logrado las mejores críticas de su vida con la peli JCVD, una extraño e interesante ejercicio de metacine rodado en Francia.
De su primera etapa, cuando su cine se adscribe a una serie B de acción realizada con una cierta calidad, su mejor película es esta Libertad para Morir que aquí reseñamos. La peli nos muestra una trama en la que se dan la mano el género carcelario, la investigación detectivesca sobre el tráfico de órganos, el cine de psicópatas y, como no, acción a raudales. Lo más curioso de todo es que las tramas están bien conjugadas, la acción no es excesiva y queda bien en el conjunto y la trama resulta entretenida y tiene su gracia. Además, está cinematográficamente bien resuelta y podemos ver en ella a ilustres secundarios de la serie B como mi idolatrado Al Leong (al que ustedes habrán visto en infinidad de Películas y series televisivas) o el gran Robert Guillaume.
Una película entretenida para disfrutar en DVD

LO MEJOR: Lo bien que conjuga varias tramas
LO PEOR: Lo de Van Damme es todo menos actuar. Que horrorrr

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PRONTO VOLVERÉ

2008-07-01T12:35:00.000-07:00

A todos los lectores del Blog les pido mis más sinceras disculpas por el abandono al que se ha visto sometido últimamente. Los exámenes (miles de trabajos y exámenes para corregir), las notas y acabar con el número de la revista Making Of del mes de agosto, por aquello de las vacaciones, no me han dejado tiempo para poder ir o ver nada de cine. Ya están puestas las notas y escritos los artículos, por lo que pronto me pondré las pilas y reseñaré los últimos estrenos así como alguna de las perlas descargadas del e-mule o compradas en la Fnac que tengo para ver.

Pero he de reconocer que la principal causa por la que no he actualizado el blog es por que en el último mes y medio he dedicado el poco tiempo libre a verme entera, enterita... LOST

He visto 4 temporadas esta obra maestra catódica que en breve comentaré. Me he vuelto un yonkie de PERDIDOS; una zombie que no puede dejar de ver esos maravillosos capítulos y descifrar que coña pasa en la isla de marras.

Lo dicho, disculpad la ausencia y en breve nos pondremos otra vez en marcha.

BLUE HARVEST

2008-06-17T15:19:00.001-07:00

SINOPSIS: Blue Harvest es un capítulo largo de la serie Padre de Familia estrenado como especial que, entre la parodia y el homenaje a La Guerra de las Galaxias y realizada en colaboración con George Lucas, reinterpreta el Episodio IV de Star Wars. La historia que todos conocemos, vista bajo el prisma de esta disfuncional familia de frikis norteamericanos.

COMENTARIO: Padre de familia es la mejor serie de animación para adultos que uno puede encontrar en la televisión hoy en día. El bueno de Seth MacFarlane ha configurado a unos personajes que, por exagerados y desmesurados, resultan absolutamente creíbles. El realizador ha sabido ir un paso más lejos que Los Simpson, sacándose de encima los estigmas de lo políticamente correcto para manufacturar un producto divertidísimo en la forma y brutalmente divertido y mordaz en el fondo. Los personajes son un reflejo distorsionado de nuestras miserias, mediocridades y, por que no decirlo realidades cotidianas. Vamos: como la vida misma.

Admirador de la obra de Gerorge Lucas, MacFarlane decidió rendir una parodia/homenaje a la primera trilogía de Star Wars en la que sus personajes hacían de sosías de los aventureros galácticos. Y el resultado final, para que lo vamos a negar, no tiene desperdicio.

Sin traicionar el espíritu del original y respetando fielmente la historia, la película es una continua carcajada, una ida de olla maravillosa y mayúscula donde se parodía sin piedad la cinta original pero, y eso es lo más grande y acertado, sin perder un ápice la admiración de fan por la misma. Aunque hay momentos brutales (los créditos iniciales, ese Obi-Wan Kenobi pederasta, la secuencia de la taberna galáctica...) y otros más previsibles, el conjunto es genial y demuestra que se puede parodiar haciendo un ejercicio de metalenguaje inteligente y honesto.

Una peli muy, pero que muy recomendable.

LO MEJOR: Todo

LO PEOR: Los no seguidores de la serie no le verán la gracia.

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LA NIEBLA DE STEPHEN KING

2008-06-03T09:40:00.000-07:00

SINOPSIS: En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces aparece una espesa niebla que va entrando y atrapando a la gente en sus hogares, supermercados... y va matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.

COMENTARIO: La carrera de Frank Darabont es cuanto menos curiosa. En catorce años sólo ha dirigido cuatro películas, tres de ellas basadas en novelas de Stephen King. Su ópera prima Cadena perpetua (1994) es una obra maestra absoluta, uno de los films más importantes de los noventa y una obra de referencia dentro del actual cine moderno. Su siguiente film, La milla verde (1997) , era un producto interesante pero fallido; una cinta plagada de buenas intenciones que no se acababan de concretar a causa de una historia previsible y algo trillada. The Magestic (2001) es una deliciosa actualización de ese cine característico de los años cuarenta basado en los buenos sentimientos y en la creencia en la bondad del hombre que con acierto practicaron directores como Frank Capra. Tras más de siete años de silencio, el director nos ofrece otra adaptación de una obra del genio de Maine, pero en esta ocasión abarcando directamente el género de terror.
El resultado se ha titulado La niebla y ha resultado ser la antítesis de su film anterior. Si en The Magestic se hablaba de la confianza y la búsqueda de la inocencia, en esta ocasión se nos ofrece un discurso que nos saca a relucir todas las miserias humanas y, a la vez, nos habla de que nuestro peor enemigo somos nosotros mismos. Con la excusa de ofrecernos las vicisitudes de un grupo acosado por unos extraños seres de otra dimensión que se refugian en un supermercado, Darabont hace un retrato brutal de lo peor de nosotros mismos y nos lo ofrece, además, sin ningún tipo de misericordia ni consideración. La niebla no es una película terrorífica a causa de los monstruos que aparecen; lo es por el retrato de unos personajes al límite que actúan con toda la irracionalidad posible. El director no oculta su vocación de serie B y, desde el punto de vistra de la estructura, todo es muy tòpico. Ello se debe a que lo que realmente le interesan son las interacciones entre los personajes y por ello hace que su cámara escrute a los personajes, dándonos pequeños detalles que nos permiten conocerlos y entender sus comportamientos. Aunque en esta arriesgada maniobra hay aciertos (la mujer que huye para buscar a sus hijos y ve como nadie le ayuda; el hombre que no cree al protagonista a causa de una vieja rencilla vecinal y prefiere huir que asumir la realidad) y grandes fallos (no resulta nada creíble que la fanática religiosa logre convencer de esa manera a la mayor parte de la gente en tan pocos días; este es sin duda el mayor fallo de la película y lo que lastra su credibilidad), lo cierto es que el tono general resulta tan desasosegador como acertado; tan malsano como descorazonador. A este respecto destacar un final que es, con sinceridad, de los más deprimentes y duros que uno haya tenido ocasión de ver en una pantalla grande. Vamos, que el director logra que salgamos del cine con muchísimo mal rollo.
Destacar las interpretaciones, especialmente a la siempre estupenda Marcia Gay Harden y la de un sorprendente Thomas Jane.

LO MEJOR: La tensión dramática que logra crear
LO PEOR: Algunas situaciones son muy poco creíbles

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INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL

2008-06-02T03:55:00.000-07:00

SINOPSIS: Indiana Jones y su amigo Mac acaba de escapar por los pelos de las garras de unos infames agentes soviéticos en un remoto aeropuerto. El profesor Jones regresa a casa y se entera de que las cosas van de mal en peor. Su mejor amigo, el decano de la Universidad, le dice que muchos sospechan de las últimas actuaciones de Indy y que el gobierno presiona a la Universidad para que le despidan. Indiana, a punto de irse, conoce a un joven rebelde llamado Mutt, que le propone un trato. Si el arqueólogo le ayuda a resolver un problema personal, podría hacer uno de los descubrimientos más espectaculares de la historia; se trata de la Calavera de Cristal de Akator, un objeto legendario que despierta la fascinación, la superstición y el miedo.

COMENTARIO: Aunque ya hace algunos días que la he visto, he preferido reposar unos días y esperar para hacer este comentario con honestidad y sin dejarme influenciar ni por primeras impresiones ni otro tipo de contingencias. Lo primero que he de decir es que no soy demasiado fan de la saga de Indiana Jones. En busca del arca perdida la vi en el momento de su estreno, cuando era un niño, y nunca más la he vuelto a ver. El templo maldito la vi por televisión hace unos años y me pareció una película mediocre y sin ningún tipo de gracia. La que tengo más fresca es la Última cruzada que he visto un par de veces y que considero una película entretenida pero, ni mucho menos, una obra merecedora de estar entre las grandes películas de Spielberg. En definitiva, no soy un gran fan de Indiana Jones ni, con sinceridad, me han interesado demasiado sus historias. Ese clasicismo al que muchos alaban me resulta aburrido y rutinario; no me creo las historias, me resultan excesivas y el personaje, con sinceridad, me resulta un poco antipático.

Así que con estos antecedentes me enfrenté al visionado de la cuarta entrega para, al final, quedarme con la misma impresión expuesta anteriormente. La película es entretenida, está bien hecha (Spielberg sabe colocar la cámara en su sitio) y hará las delicias de los fans... pero a mi me resulta excesiva (los momentos de la explosión nuclear o de la liana rozan la vergüenza ajena), poco atractiva, no me engancha y, encima, los personajes son más insufribles que nunca. De verdad, hay momento en los que uno desea que le peguen un tiro a la cargante Marion (horriblemente interpretada por Karen Allen) y de paso a su hijo. Asumiendo que lo mío con Indiana Jones es un problema personal, lo único que les puedo decir en este blog tan personal es que la película, desde mi personal e intransferible punto de vista, es una trufa entretenida... pero trufa a fin de cuentas.

LO MEJOR: La puesta en escena de Spielberg

LO PEOR: La interpretración??? de Karen Allen y de Shia LaBeouf.

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ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO

2008-05-27T09:23:00.000-07:00

SINOPSIS: Desesperados por conseguir dinero fácil, dos hermanos de clase burguesa, Andy, un ambicioso hombre de negocios casado con una mujer florero y adicto a la heroína, y Hank, cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hijo, conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, y nada de problemas. Pero cuando su cómplice decide no cumplir las reglas del juego, las cosas no salen como ambos se esperaban?

COMENTARIO: Con más de ochenta años, Sidney Lumet es uno e los pocos directores en activo de esa generación que se vino a llamar de la televisión. Tras aprender el oficio en la gran pantalla, Lumet pasa al cine a principios de los años ochenta con una carrera irregular pero no exenta de obras interesantes. Suyas son, por ejemplo, Serpico, Tarde de perros o Doce hombres sin piedad, películas que, sin ser obras maestras, si denotan un director solvente que sabe explicar una historia y definir bien a los personajes.
Hoy he tenido la ocasión de ver su penúltima película, Antes que el diablo sepa que has muerto, y me he topado con una obra intensa, dura, bien narrada y que maneja a la perfección los resortes cinematográficos característicos del thriller. Bajo la aparente historia de un robo frustrado, el director realiza un despiadado retrato de las "mierdas" familiares y de como estas condicionan nuestros actos futuros y nos convierten en seres mezquinos y estúpidos. Tiene momentos intensísimos (la secuencia final es escalofriante) y todas las interpretaciones son soberbias. Destacar en este apartado a Philip Seymour Hoffman, al gran Albert Finney y a una sorprendente Marisa Tomei que nos ofrece una secuencia erótica de altísimo voltaje.
Un film de narrativa clásica, con una historia que, a pesar de su aparente complejidad (hay continuos saltos en el tiempo) se entiende a la perfección y unos actores en estado de gracia. ¿Qué más se puede pedir?

LO MEJOR: Las interpretaciones, la intensidad emocional.
LO PEOR: En ocasions la narrativa es algo estática.

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SHOOT 'EM UP

2008-05-26T11:02:00.000-07:00

SINOPSIS: Un El Sr. Smith, un misterioso y solitario pistolero, ayuda a nacer a un bebe en medio de un tiroteo. Pronto descubre que el niño es el objetivo de una banda liderada por Hertz, cuyo objetivo es borrar todo rastro del reciÉn nacido. A Smith se le une una prostituta llamada DQ para intentar solucionar el misterio. Todos quieren ver muerto al pequeño, ¿por qué?

COMENTARIO: Shoot'em up es una de las películas más entretenidas, divertidas y enloquecidas que he tenido ocasión de ver en mucho tiempo. Como por mucho que les explique me voy a quedar corto, lo mejor es que la vean y juzguen por ustedes mismos estos 90 minutos de acción trepidante, desmesurada, exagerada, hiperbólica, sin concesiones y absolutamente desmadrada que el director Michael Davis tiene a bien ofrecernos. La película me recuerda mucho a ese cine hard boiled que hacía John Woo en sus películas de Hong Kong, con la diferencia de que esta no se toma en serio a si misma (por otra parte el mayor defecto del cine de Woo) e intenta ofrecer un espectáculo que por lo desmesurado y paródico, resulta fantástico. Ello sin escatimar considerables dosis de mala uva y no dejar a títere con cabeza.
Una película que hay que verla para creerla y que demuestra que al cine de tiros de toda la vida se le puede dar una vuelta de tuerca. Por cierto, es violenta y desmadrada, por lo que los puristas y/o poco imaginativos abstenerse. Un título para disfrutar sin prejuicios.

LO MEJOR: Su desmadrada puesta en escena. La química entre Clive Owen y una bellísima Mónica Bellucci
LO PEOR: Un Paul Giamatti adorable y absolutamente desmadrado.

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LAS NOCHES EROTICAS DE LOS MUERTOS VIVIENTES

2008-05-26T06:10:00.001-07:00

SINOPSIS: Un abogado llega al caribe para comprar una extraña isla que los lugareños consideran que está maldita. Tras contactar con el propietario de una barca, y en compañía de una prostituta, viajan hasta la isla para encontrarse con que ahí sólo viven una joven y un anciano. Durante la noche los muertos despertarán sembrando el terror.

COMENTARIO: Joe D'Amato (pseudónimo habitual del realizador Aristide Massaccesi) era uno de los reyes de la serie Z y el cine de explotación europeo. Fallecido en el año 1999, su filmografía cuenta con más de 190 títulos de los que apenas se salvan un par; el resto eran bodrios infumables realizados únicamente con la idea para explotar películas o géneros de éxito. Que se ponía de moda Emmanuelle, el bueno de D'Amato se inventaba una negra; que triunfaba Conan, el hacía Ator el poderoso; que el mundo se maravillaba con Mad Max, el hacía infinidad de bodrios post apocalípticos; que triunfaba Nueve semanas y media, él hacía Once días, Once noches y tan contento. Tocó todos los palos (porno incluido) y plagió a todo hijo de vecina desde los años setenta hasta finales de los noventa. Su estilo era terriblemente chapucero y sus producciones cutres y cinematográficamente nulas. Vamos, un experto en explotiation que, por esas cosas tan raras que tiene la cultura popular, es idolatrado en medio mundo por una legión de frikis.
La película que nos ocupa es la típica producción de su etapa de principios de los setenta cuando el Zombie de George. A. Romero todavía sorprendía a las plateas de medio mundo. La cinta seguramente se filmó al mismo tiempo que Holocausto Porno (otra perla suya), ya que los decorados, actores y similitudes estilísticas son muchas. Sale el inimitable George Eastman, su musa Laura Gemser (es la que hacía de Emmanuelle negra), Mark Shannon (que se encarga de las secuencias porno) y Dirce Funari que no tiene escenas de sexo explícito. La peli es una de las cosas más espantosas, ridículas y sin sentido que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo (y los seguidores del blog saben que un servidor está curado de espantos); de verdad, es increíble el nivel de bodrio, aburrimiento y risa (los zombies son tan ridículos que provocan vergüenza ajena) que logra D'Amato con la película. Por no salvarse, ni siquiera lo hace la escena de sexo explícito (mal rodada con ganas) ni el innumerable erotismo que inunda la película. Vamos, no da ni para unas pajillas desganadas.
Sólo recomendable para ver en grupo y como curiosidad.

LO MEJOR: Por decir algo, la presencia de George Eastman y la música de Marcello Giombini.
LO PEOR: Todo lo demás.

TRAILER (como no lo he encontrado, les dejo con un edificante fragmento de la película)

REBOBINE, POR FAVOR

2008-05-13T03:21:00.000-07:00

SINOPSIS: Jerry es un joven que intenta sabotear un planta de electricidad que, según él, le está causando sus dolores de cabeza. El problema es que, sin darse cuenta, el acto le causa daños en su cerebro, que queda magnetizado. Cuando aparece por el videoclub en el que trabaja su amigo Mike, causa la destrucción involuntaria de todas las películas de la tienda. Desesperado ante la reacción que pueda tener el dueño Elroy, los dos deciden volver a rodar las películas a su manera.

COMENTARIO: A finales de los años noventa, surgió una generación de directores de videoclip que, de alguna manera, revolucionaron estilística y narrativamente este medio audiovisual. De entre los principales nombres que aparecieron durante esa época, la mayoría se pasaron al mundo del cine con mayor o menor fortuna. De todos estos realizadores, han sido dos los que han conservado y potenciado con mayor intensidad los hallazgos obtenidos dentro del mundo del clip. Estos son Spike Jonze (director de Como ser John Malkovich y Adaptation) y el francés Michael Gondry.
La obra de Gondry es sumamente original. En sus vídeos para Björk y Los Chemical Brothers ya demostró que era capaz de aunar una narrativa clásica con un universo personal onírico, lleno de magia y fantasía, donde los sueños se mezclaban con la realidad configurando historias tan extrañas como atractivas. Su ópera prima, Human Nature, pasó sin pena ni gloria a pesar de sus múltiples aciertos. Con Olvídate de mi, creó una obra maestra sobre el desamor y la incapacidad de olvidar aquello que nos importa. Todo en la película funcionaba a la perfección, destacando un Jim Carrey que estaba sublime. Su siguiente obra, la ciencia del sueño, es tal vez su film más onírico y fallido. Aun con muchos elementos positivos, Gondry creó una historia a la que le faltaba capacidad para emocionar.
Con Rebobine, por favor, desde mi punto de vista, el director se congratula con su mejor cine. Aunque la película parezca un producto manufacturado para el lucimiento del histriónico Jack Black, el francés es capaz de crear una historia en la que reflexiona sobre la capacidad del ser humano para crear todos aquellos mitos que, de alguna manera, nos hacen soñar. El recurso que utiliza es el cine y, a partir del interés de unos ilusos por recrear determinadas películas, nos muestra que en las películas lo que cuente, en el fondo, es la emoción y la identificación que podemos establecer con el lenguaje de la imagen.
La película es divertidísima y, les garantizo, su visionado no nos puede dejar indiferentes. De verdad, una de las propuestas más interesantes, originales y estimulantes del año.

LO MEJOR: Las recreaciones de las películas. Sublimes
LO PEOR: En algunos momentos resulta irregular y un pelín sensiblera.

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ELEGY

2008-05-08T11:23:00.000-07:00

SINOPSIS: David Kepesh, un carismático profesor de literatura, se dedica a seducir a alumnas con la única intención de no comprometerse con ninguna de ellas. Cuando la hermosa Consuela Castillo entra en su clase, su muro de protección se desploma. Esta belleza de cabellos negros le cautiva a la vez que desconcierta. A pesar de que Kepesh afirma que su cuerpo es una obra de arte perfecta, Consuela es más que un objeto de deseo. Es una persona con un gran sentido de su identidad y una intensidad emocional que hace que se tambaleen las ideas preconcebidas del profesor. Ya nada será igual.

COMENTARIO: No soy un apasionado del cine de Isabel Coixet. Aunque he visto casi toda su filmografía (con la excepción de su primera obra Demasiado viejo para morir joven), sus películas me parecen estáticas, frías, previsibles y configuradas con una puesta en escena que me resulta artificial y artificiosa. Tal vez con la excepción de Cosas que nunca te dije, su obra más interesante aunque tendría que volver a visitarla diez años más viejo, creo que la directora ha sido muy sobrevalorada.
Por ello me ha sorprendido tanto las sensaciones que me ha causado Elegy. No se si será por el material de partida, extraordinario, o por una evolución estilística de la directora, pero lo cierto es que la cinta ha logrado conmoverme y atraparme a la butaca durante todo el metraje. Esta historia sobre el miedo al compromiso, la soledad, la madurez, las expectativas y el pánico a la monotonía, la sinceridad y la honestidad emocional, es una extraordinaria muestra de cine adulto, de celuloide que emana emoción y que nos explica algo con lo que nos podemos sentir identificados. Coixet ha logrado una química brutal entre los dos protagonistas (tanto Penélope Cruz como Ben Kingsley están magníficos) que permite que su triste y melancólica historia nos llegue al corazón y remueva los mecanismo de nuestra memoria. Pausada sin resultar tediosa, profunda sin ser pedante, romántica sin caer en la cursileria, la directora nos ha ofrecido una sencilla historia sobre esas miserias e imperfecciones que nos convierten en seres humanos.

LO MEJOR: La química entre los dos protagonistas.
LO PEOR: Dennis Hooper y algunos planos esteticistas que sobran.

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