MARTYRS

SINOPSIS: Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

COMENTARIO: Estoy plenamente convencido de que en los próximos meses se hablará, y mucho, de esta película. Ayer a las dos del mediodía tuve ocasión de verla en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Al principio yo me esperaba un film francés encuadrado dentro de la escuela de Frontier(s) o A L'interieur, es decir una película cruda, con abundantes dosis de sangre y cierta originalidad en su argumento y puesta en escena. Y durante la primera hora de proyección es exactamente eso lo que me encontré. Esta es la historia de una niña que huye en estado catatónico de una casa y que, quince años después y en compañía de una amiga, decide acabar con sus captores. El director, en lugar de optar por una rutinaria historia sobre venganza, aporta un interesante plus fantástico: la protagonista es agredida por una mujer deformada de la que no sabemos muy bien si es real o forma parte de la imaginación de la muchacha que justifica de esa manera su tendencia a autolesionarse. Hasta ahí simplemente se trata de una película correcta que contiene buenos momentos de terror.
El problema es que cuando todo parece resuelto, el director Pascal Laugier da un giro de 180 grados al argumento y nos ofrece una media hora final que es, sin exagerar un ápice, la mayor muestra de puro mal rollo que uno ha tenido ocasión de ver en una pantalla a lo largo de sus treinta y ocho años de vida. Sin desvelar demasiadas cosas del argumento, sólo les diré que lo que nos muestra la película es duro, desagradable, difícilmente soportable y que logra remover en su silla al más curtido de los aficionados. En la sala que se proyectaba hubo deserciones masivas y que al final de la proyección todos teníamos la sensación de haber visto algo excesivo y terrible. ¿Arte? ¿Provocación? ¿Reflexión sobre la brutalidad inherente al ser humano?
Seguramente se hablará de los límites de la mostrable, de censura, de si hay que evitar este tipo de cine, de historias sobre lo políticamente correcto. Yo creo que todo ello es gratuito, que el arte es algo que funciona a través de la subjetividad y que ella no puede medirse bajo parámetros de lo que es bonito o no; de lo que se puede y no se puede mostrar. El arte es ficción, reflexión o reflejo de la realidad, no la realidad misma. Eso no lo podemos obviar ni olvidar. Es la base de la libertad.
¿La película es buena o no? Pues no se muy bien que decir. Como producto cinematográfico tiene cosas interesantes y cumple con su función de empatar, pero temgo miedo de que los arboles, por frondosos que sean, no me dejen ver el bosque. Creo que necesitaré unas cuantos días para pensarla y meditarla. De momento lo único que les puedo decir es que mentes y estómagos sensibles abstenerse.
Aunque los medios de comunicación ya se encargarán de recordarlo por activa y por pasiva, avisados quedan.

LO MEJOR: Su capacidad para epatar
LO PEOR: Su capacidad para epatar.

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EL DIA DE LA MADRE

SINOPSIS: Tres jóvenes amigas planean una tranquila excursión de fin de semana en el bosque, pero todo se complica terriblemente cuando conocen a Madre y sus dos adorables hijos. Arrastradas hasta una casa aislada, donde son atacadas y torturadas, las tres amigas deberán luchar para sobrevivir. Los aparatos de la cocina se convierten en fantásticos medios para mutilar a las inocentes víctimas.

COMENTARIO: En 1980 un servidor tenía 10 años. A esa tierna edad yo no sólo era muy impresionable, como todos los niños, sino que ya empezaba a notar el gusanillo de la cinefilia por mis venas. Por ello, todavía recuerdo el impacto que me causó ver el cartel de El día de la madre en una marquesina de un céntrico cine de mi ciudad. La cara medio deformada de una señora que aguantaba una cabeza sobre su regazo, los dos gañanes armados que tenía detrás suyo, la enorme "S" (para los no iniciados diremos que era una clasificación que se inventaron durante la transición para calificar las películas cuyo contenido "podía herir la sensibilidad de los espectadores") que decoraba el cartel. Yo quería ver esa fascinante película, tenía que saber que encerraba ese terrorífico cartel dentro de sus fotogramas.

Pude ver la película bastantes años después y me decepcionó considerablemente. Entonces me topé con una película cutre, mal hecha y sumamente aburrida. Imagino que me decepcionó tanto que la olvidé con toda la rapidez del mundo. No era más que un gore más que estaba a años luz de cintas como Pesadilla en Elm Streat o Reanimator, que eran los productos que marcaban tendencia a finales de los años ochenta.

Veinte años después, y tras leer en innumerables fancines y libros sobre el género, la condición de film de culto de la película, he decidido rememorar viejas nostalgias y visualizarla de nuevo en una de esas noches ociosas de verano. Y el resultado ha sido algo distinto

El día de la madre es una película que ha envejecido fatal, que no puede ocultar su pírrico presupuesto y sus escasas pretensiones artísticas, que, por no ser, no es ni excesivamente gore ni violenta. Vamos, que hoy en día hay cientos de películas pensadas para chicos de 13 años que dan sopas con onda, en cuanto a sangre y casquería, a este título. Pero he de reconocer que la película de Charles Kaufman tiene su coña, que su guión, aunque previsible, tiene un cierto interés por retratar la psicología de los personajes y que contiene un cierto discurso crítico sobre esa fenómeno tan inexplicable que sólo pueden lograr hacernos sentir las madres y que se conoce con el nombre de culpabilidad.

El día de la madre es un producto muy característico de su época, una película de culto que, dejando de lado sus escasas intenciones artísticas, la hemos de observar como la curiosidad que realmente es.

LO MEJOR: La descripción de los personajes

LO PEOR: Lo cutre que resulta todo

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UNA GOTA DE SANGRE PARA MORIR AMANDO

SINOPSIS: Una serie de crímenes aterroriza a la ciudad mientras Ana, enfermera, prodiga sus cuidados a los pacientes del Gran Hospital. Un día, David, un joven delincuente, descubre casualmente que Ana es la autora de los crímenes de los que siempre son víctimas jóvenes con problemas a los que ella cree liberar de su enfrentamiento con la sociedad.

COMENTARIO: Esta es una de las películas más extrañas, incalificables y curiosas que ha dado la cinematografía española en toda su historia. Dirigida por el incalificable Eloy de la Iglesia, con guión, entre otros, de el propio De la Iglesia y José Luís Garci, producción del inefable José Frade y la interpretación de la Lolita de Kubrick Sue Lyon y Christopher Mitchum, hijo del histórico Robert Mitchum y un señor que ha pasado su carrera entre series B y Z.

El caso de su director es realmente curioso. Debutó en el mundo del cine en 1966 con una película infantil llamada Fantasía 3. A partir de ese momento, dirigió una serie de extraños e interesantes títulos, violentos pero con una cierta intención de crítica social, que siempre nadaban entre el delgado filo que separa la originalidad, la caspa, la provocación, la psicotronía y el cine de explotación más descarado. De esta época son la increíble La semana del asesino o esta Gota de sangre que ahora nos ocupa.

Su siguiente etapa la proporcionan una serie de películas de marcado carácter erótico que, con la excusa de mostrar temas polémicos como la homosexualidad o la política, eran vulgares excusas para enseñar teta y culo a granel. El Diputado o Los placeres prohibidos serían muy representativas. A partir de los ochenta, De la Iglesia empieza a hacer un cine de denuncia social en el que retrata la vida de delincuentes, navajeros y drogadictos en la deprimente España de la época. Sus dos cintas más conocidas de entonces son las dos partes de El Pico.

Tanto se metió el director en este tipo de cine que en 1987, tras dirigir la Estanquera de Vallecas, desaparece del mapa a causa de su adicción a la heroína y a los jovencitos marginales. Muy deteriorado físicamente reaparece en el año 2003 con Los novios búlgaros, para morir poco después a los sesenta y dos años de edad.

La película que nos ocupa es un curioso intento por aprovecharse del éxito internacional de La naranja Mecánica de Kubrick desde un punto de vista muy particular. Aquí nos encontramos también con un grupo de jóvenes que cometen atrocidades y con un proyecto estatal para rehabilitar a los delincuentes, pero todo ello se mezcla con la historia de una enfermera que asesina a jóvenes sin futuro y porvenir con la idea de que les está haciendo un favor. Con este argumento, el resultado es una rareza entre lo Kitch, la explotación y un cine raro y personal que es, precisamente, su mayor atractivo. Esta no es una gran película, es una cinta rara y diferente que han de paladear todos aquellos aficionados a las rarezas. Destacar el curioso diseño de producción y alguna secuencia francamente brillante.

LO MEJOR: Lo diferente de la propuesta

LO PEOR: Ese cierto tono cutre del que no se puede desprender

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Lo siento, pero no lo he podido encontrar: sorry

ILSA, LA REINA DEL HAREN

SINOPSIS: Tras gestionar el campo de concentración nos encontramos a Ilsa unos años después, pero igual de joven y lozana, en un país árabe. Su misión es la de controlar el harén de mujeres hermosas de todo el mundo que el jeque El Sharif (un hombre tan rico como corrupto). Un agente de la CIA consigue cautivar a Ilsa y los dos se deshacen de Sharif para subir al trono al sobrino de este.

COMENTARIO: El éxito impresionante de Ilsa, la loba de las SS, hizo que los productores decidieran filmar un secuela en la que el personaje interpretado por Dyanne Thorne viviera nuevas aventuras. Dirigida de nuevo por Don Edmonds, la cinta cuenta con un presupuesto algo más amplio (teniendo en ciuenta que hablamos de una serie B) y un interés por incrementar la calidad final del producto. El resultado final es, desde mi punto de vista, algo inferior al logrado en la primera película. Por un loado se han limitado las dosis de erotismo y violencia, dejándole más sitió a la aventura y a unos diálogos fráncamente absurdos. Si bien es cierto que cuenta con alguna secuencia destacada (la lucha entre las dos guardas de color y el soldado, la humillación pública de Ilsa con el tullido), la impresión final es la de un producto casposo y algo desmadrado. Lo más destacado es el carismo de la Thorne que sabe dotar a su personaje de una fuerza fuera de toda duda.
En fin, un entretenimiento que pierde parte de la fuerza del original en pro de potenciar más la aventura. Aun habría una tercera parte.

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ILSA, LA LOBA DE LAS SS

SINOPSIS: Ilsa es la implacable comandante de un campamento medico nazi. En este lugar se usa a las mujeres prisioneras para llevar a cabo dolorosos y brutales experimentos médicos. Ilsa también utiliza a los reclutas masculinos para acostarse con ellos y al día siguiente castrarlos (según sus palabras "un hombre que se acuesta conmigo no se acuesta con ninguna mujer mas"). Todo cambiará cuando llegue al campo de concentración un joven norteamericano.
COMENTARIO: En el año 1975 una directora italiana semi desconocida llamada Liliana Cavani, estrenó una película que se convirtió en un acontecimiento sociológico. La cinta se titulaba Portero de noche, y en ella se nos explicaba la morbosa relación entre un antiguo nazi y una mujer judia que fue torturada por el durante su estancia en un campo de concentración. Aunque la película no era nada del otro mundo (personalmente nunca la he visto como una cinta erótica sinó como un drama sobre dos personajes al límite), la directora tuvo el acierto de aunar erotismo con imaginería nazi, despertando los más bajos instintos del respetable que acudió en masa a las salas donde se programaba la cinta. Ello también hizo que los avispados productores europeos y norteamericanos especializados en Serie B, decidieran explotar el filón del erotismo Nazi, con una gran cantidad de películas en las que el sexo, la violencia y el gore eran moneda común. De entre todas ellas, la más famosa de todas fue esta Ilsa, la loba de las SS que ahora nos ocupa.
El que esté título de bajísimo presupuesto haya pasado a la historia del cine de explotación se debe a varios factores: 1) el carisma de su protagonista Dyanne Thorne, una voluptuosa y veterana actriz, que supo dotar al personaje de todo el morbo del mundo; 2) su capacidad para crear un ambiente malsano en el que la violencia, extrema y el sexo, estaban bien integrados y repartidos durante toda la narración y; 3) una entretenida trama que logra que la película pasé como un suspiro.
Sin ser una buena película (no podemos obviar que se trata de una producto de bajo presupuesto rodado en cuatro días), la cinta se convirtió en un objeto de culto. Hoy en día, cuando toda su supuesta truculencia está más que superada, la película ha quedado como una curiosidad, como un film sin ningún tipo de pretensiones que nos muestra una forma de entender el cine que, hoy en día, ya no existe.
Su éxito fue tan grandioso que dio pie a tres secuelas, de las que hablaremos en breve, de inferior calidad.

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MANHATTAN

SINOPSIS: Isaac Davis, un neoyorquino de mediana edad, tiene un trabajo que odia como escritor de gags televisivos, una novia de 17 años a la que no ama y una ex-esposa lesbiana que está escribiendo un libro en el que narra todas las intimidades sobre su matrimonio. Pero todo cambia cuando conoce a Mary, la sexy e inteligente amante de su mejor amigo, y se enamora perdidamente de ella. Abandonar a su novia, acostarse con Mary y dejar su trabajo es sólo el comienzo de la búsqueda del amor verdadero y de la realización de uno mismo en una ciudad inmortal.
COMENTARIO: Dentro de la obra de Woody Allen existen varias etapas que, con mejores o peores títulos, definen a la perfección las obsesiones e intereses artísticos del autor newyorkino. Para el que suscribe, su mejor época es la que inició a mediados de los setenta cuando, tras abandonar las comedias, se embarcó en una serie de proyectos en los que reflexionaba sobre el sexo, la incapacidad de madurar, el amor y todas las grandezas su miserias que afrontamos los seres humanos cuando alcanzamos la madurez. Esta etapa dio inició en 1977 con la obra maestra Annie Hall y finalizó en 1986 con otra extraordinaria película titulada Hanna y sus Hermanas. En medio, una serie de películas en su mayoría brillantes que van desde la introspección bergmaniana de Interiores o Recuerdos, hasta la fabulación de Broadway Danny Rose o La rosa púrpura del Cairo, pasando por experimentos de la categoría de Zeling o La comedia sexual de una noche de verano. Dentro de este periodo de excelencia creativa y madurez artística, hay una película que a un servidor le cautiva sobremanera: la inmortal Manhattan.
Los que me conocen ya saben que la cigüeña se equivocó conmigo. Que en lugar de haberme depositado en pleno Aragón, a mi me tendrían que haber dejado en mitad de Manhattan. Si, yo soy un newyorkino frustrado, alguien a quien la ciudad de los rascacielos le insufla vida, ilusiones, sueños. Mi admirado Terenci Moix creía que tenía que haber nacido en el antiguo Egipto; yo, y cada día lo tengo más claro, creo que sólo soy plenamente feliz cuando estoy en mi adorada Nueva York.
Por ello soy incapaz de ser mínimamente objetivo ante una película que es el mayor canto de amor a esa ciudad. Este es un título que he visto infinidad de veces, que nunca deja de gustarme, que me atrapa, con el que pierdo toda racionalidad y capacidad de análisis, que me cuenta cosas que me interesan, que me hacen reflexionar, que me emocionan, que me recuerdan a mi mismo. Y esa imagen del puente de Brookling... y esa música de George Gershwin.
Ya ven, una película fundamental en la concepción emocional de mi vida. Que forma parte de mi vida. Gracias a películas como Manhattan he aprendido a amar a ese compañero llamado cine que nunca, nunca me ha fallado.
Y que más quieren que les diga.

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EL HOMBRE PERSEGUIDO POR UN OVNI

SINOPSIS: Un escritor de novelas de ciencia ficción ve como una nave espacial de origen desconocido le persigue sin un motivo aparente. Tras huir de ella y enfrentarse a unos mutantes, al final es abducido para descubrir que, sin pretenderlo, es una pieza clave para que una civilización extraterrestre sobreviva.

COMENTARIO: Toda cinematografía que se precie tiene esa película incalificable; cuenta con una marcianada que, por rara, extraña, invisible e imprevisible, merece ser tenida en cuenta y disfrutada. El hombre perseguido por un Ovni podría ser perfectamente esa película para el cine español.
La propaganda califica a su director, Juan Carlos Olarria, como el Ed Wood español. Tras ver la cinta, esa comparación nos parece del todo acertada. La película es amateur, cutre, esta realizada sin ningún tipo de lógica ni coherencia, los actores son pésimos y todo parece una inmensa broma. Pero, tal como sucedía con los films de Wood, la película destila un entusiasmo, un amor por el cine y una sensación tan grande de que el director creía en el proyecto que estaba llevando a cabo que resulta totalmente contagiosa. Es admirable ver en los extras del DVD como el hombre que ha perpetrado este bodrio defiende la película, explica su ilusión por poner en imágenes el guión, se lamenta de la precariedad del presupuesto, de los problemas.
Esta es una película espantosa, pero sólo por el entusiasmo y el amor por el cine que emanan sus paupérrimos fotogramas merece el calificativo de película de culto.
Véanla, véanla y sorpréndase.

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EL EXTRAÑO VIAJE

SINOPSIS: Fernando es un músico que actúa en pequeños pueblos de la España profunda. En uno de estos pueblos vive Beatriz, su novia, una modesta dependienta de mercería que insiste para que se casen. El no acab de decidirse ya que esconde un gran secreto: es el amante de Ignacia, una solterona mujer de provincias que vive junto a sus dos hermanos Paquita y Venancio. Ignacia, harta de convivir con dos borderlines, decidé vender sus propiedades y fugarse con Fernando. Pero, por accidente, Venancio mata a Ignacia y todo se complica.

COMENTARIO: En Los orígenes de El extraño viaje sólo se pueden entender dentro del contexto social de la España de finales de los sesenta. La idea original se le ocurrió a Luis García Berlanga gracias a la difusión que se le estaba dando a un crimen sin resolver que se había producido en la localidad de andaluza de Mazarrón. En una tertulia con gentes de cine, Berlanga expuso su teoría sobre el crimen señalando que podía ser buen material para una buena película. El actor Paco Beltrán recogió la idea y con la ayuda del escritor Manuel Ruiz Castillo, se pone manos a la obra y acaba en un tiempo relativamente breve el libreto de El extraño viaje. El libreto lo compra Izaro films, una compañía productora perteneciente a José Frade, especializada en cine popular y donde trabajan directores como Mariano Ozores o Pedro Lazaga, que decide poner en marcha la película.
Fernando Fernán Gómez, que acumulaba una serie de fracasos en taquilla con las extraordinarias La vida por delante (1958), La vida alrededor (1959) y El mundo sigue (1965), se limitó a rodar la película sin modificar nada sustancial del guión que le habían puesto en las manos. Únicamente cambio la ubicación de la historia (el ayuntamiento de Mazarrón protestó enérgicamente por que consideraba que la película podía perjudicar al turismo), ubicando la acción en un lugar indeterminado de Castilla.
Los problemas de la película empezaron desde el mismo día en que se rodó el último plano. Tras ver el film acabado, el Ministerio lo calificó con la temida tercera categoría (que era la valoración más baja que se podía dar y que sólo se otorgaba a las películas de ínfima calidad y nulos valores artísticos), condenando a la nada sus posibilidades comerciales. Esta calificación hizo que ninguna distribuidora quisiera hacerse cargo de ella por considerarla inmoral y pornográfica.
La película se mantuvo guardada en un almacén durante más de cinco años (anteriormente sólo se pudo ver de tapadillo en 1967 en el cine Teatro Campos Elíseos de Bilbao) hasta que en agosto de 1969 se proyecta en Valencia y Sevilla para, algunas semanas después, acabar en el antiguo cine Odeón de Madrid, una sala de reestreno situada en las afueras, como complemento de otra película. Es entonces cuando algunos críticos jóvenes la descubren y empiezan a reivindicarla. Ese mismo año el Círculo de Escritores Cinematográficos le concede algunos años después, en pantalla grande sólo ha sido vista por algo más de 200 mil espectadores que dejaron unos paupérrimos 20.000 euros de recaudación.
Cuando se visualiza por vez primera El extraño viaje, se entiende a la perfección los motivos por los que ésta se convirtió en una cinta maldita y vilipendiada. Si uno se pone en la piel de los ingenuos espectadores de mediados de los años sesenta e intenta hacer un ejercicio de empatía emocional, se dará cuenta que la lucidez, amargura y feroz crítica a una sociedad atrasada, reprimida e ignorante que el director abocó en ella, era difícilmente asimilable para un país imbuido en plena dictadura.
Lo más interesante de El extraño viaje no es tanto lo que se explica como lo que se intuye. Desde esas imágenes iniciales de Angelines bailando, con todos los hombres del pueblo boina en ristre pendientes de sus voluptuosos movimientos, hasta el plano final con Beatriz mirando desde su casa como se llevan preso a Fernando, todo parece hecho con la intención da darnos a entender que, en el fondo, nadie es del todo inocente. Esta es una historia que nos habla de represiones, de miedos, de la incapacidad para mostrar nuestra realidad y tener que vivir permanentemente bajo la máscara de las apariencias.
El extraño viaje es una obra maestra que las nuevas generaciones tienen que descubrir. La película es un ejemplo perfecto de cómo manejar el ritmo de la narración, de cómo la puesta en escena ha de estar al servicio de la historia, de lo que representa una maravillosa dirección de actores… pero sobre todo es un retrato de una España que fue y que, sinceramente, no se muy bien si ya se ha ido.

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TRAINSPOTTING

SINOPSIS: Renton es un joven que vive en el Edinburgo de principios de los años noventa. Sus perspectivas vitales son prácticamente inexistentes y su única obsesión será drogarse y olvidarse de la realidad que le rodea. Tras lograr desengancharse de la heroína, partirá a Londres para empezar una nueva vida. Ahí, volverá a encontrarse con sus antiguos amigos que le devolverán los fantasmas del pasado.

COMENTARIO: Los que me conocen saben perfectamente que no me gusta valorar una película en función de la obra cinematográfica que la precede. Considero que el cine y la literatura son dos medios con lenguajes completamente distintos y que, por ello, cualquier comparación es odiosa. Desde mi punto de vista, lo importante es que un director sepa plasmar la filosofía, la intencionalidad profunda que el autor literario intentó plasmar en su obra. Si luego esta se parece o no es, a mi modo de ver, insustancial. El ejemplo más claro lo tenemos con la soberbia interpretación que Francis For Coppola hizo de "El Corazón de las tinieblas" de Joseph Conrad: respetar el alma de la obra a partir de una estructura argumental totalmente nueva.
Cuando vi por primera vez Trainspotting me pareció una película curiosa pero excesiva. Consideré que la película era un producto coyuntural, uno de esos films realizados con la única vocación de convertirse en obra de culto, de referente generacional. Diez años después, y tras haber madurado como espectador, mi opinión ha variado sustancialmente.
Para el Nacho del 2007, Trainspotting es una obra interesantísima que, dejando de lado algunos excesos en la puesta en escena que considero innecesarios, refleja a la perfección la intención de Irvine Welsh a la hora de publicar su novela: narrar la desesperanza de unos jóvenes sin presente ni futuro para los que la droga es la única salida viable. Para ello Danny Boyle decide utilizar un tono tristón que se contagia y te hace identificarse en todo momento con lo que estas viendo. Sus protagonistas son perdedores que viven en un mundo que no les va a dejar nunca abandonar esa condición. La degradación moral, la ignorancia y la falta de recursos es algo que nunca se muestra pero que se intuye en todo momento. Dentro de este panorama, la droga es un catalizador, una forma de escapar y de ver aceptar la absoluta falta de perspectivas.
Un film soberbio que demuestra que hay películas que ganan con los años. Por cierto, la utilización de la música, por como está integrada y por lo que trasmite emocionalmente, es magistral. Una gran obra cinematográfica.

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