SINOPSIS: Dos grupos de jóvenes se enfrentan en una bolera y deciden retarse a una partida nocturna de bolos. Esa misma noche, una de las chicas de un grupo es salvajemente violada. A la noche siguiente empieza la partida y un misterioso jugador que responde a las siglas BBK decide entrar en el juego asesinando cruel y sanguinariamente a todos su rivales en lo que parece un acto de calculada venganza.
COMENTARIO: En los últimos años desde los Estados Unidos nos están llegando una serie de producciones de terror de bajísimo presupuesto en las que los directores y realizadores se dejan llevar por su enfermiza imaginación, creando productos locos, desmadrados, divertidos y, porque no decirlo, sin pies ni cabeza. Son películas baratas, con actores semi amateurs, pensadas para la distribución directa en videoclubs y creadas para los fans más frikis del cine de terror. Gutterbals sería un buen ejemplo de ello. Su realizador Ryan Nicholson, un experto en maquillaje, nos ofrece una mezcla de cine de rape and vengance (chicas violadas salvajemente que se vengan) y slasher en el que el desmadre es la nota dominante. Aquí el malo es un tipo que lleva por máscara una bolsa para guardar bolos (absolutamente cierto) y mata con todo tipo de objetos sacados de una bolera. Obviamente las muertes son brutales (por poner un ejemplo, a una pareja los ahoga mientras practican un 69) y sangrientas, los efectos convincentes, hay desnudos gratuitos a manta y la locura e incoherencia campa a sus anchas. Como obviamente la lógica del guión es lo de menos, se improvisa un final embarullado que no hay Cristo que enienda y todos felices.
Una película con su parte divertida, pero sólo recomendada a los amantes de este tipo de cine o a todos aquellos que busquen algo diferente. Y lo que decimos siempre: abstenerse estómagos sensibles.
LO MEJOR: Su absoluta y total falta de vergüenza LO PEOR: Por destacar algo entre todo lo malo, los actores son pésimos.
SINOPSIS: Un psicópata negro perteneciente a un grupo activista de los setenta es asesinado en la silla eléctrica. Su alma viaja hasta el muñeco de ventrílocuo de una chica con la que empieza una relación. No satisfecho sólo con ella, el muñeco le pide que invite a sus cuatro amigas a una fiesta con las que tendrá una orgía de sangre y sexo.
COMENTARIO: A muchos de los que no estén metidos en el mundillo de la Serie B o el cine de explotación, le costará mucho creer que se puedan llegar a hacer películas como esta. Pero existen y cualquiera con un mínimo de curiosidad se la puede descargar de la red con unos subtítulos latinos realmente infumables y disfrutar/sufrir (táchese el que proceda) de una de las mayores idas de pinza que este cronista ha visto en mucho tiempo.
Y es que la historia es una versión cutre y afro de el célebre Muñeco diabólico (y secuelas) que en 1988 dirigió Tom Holland. Aquí en lugar de a Chucky tenemos a un negro activista mal hablado (dice tacos para dar y vender) y salido, cuya única pasión es cepillarse y asesinar a rubias tetudas. El argumento es absolutamente demencial y nada tiene ningún sentido; los actores son lo peor visto jamás en una pantalla (Dios sabe de que puticlub de carretera han sacado a las chicas protagonistas), los efectos cutres hasta decir basta (las animaciones del muñeco dan risa) y hay momentos tan absolutamente surrealistas (las cuatro chicas lavando el coche) que uno ha de frotarse los ojos para comprobar que no está soñando.
Evidentemente esta no es una película para tomarse en serio; algo que ni sus propios responsables hacen. Este es simplemente un gamberro entretenimiento para alguien que se quiera echar unas risas, ver cuatro tetas, algo de sangre y dos o tres chistes malos. Contemplar la película significa recuperar el espíritu del cine de explotación más canalla, de ese que inundo los videoclubs y los cines de barrio durante los setenta y principios de los ochenta y que a algunos nos hizo amar el cine; todo el cine. Y eso es lo que buscaban sus creadores. Ni más ni menos.
Para curiosos y fanáticos de las rarezas.
LO MEJOR: No se toma en serio a si misma. LO PEOR: Es imposible tomársela en serio..
SINOPSIS: Después de conseguir escapar del asesino Victor Crowley, Marybeth decide ir hasta la ciudad para conocer la verdad sobre el fantasma del pantano. Una vez ahí, con la ayuda de un grupo de hombres armados se dirige de nuevo hacia el pantano embrujado en compañía de su tío Bob con el fin de buscar venganza por la muerte de su familia y eliminar a Crowley de una vez por todas.
COMENTARIO: Secuela de una de los slasher más aclamados de los últimos años. Con el director y guionista Adam Green de nuevo al frente, la película retoma la historia justo donde se había quedado la primera y esta vez nos ofrece un espectáculo en el que el suspense y las gotas de terror de la primera parte quedan diluidas en pro de una mayor carga de violencia y gore. De hecho la cinta fue censurada en muchos países y a través de la red se puede lograr una versión uncut en la que se puede apreciar con toda la solvencia los efectos más gore.
Como suele pasar con este tipo de productos, ni la historia es demasiado elaborada ni los personajes están muy bien definidos. El guionista se plantea una mínima anécdota, nos ofrece más `personajes a descuartizar u ofrece un espectáculo de violencia implacable que es, a fin de cuentas, lo que el público demandaba.
A los aficionados al género les dejará satisfechos ya que ofrece lo que promete: sangre y violencia por un tubo. El resto, pues yo les recomendaría abstenerse. LO MEJOR: Ofrece exactamente lo que promete LO PEOR: La originalidad brilla por su ausencia.
SINOPSIS: Esta es la historia de Victor Crownley, un hombre profundamente deformado que, tras ser agredido por unos muchachos, muere accidentalmente por un hachazo que le propina su padre. La culpa y la pena hacen que su progenitor fallezca y este regrese convertido en fantasma. A partir de ahí, sus víctimas potenciales será cualquier grupo de turistas incautos que se acerquen por la zona de los viejos lagos de Lousiana. Como los jóvenes que e apuntan a una excursión nocturna ilegal.
COMENTARIO: Por esas cosas de la distribución, hay películas que nunca llegan a nuestras carteleras o videoclubs y que uno no tiene más remedio que descargarse. Eso pasa con mucho cine oriental o con películas de terror de las que todo el mundo habla pero que, desgraciadamente, muy pocos tienen ocasión de ver.
Desde su pase en el Festival de Sitges, tenía muchas ganas de ver Hatchet. Los que la pudieron ver decían que se trataba de uno de los slasher (películas de asesino en serie que acaba con un grupo de personas de las formas más brutales; en la línea de Viernes 13) más originales y burros de los últimos tiempos. Y hombre, ¡que quieren que les diga!: si bien el planteamiento inicial (el asesino es de origen sobrenatural) y la ambientación (los inquietantes pantanos de Lousiana) si aportan algo de aire fresco al género, lo demás es algo cien veces visto. Jóvenes descerebrados perseguidos por un matarife que va acabando con ellos de las formas más burras y salvajes posible. Si, la película es muy, muy gore y tiene muertes super originales; pero tampoco es para tanto. Eso si, el director no se lo toma demasiado en serio y en sus menos de ochenta minutos de duración nos ofrece un espectáculo bizarro apto sólo para amantes del gore o para los que disfruten con este tipo de productos.
LO MEJOR: No se anda con chiquitas: es muy gore. LO PEOR: En el fondo es más de lo mismo.
SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante el cariz que están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.
COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, por malos, incoherentes, exagerados y carecer de cualquier tipo de vergüenza torera, merecen toda mi admiración. ¡Que coño!: también hay que saber disfrutar de estas pequeñas locuras que nos ofrece la vida; no todo ha de ser seriedad y trascendencia. Digo esto a colación de esta película que es, para que lo vamos a negar, una castaña impresionante, pero que resulta sumamente divertida. Sexta parte de una de las sagas más longevas de la historia del cine de terror, este es el claro ejemplo de que si segundas partes no fueron buenas, las sextas.... Y eso que el primer Aullidos de Joe Dante no estaba nada mal. Esta era una peli de serie B muy bien hecha, con momentos de terror logrados, una historia solvente y unos cojonudos efectos de maquillaje de los maestros Rick Baker, Rob Bottin y Greg Cannon. El éxito de la película fue tan grande que dio pie a siete secuelas a cual más mala, más barata y más cutre. En el caso que nos ocupa hablamos de la sexta. Aquí la acción se traslada hasta un pueblo al que llega el hombre lobo de turno. A la población llega un circo plagado de freaks y comandado por un vampiro que quiere secuestrar al hombre lobo para exhibirlo a los paletos locales. Esto nos puede dar una idea de por donde van los tiros: caspa a granel, maquillajes de risa, diálogos absurdos y un sin fin de despropósitos y falta de prejuicios con los que uno sólo puede echarse unas risas. De verdad, hacía tiempo que no veía algo tan rematadamente malo y desvergonzado. Para disfrutarla sin prejuicios.
LO MEJOR: El maquillaje del vampiro LO PEOR: Todo lo demás.
SINOPSIS: Una joven llamada Melissa, está convencida de haber cometido un terrible crimen en sueños. Su familia angustiada reclama la presencia del doctor Orloff para que la ayude. Pero éste no quiere más que consumar una antigua venganza, por lo que someterá a Melissa a unos retorcidos tratamientos
COMENTARIO: Jesús Franco es el director más atípico de la historia del cine español. Nacido en Madrid en 1936, ha dirigido más de 189 películas hasta la fecha. Franco ha tocado todos los palos (ciencia ficción, comedia, terror, erótico, porno), ha trabajado por toda Europa con cientos de pseudónimos o ha dirigido a actores de la talla de Christopher Lee o Fernando Rey, siempre en producciones de bajo presupuesto que van desde la serie B hasta la serie sub Z. Su figura es idolatrada por miles de aficionados alrededor del globo que lo consideran unos de los últimos outsiders, como una figura que siempre ha trabajado en libertad y ha dirigido lo que le ha dado la gana. Esta personalidad, que no negamos resulta fascinante, se trasmite en unas películas que tienen unas temáticas muy similares, que juegan con un sentido del erotismo muy particular y que cuentan con un peculiar estilo a la hora de plantearse la puesta en escena. Todo en el cine de Franco es atípico... para sus detractores y admiradores. Desgraciadamente yo me encuentro entre los primeros. A mi el cine de Franco me resulta cutre, malo, aburrido, sin pies ni cabeza. Sus películas no logran engancharme y, cuanto más las veo, más tengo la impresión de que su problema es que no tiene ni idea de donde se ha de colocar una cámara. La película que nos ocpa tiene todos los dectos del cine de Franco. Recuperado a un personaje habitual en su cine, el doctor Orloff, el director nos ofrece una historia absurda y sin sentido trasmitida a través de una puesta en escena carente de ritmo, llena de zooms y primero planos innecesarios. Nada más; la película es más mala que un dolor y sólo la recomiendo a los seguidores del director. Avisados quedan.
LO MEJOR: Montserrat Prous, la protagonista principal LO PEOR: Todo lo demás
SINOPSIS: Un motorista conocido como Pistolero, recorrerá las carreteras del país junto su hermano The Gent y a su socio Comanche, para vengar la muerte de su antigua chica a manos de los 666ers, una banda de motoristas rival. Estos estarán dispuestos a cualquier cosa con tal de recuperar una llave que abre un extraño tesoro.
COMENTARIO: Hell Ride podría ser perfectamente la tercera entrega del proyecto Grindhouse que emprendieron Quentin tarantino y Robert Rodríguez en al año 2007. De Hecho, la película está producida por el mismo Tarantino, y tanto argumental como temáticamente encaja a la perfección con los objetivos del fallido Grinhouse: homenajear a las películas de explotación de los años ochenta haciendo una lectura paródica y descontextualizadora de esos míticos títulos.
Hell Raider está dirigida y protagonizada por Larry Bishop, un actor de reparto al que pudimos ver, entre otras, en Kill Bill 2. Junto a él, actores míticos de la serie B o de la factoría Tarantino (David Carradine, Michael Madsen, Vinnie Jones, Dennis Hopper, Leonor Varela), que participan en un espectáculo desmadrado lleno de violencia gratuita, motos, tías buenas desnudas y tipos duros. El argumento, de puro delirante, es lo de menos; lo que se trata es de disfrutar de un sin sentido absoluto en el que da la sensación de que ninguno se lo ha tomado demasiado en serio.
Una película para disfrutar sin prejuicios y recordar esas series Z de moteros de los sesenta y setenta.
SINOPSIS: Una serie de crímenes aterroriza a la ciudad mientras Ana, enfermera, prodiga sus cuidados a los pacientes del Gran Hospital. Un día, David, un joven delincuente, descubre casualmente que Ana es la autora de los crímenes de los que siempre son víctimas jóvenes con problemas a los que ella cree liberar de su enfrentamiento con la sociedad.
COMENTARIO: Esta es una de las películas más extrañas, incalificables y curiosas que ha dado la cinematografía española en toda su historia. Dirigida por el incalificable Eloy de la Iglesia, con guión, entre otros, de el propio De la Iglesia y José Luís Garci, producción del inefable José Frade y la interpretación de la Lolita de Kubrick Sue Lyon y Christopher Mitchum, hijo del histórico Robert Mitchum y un señor que ha pasado su carrera entre series B y Z.
El caso de su director es realmente curioso. Debutó en el mundo del cine en 1966 con una película infantil llamada Fantasía 3. A partir de ese momento, dirigió una serie de extraños e interesantes títulos, violentos pero con una cierta intención de crítica social, que siempre nadaban entre el delgado filo que separa la originalidad, la caspa, la provocación, la psicotronía y el cine de explotación más descarado. De esta época son la increíble La semana del asesino o esta Gota de sangre que ahora nos ocupa.
Su siguiente etapa la proporcionan una serie de películas de marcado carácter erótico que, con la excusa de mostrar temas polémicos como la homosexualidad o la política, eran vulgares excusas para enseñar teta y culo a granel. El Diputado o Los placeres prohibidos serían muy representativas. A partir de los ochenta, De la Iglesia empieza a hacer un cine de denuncia social en el que retrata la vida de delincuentes, navajeros y drogadictos en la deprimente España de la época. Sus dos cintas más conocidas de entonces son las dos partes de El Pico.
Tanto se metió el director en este tipo de cine que en 1987, tras dirigir la Estanquera de Vallecas, desaparece del mapa a causa de su adicción a la heroína y a los jovencitos marginales. Muy deteriorado físicamente reaparece en el año 2003 con Los novios búlgaros, para morir poco después a los sesenta y dos años de edad.
La película que nos ocupa es un curioso intento por aprovecharse del éxito internacional de La naranja Mecánica de Kubrick desde un punto de vista muy particular. Aquí nos encontramos también con un grupo de jóvenes que cometen atrocidades y con un proyecto estatal para rehabilitar a los delincuentes, pero todo ello se mezcla con la historia de una enfermera que asesina a jóvenes sin futuro y porvenir con la idea de que les está haciendo un favor. Con este argumento, el resultado es una rareza entre lo Kitch, la explotación y un cine raro y personal que es, precisamente, su mayor atractivo. Esta no es una gran película, es una cinta rara y diferente que han de paladear todos aquellos aficionados a las rarezas. Destacar el curioso diseño de producción y alguna secuencia francamente brillante.
LO MEJOR: Lo diferente de la propuesta
LO PEOR: Ese cierto tono cutre del que no se puede desprender
SINOPSIS: En una remota granja de Nueva Zelanda un científico está realizando un irresponsable programa de ingeniería genética que intenta crear la "oveja perfecta". Cuando un grupo de ineptos activistas medioambientales deja en libertad a un cordero mutante, miles de ovejas se convierten en depredadores sedientos de sangre cuyo objetivo es acabar con la raza humana.
COMENTARIO: Los neocelandeses hacen poco cine de terror, pero cuando se ponen a burros no les gana nadie. Así lo demostró el bueno de Peter Jackson, un director que antes de hacerse millonario con la saga de El señor de los anillos, dirigió algunas de las películas más gores y salvajes de la historia como Bad Taste o Braindead. No se si será por vivir en una isla, por la mezcla cultural que tiene o, simplemente, por que son unos cachondos, pero el fantástico de Nueva Zelanda tiene tela marinera. Ovejas asesinas, ópera prima del director Jonathan King, es una de las mayores idas de olla que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo. Imagínense unas plácidas ovejas que, por un producto químico, se transforman en animales caníbales sedientos de sangre. La película tiene momentos inenarrables, situaciones que de puro absurdas te hacen troncharte de risa, un hombre oveja hippie demencial y gore a raudales. No esperen ni una gran historia ni terror del bueno: esto es un delirio divertido, sangriento y para ver con amigos y con la colaboración de esos cigarritos que nos dan tanta risa.
LO MEJOR: La absoluta falta de pretensiones LO PEOR: Los actores son espantosos
SINOPSIS: Un abogado llega al caribe para comprar una extraña isla que los lugareños consideran que está maldita. Tras contactar con el propietario de una barca, y en compañía de una prostituta, viajan hasta la isla para encontrarse con que ahí sólo viven una joven y un anciano. Durante la noche los muertos despertarán sembrando el terror.
COMENTARIO: Joe D'Amato (pseudónimo habitual del realizador Aristide Massaccesi) era uno de los reyes de la serie Z y el cine de explotación europeo. Fallecido en el año 1999, su filmografía cuenta con más de 190 títulos de los que apenas se salvan un par; el resto eran bodrios infumables realizados únicamente con la idea para explotar películas o géneros de éxito. Que se ponía de moda Emmanuelle, el bueno de D'Amato se inventaba una negra; que triunfaba Conan, el hacía Ator el poderoso; que el mundo se maravillaba con Mad Max, el hacía infinidad de bodrios post apocalípticos; que triunfaba Nueve semanas y media, él hacía Once días, Once noches y tan contento. Tocó todos los palos (porno incluido) y plagió a todo hijo de vecina desde los años setenta hasta finales de los noventa. Su estilo era terriblemente chapucero y sus producciones cutres y cinematográficamente nulas. Vamos, un experto en explotiation que, por esas cosas tan raras que tiene la cultura popular, es idolatrado en medio mundo por una legión de frikis. La película que nos ocupa es la típica producción de su etapa de principios de los setenta cuando el Zombie de George. A. Romero todavía sorprendía a las plateas de medio mundo. La cinta seguramente se filmó al mismo tiempo que Holocausto Porno (otra perla suya), ya que los decorados, actores y similitudes estilísticas son muchas. Sale el inimitable George Eastman, su musa Laura Gemser (es la que hacía de Emmanuelle negra), Mark Shannon (que se encarga de las secuencias porno) y Dirce Funari que no tiene escenas de sexo explícito. La peli es una de las cosas más espantosas, ridículas y sin sentido que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo (y los seguidores del blog saben que un servidor está curado de espantos); de verdad, es increíble el nivel de bodrio, aburrimiento y risa (los zombies son tan ridículos que provocan vergüenza ajena) que logra D'Amato con la película. Por no salvarse, ni siquiera lo hace la escena de sexo explícito (mal rodada con ganas) ni el innumerable erotismo que inunda la película. Vamos, no da ni para unas pajillas desganadas. Sólo recomendable para ver en grupo y como curiosidad.
LO MEJOR: Por decir algo, la presencia de George Eastman y la música de Marcello Giombini. LO PEOR: Todo lo demás.
TRAILER (como no lo he encontrado, les dejo con un edificante fragmento de la película)
SINOPSIS: Un extraterrestre llamado Varnoff es enviado a nuestro planeta como avanzadilla invasora. Su objetivo es resucitar a los grandes monstruos clásicos (Drácula, Franquenstein, El hombre lobo y la momia) y con su ayuda dominar el mundo. Tras producirse algunas muertes, la policía empieza a invetigar descubriendo este horror sin límites.
COMENTARIO: Este pasado viernes tuve la inmensa suerte de departir durante unos minutos con el increíble Paul Naschy. Todo empezó cuando me acerque hasta el stand de la editorial Aleta y lo vi firmando un volumen de su obra "Waldemar Daninski: el retorno del hombre lobo" nada más y nada menos que a Tim Sale. La emoción del momento hizo brotar mi vena friki y, como podéis imaginar, compre el volumen (18 euros del ala) y espere pacientemente a que acabara de hablar con Tim Sale. Naschy me firmo el libro y yo aproveche para comentarle lo mucho que lo admiro, lo que me gusta esa película tan rara titulada El Carnaval de las bestias y alguna cosita más. El me dijo que estaba a punto de protagonizar una adaptación del cómic de Daninski que, además, sería la `producción más cara de la historia del cine español y me explicó que estaba a punto de rodar una prelícula protagonizada por Christopher Lee, que interpretará al Quijote, llamada Mi perro Aquiles. Al final le di la mano y con cara de idiota le comenté que había sido un placer. Una vez en casa, más en frío, recreé la conversación en mi cabeza. Lo cierto es que lo me encontré en el stand de Aleta era a un señor muy mayor al que la mayoría de las nuevas generaciones que ahí se encontraban no sabían ni quien era. De sus proyectos no se que pensar: no se si son reales o delirios de un anciano que no acepta que su tiempo ya ha pasado. Sea lo que fuere, lo que no se puede negar es que este señor ha sido el mayor impulsor del cine de terror en nuestro país y que su entusiasmo y amor por el medio, a día de hoy, hace que se le perdone lo cutres que son la mayor parte de sus películas. Naschy es un mito y perdurará en la mente de todos los cinéfilos como yo. Para homenajear al maestro, decidí visualizar Los monstruos del terror, una de sus primeras películas. Aunque Naschy tiene un papel secundario, la película es tan psicotrónico, excesiva, delirante y, para que lo vamos a negar, mala, que no merece la pena dedicarle mucho tiempo. Una serie B de los años sesenta con un argumento demencial, mal dirigida y que sólo merece la pena por ver unos decorados que parecen sacados de un puticlub de carretera comarcal. Un espanto sólo visible con unas copas de más y entre colegas.
SINOPSIS: Tras gestionar el campo de concentración nos encontramos a Ilsa unos años después, pero igual de joven y lozana, en un país árabe. Su misión es la de controlar el harén de mujeres hermosas de todo el mundo que el jeque El Sharif (un hombre tan rico como corrupto). Un agente de la CIA consigue cautivar a Ilsa y los dos se deshacen de Sharif para subir al trono al sobrino de este.
COMENTARIO: El éxito impresionante de Ilsa, la loba de las SS, hizo que los productores decidieran filmar un secuela en la que el personaje interpretado por Dyanne Thorne viviera nuevas aventuras. Dirigida de nuevo por Don Edmonds, la cinta cuenta con un presupuesto algo más amplio (teniendo en ciuenta que hablamos de una serie B) y un interés por incrementar la calidad final del producto. El resultado final es, desde mi punto de vista, algo inferior al logrado en la primera película. Por un loado se han limitado las dosis de erotismo y violencia, dejándole más sitió a la aventura y a unos diálogos fráncamente absurdos. Si bien es cierto que cuenta con alguna secuencia destacada (la lucha entre las dos guardas de color y el soldado, la humillación pública de Ilsa con el tullido), la impresión final es la de un producto casposo y algo desmadrado. Lo más destacado es el carismo de la Thorne que sabe dotar a su personaje de una fuerza fuera de toda duda. En fin, un entretenimiento que pierde parte de la fuerza del original en pro de potenciar más la aventura. Aun habría una tercera parte.
SINOPSIS: Ilsa es la implacable comandante de un campamento medico nazi. En este lugar se usa a las mujeres prisioneras para llevar a cabo dolorosos y brutales experimentos médicos. Ilsa también utiliza a los reclutas masculinos para acostarse con ellos y al día siguiente castrarlos (según sus palabras "un hombre que se acuesta conmigo no se acuesta con ninguna mujer mas"). Todo cambiará cuando llegue al campo de concentración un joven norteamericano. COMENTARIO: En el año 1975 una directora italiana semi desconocida llamada Liliana Cavani, estrenó una película que se convirtió en un acontecimiento sociológico. La cinta se titulaba Portero de noche, y en ella se nos explicaba la morbosa relación entre un antiguo nazi y una mujer judia que fue torturada por el durante su estancia en un campo de concentración. Aunque la película no era nada del otro mundo (personalmente nunca la he visto como una cinta erótica sinó como un drama sobre dos personajes al límite), la directora tuvo el acierto de aunar erotismo con imaginería nazi, despertando los más bajos instintos del respetable que acudió en masa a las salas donde se programaba la cinta. Ello también hizo que los avispados productores europeos y norteamericanos especializados en Serie B, decidieran explotar el filón del erotismo Nazi, con una gran cantidad de películas en las que el sexo, la violencia y el gore eran moneda común. De entre todas ellas, la más famosa de todas fue esta Ilsa, la loba de las SS que ahora nos ocupa. El que esté título de bajísimo presupuesto haya pasado a la historia del cine de explotación se debe a varios factores: 1) el carisma de su protagonista Dyanne Thorne, una voluptuosa y veterana actriz, que supo dotar al personaje de todo el morbo del mundo; 2) su capacidad para crear un ambiente malsano en el que la violencia, extrema y el sexo, estaban bien integrados y repartidos durante toda la narración y; 3) una entretenida trama que logra que la película pasé como un suspiro. Sin ser una buena película (no podemos obviar que se trata de una producto de bajo presupuesto rodado en cuatro días), la cinta se convirtió en un objeto de culto. Hoy en día, cuando toda su supuesta truculencia está más que superada, la película ha quedado como una curiosidad, como un film sin ningún tipo de pretensiones que nos muestra una forma de entender el cine que, hoy en día, ya no existe. Su éxito fue tan grandioso que dio pie a tres secuelas, de las que hablaremos en breve, de inferior calidad.
SINOPSIS: Un escritor de novelas de ciencia ficción ve como una nave espacial de origen desconocido le persigue sin un motivo aparente. Tras huir de ella y enfrentarse a unos mutantes, al final es abducido para descubrir que, sin pretenderlo, es una pieza clave para que una civilización extraterrestre sobreviva.
COMENTARIO: Toda cinematografía que se precie tiene esa película incalificable; cuenta con una marcianada que, por rara, extraña, invisible e imprevisible, merece ser tenida en cuenta y disfrutada. El hombre perseguido por un Ovni podría ser perfectamente esa película para el cine español. La propaganda califica a su director, Juan Carlos Olarria, como el Ed Wood español. Tras ver la cinta, esa comparación nos parece del todo acertada. La película es amateur, cutre, esta realizada sin ningún tipo de lógica ni coherencia, los actores son pésimos y todo parece una inmensa broma. Pero, tal como sucedía con los films de Wood, la película destila un entusiasmo, un amor por el cine y una sensación tan grande de que el director creía en el proyecto que estaba llevando a cabo que resulta totalmente contagiosa. Es admirable ver en los extras del DVD como el hombre que ha perpetrado este bodrio defiende la película, explica su ilusión por poner en imágenes el guión, se lamenta de la precariedad del presupuesto, de los problemas. Esta es una película espantosa, pero sólo por el entusiasmo y el amor por el cine que emanan sus paupérrimos fotogramas merece el calificativo de película de culto. Véanla, véanla y sorpréndase.
SINOPSIS: Un barco lleno de presidiarios naufraga cerca de una isla misteriosa. En su interior, unos extraños seres asesinan a la mayoría de los hombres quedando únicamente dos con vida. Estos se encuentran con una mujer que les conduce hasta una mansión habitada por ella y su tiránico y violento marido. Dentro de la casa descubrirán un misterio relacionado con la manipulación genética y los antiguos habitantes de la mítica Atlántida.
COMENTARIO: La memoria y la nostalgia tienden a ser traicioneras compañeras de viaje. Recuerdo que cuando tenía diez u once años, una tarde de domingo fui a una de las sesiones de cine que daban en el colegio religioso en el que tuve la desgracia de pasar ocho años de mi vida, para ver una película que me dejó completamente alucinado. En la pantalla contemple una maravillosa historia protagonizada por unos aventureros que se enfrentaban a unos fascinantes hombres peces en una isla de los mares del sur. Para mi aquello fue una experiencia casi mística, una muestra del poder del cine y un adelanto de cuanto lograría impactarme este medio en los años venideros. Esta increíble aventura, esta película poblada de seres mitológicos fue, en parte, uno de los grandes causantes de mi amor por el séptimo arte. Años después descubrí que la cinta se llamaba La isla de los hombres peces, que su nacionalidad era italiana, su afiliación la serie B y su realización corrió a cargo de un director de segunda fila llamado Sergio Martino, un señor que tanto dirigía un spaghetti western, una película fantástica, o un drama erótico al servicio de cualquier efímera y voluptuosa estrella italiana (y que se hizo tristemente famoso hace unos años cuando a algún iluminado de la TV1 se le ocurrió programar su película La montaña del dios caníbal en horario infantil). Las crónicas decían que se trataba de una la cinta era una entrañable caspa, un típico producto italiano de los años setenta en el que, con mucha imaginación, morro y escaso presupuesto, sólo se buscaba entretener a los espectadores. Por todo ello y con la vana idea de mantener inmaculado el mi maravilloso recuerdo de infancia, siempre me negué a verla; me impuse a mi mismo no pervertir y romper la magia del recuerdo... Hasta hoy. Y si, la película es una serie B sin pies ni cabeza, los efectos son cutres y pobres, los actores horrorosos (como curiosidad diré que sale Barbara Bach, la preciosa señora del Beatle Ringo Starr) y el guión infumable… pero tiene un encanto especial y se nota que sus responsables quisieron realizar un producto digno, una simple cinta de acción y aventuras que, de alguna manera, recuperase el espíritu de las novelas pulp o los cómics de la EC. Si, La isla de los hombres peces es una mala película: pero es una mala película hecha con el suficiente amor por el cine como para cautivar la imaginación de un niño de principios de los años ochenta. Y, ojo, se que no estoy siendo en absoluto objetivo. Pero por una vez y sin que sirva de precedente, espero se me disculpe el pecado.
SINOPSIS: Un hombre viaja junto a su hija por un carretera en un mundo donde han empezado a aparecer zombies a causa de una epidemia. En el camino e encuientran con una extraña mujer que les pide que acompañen a su hija Carmila hasta la ciudad. Ellos saben que la chica es una peligrosa vampira y su objetivo es acabar con ella de cuaqluier forma. El viaje estará plagado de peligros
COMENTARIO:Hay determinadas películas cuyo nivel de cutrez es, con mucho, difícilmente superable para los cinéfilos que, como un servidor, son capaces de tragarse los bodrios más inimaginables. Si amigos, después de todo lo que he llegado a ver en esta vida, que es mucho, uno puede afirmar con rotundidad que este Vampiros vs Zombies es una de las peores películas que he tenido ocasión de ver en mis 37 años de existencia. El director del engendro es un tal Vince D'amato. ¿La película? Pues es algo filmado con el culo, con efectos especiales de todo a cien chino, con una historia mal trazada, incomprensible, absurda, incoherente y que, para colmo, se toma en serio a si misma. Ello por no mencionar unas interpretaciones que, de verdad, proporcionan una sensación de vergüenza ajena absoluta de la que no se salva ni la antigua reina del grito Brinke Stevens. Un despropósito mayúsculo sólo recomendada para frikis terminales o para todos aquellos que quieran reírse a costa de la incompetencia ajena. Encima, por si fuera poco, supuestamente está basad en la novela "Carmilla" de Sheridan le Fanu. Para flipar
SINOPSIS: Una nave espacial cae a la tierra y se pierde en medio del océano. Mientras un grupo de espeleólogos encuentra una extraña piedra de color azul. Una vez dentro de la cueva que van a investigar, de la piedra sale un extraño ser que empieza a matar indiscriminadamente a los montañeros. En el exterior la cosa no va mucho mejor.
COMENTARIO: Durante las décadas de los sesenta, setenta y ochenta, los productores italianos demostraron ser unos auténticos maestros en el arte de aprovecharse de los éxitos cinematográficos ajenos. Que se ponía de moda el cine de zombies, ellos sacaban zombies de debajo de las piedras; que 1999 Rescate en Nueva York y la saga Mad Max creaban el interés por el cine postapocalíptico, ellos eran capaces de crear toda una serie de títulos protagonizados por bárbaros, mutantes y “fugas del Bronx" varias. A esta loable tendencia se le conoce con el nombre de “explotation”, o lo que es lo mismo, el sano arte de aprovecharse de los éxitos ajenos, las modas y el interés de los espectadores por un determinado tema para, de esa manera, rentabilizarlo hasta la extenuación con productos de bajo presupuesto. Este tipo de películas tenían unas características similares: muchas dosis de gore, el protagonismo de actores norteamericanos de tercera y cuarta fila, efectos especiales irrisorios, guiones sin pies ni cabeza, una desvergüenza absoluta a la hora de plantear las historias y la obligación de hacer pasar por norteamericano lo que, para cualquiera medianamente suspicaz, atufaba a caspa latina. La explotación italiana se convirtió en un género en si misma y llegó a contar con un plantel de actores, directores, guionistas y técnicos que crearon algo muy similar a una pequeña industria. Hoy en día, algunos de estos artesanos no sólo han recibido el reconocimiento de los aficionados, sino que sus películas son aclamadas por hordas de cinéfilos frikis que disfrutan (mos) como enanos con este tipo de (sub)productos. Muchos de estos títulos se aprovecharon de éxitos norteamericanos para, sin ningún tipo de rubor, poner a sus películas un 2 y hacerlas colar por secuelas del original. Eso paso, por ejemplo, con la Piraña, Tiburón o con la cinta que no ocupa; si Alien el octavo pasajero de Ridley Scott había llevado a las salas a millones de espectadores, por que no intentar captar a alguno de los que se sentían interesados por ver una supuesta segunda parte. Además, ¿qué sabe el gran público sobre si una película es americana, italiana o armenia? Lo que vende, lo importante, es la palabra Alien. Pues adelante. Como ustedes pueden suponer, entonces ni existía Internet ni los espectadores estaban tan informados como ahora. Dicho esto, señalaremos que el de este Alien 2 es, con diferencia, uno de los peores guiones que uno haya tenido ocasión de sufrir en su vida (y les aseguro que he visto de todo). Resulta complicado asimilar la cantidad de sin sentidos, despropósitos, situaciones ilógicas y lagunas narrativas que contiene, sin perder con ello el juicio. Cierto que en este tipo de cine nunca se ha cuidado mucho la historia; pero es que en Alien 2 se ha pasado directamente de todo. Ello por no mencionar que los efectos especiales son casposos al máximo y que el Alien del título no aparece por ningún lado (lo más que vemos son unos tentáculos que se mueven con más pena que gloria). Lo único destacado son algunas soluciones narrativas del director Ciro Ippólito que, al Cesar lo que es del Cesar, ofrece algunos momentos interesantes: la bajada a la gruta de los espeleólogos, el traveling sobre la mujer antes de que salga la criatura, la sensación de desasosiego que rodea toda la cinta… la puesta en escena es efectiva y tiene momentos admirables. Habría que ver que hubiera dado de si el director con un presupuesto más generoso y un guión medianamente coherente. Por cierto, entre los espeleólogos sale un jovencísimo Michele Soavi, futuro director de las excelentes Aquarius y Mi novia es un zombie.
