SINOPSIS: Dos grupos de jóvenes se enfrentan en una bolera y deciden retarse a una partida nocturna de bolos. Esa misma noche, una de las chicas de un grupo es salvajemente violada. A la noche siguiente empieza la partida y un misterioso jugador que responde a las siglas BBK decide entrar en el juego asesinando cruel y sanguinariamente a todos su rivales en lo que parece un acto de calculada venganza.
COMENTARIO: En los últimos años desde los Estados Unidos nos están llegando una serie de producciones de terror de bajísimo presupuesto en las que los directores y realizadores se dejan llevar por su enfermiza imaginación, creando productos locos, desmadrados, divertidos y, porque no decirlo, sin pies ni cabeza. Son películas baratas, con actores semi amateurs, pensadas para la distribución directa en videoclubs y creadas para los fans más frikis del cine de terror. Gutterbals sería un buen ejemplo de ello. Su realizador Ryan Nicholson, un experto en maquillaje, nos ofrece una mezcla de cine de rape and vengance (chicas violadas salvajemente que se vengan) y slasher en el que el desmadre es la nota dominante. Aquí el malo es un tipo que lleva por máscara una bolsa para guardar bolos (absolutamente cierto) y mata con todo tipo de objetos sacados de una bolera. Obviamente las muertes son brutales (por poner un ejemplo, a una pareja los ahoga mientras practican un 69) y sangrientas, los efectos convincentes, hay desnudos gratuitos a manta y la locura e incoherencia campa a sus anchas. Como obviamente la lógica del guión es lo de menos, se improvisa un final embarullado que no hay Cristo que enienda y todos felices.
Una película con su parte divertida, pero sólo recomendada a los amantes de este tipo de cine o a todos aquellos que busquen algo diferente. Y lo que decimos siempre: abstenerse estómagos sensibles.
LO MEJOR: Su absoluta y total falta de vergüenza LO PEOR: Por destacar algo entre todo lo malo, los actores son pésimos.
SINOPSIS: Un psicópata negro perteneciente a un grupo activista de los setenta es asesinado en la silla eléctrica. Su alma viaja hasta el muñeco de ventrílocuo de una chica con la que empieza una relación. No satisfecho sólo con ella, el muñeco le pide que invite a sus cuatro amigas a una fiesta con las que tendrá una orgía de sangre y sexo.
COMENTARIO: A muchos de los que no estén metidos en el mundillo de la Serie B o el cine de explotación, le costará mucho creer que se puedan llegar a hacer películas como esta. Pero existen y cualquiera con un mínimo de curiosidad se la puede descargar de la red con unos subtítulos latinos realmente infumables y disfrutar/sufrir (táchese el que proceda) de una de las mayores idas de pinza que este cronista ha visto en mucho tiempo.
Y es que la historia es una versión cutre y afro de el célebre Muñeco diabólico (y secuelas) que en 1988 dirigió Tom Holland. Aquí en lugar de a Chucky tenemos a un negro activista mal hablado (dice tacos para dar y vender) y salido, cuya única pasión es cepillarse y asesinar a rubias tetudas. El argumento es absolutamente demencial y nada tiene ningún sentido; los actores son lo peor visto jamás en una pantalla (Dios sabe de que puticlub de carretera han sacado a las chicas protagonistas), los efectos cutres hasta decir basta (las animaciones del muñeco dan risa) y hay momentos tan absolutamente surrealistas (las cuatro chicas lavando el coche) que uno ha de frotarse los ojos para comprobar que no está soñando.
Evidentemente esta no es una película para tomarse en serio; algo que ni sus propios responsables hacen. Este es simplemente un gamberro entretenimiento para alguien que se quiera echar unas risas, ver cuatro tetas, algo de sangre y dos o tres chistes malos. Contemplar la película significa recuperar el espíritu del cine de explotación más canalla, de ese que inundo los videoclubs y los cines de barrio durante los setenta y principios de los ochenta y que a algunos nos hizo amar el cine; todo el cine. Y eso es lo que buscaban sus creadores. Ni más ni menos.
Para curiosos y fanáticos de las rarezas.
LO MEJOR: No se toma en serio a si misma. LO PEOR: Es imposible tomársela en serio..
SINOPSIS: Después de conseguir escapar del asesino Victor Crowley, Marybeth decide ir hasta la ciudad para conocer la verdad sobre el fantasma del pantano. Una vez ahí, con la ayuda de un grupo de hombres armados se dirige de nuevo hacia el pantano embrujado en compañía de su tío Bob con el fin de buscar venganza por la muerte de su familia y eliminar a Crowley de una vez por todas.
COMENTARIO: Secuela de una de los slasher más aclamados de los últimos años. Con el director y guionista Adam Green de nuevo al frente, la película retoma la historia justo donde se había quedado la primera y esta vez nos ofrece un espectáculo en el que el suspense y las gotas de terror de la primera parte quedan diluidas en pro de una mayor carga de violencia y gore. De hecho la cinta fue censurada en muchos países y a través de la red se puede lograr una versión uncut en la que se puede apreciar con toda la solvencia los efectos más gore.
Como suele pasar con este tipo de productos, ni la historia es demasiado elaborada ni los personajes están muy bien definidos. El guionista se plantea una mínima anécdota, nos ofrece más `personajes a descuartizar u ofrece un espectáculo de violencia implacable que es, a fin de cuentas, lo que el público demandaba.
A los aficionados al género les dejará satisfechos ya que ofrece lo que promete: sangre y violencia por un tubo. El resto, pues yo les recomendaría abstenerse. LO MEJOR: Ofrece exactamente lo que promete LO PEOR: La originalidad brilla por su ausencia.
SINOPSIS: Esta es la historia de Victor Crownley, un hombre profundamente deformado que, tras ser agredido por unos muchachos, muere accidentalmente por un hachazo que le propina su padre. La culpa y la pena hacen que su progenitor fallezca y este regrese convertido en fantasma. A partir de ahí, sus víctimas potenciales será cualquier grupo de turistas incautos que se acerquen por la zona de los viejos lagos de Lousiana. Como los jóvenes que e apuntan a una excursión nocturna ilegal.
COMENTARIO: Por esas cosas de la distribución, hay películas que nunca llegan a nuestras carteleras o videoclubs y que uno no tiene más remedio que descargarse. Eso pasa con mucho cine oriental o con películas de terror de las que todo el mundo habla pero que, desgraciadamente, muy pocos tienen ocasión de ver.
Desde su pase en el Festival de Sitges, tenía muchas ganas de ver Hatchet. Los que la pudieron ver decían que se trataba de uno de los slasher (películas de asesino en serie que acaba con un grupo de personas de las formas más brutales; en la línea de Viernes 13) más originales y burros de los últimos tiempos. Y hombre, ¡que quieren que les diga!: si bien el planteamiento inicial (el asesino es de origen sobrenatural) y la ambientación (los inquietantes pantanos de Lousiana) si aportan algo de aire fresco al género, lo demás es algo cien veces visto. Jóvenes descerebrados perseguidos por un matarife que va acabando con ellos de las formas más burras y salvajes posible. Si, la película es muy, muy gore y tiene muertes super originales; pero tampoco es para tanto. Eso si, el director no se lo toma demasiado en serio y en sus menos de ochenta minutos de duración nos ofrece un espectáculo bizarro apto sólo para amantes del gore o para los que disfruten con este tipo de productos.
LO MEJOR: No se anda con chiquitas: es muy gore. LO PEOR: En el fondo es más de lo mismo.
SINOPSIS: Lawrence Talbot regresa a casa de su padre para asistir al funeral de su hermano asesinado en extrañas circunstancias. Tras salir una noche de luna llena a investigar, es mordido por un extraño animal que le transmite la maldición del hombre lobo. Ese será el inicio de una dramática existencia en la que Talbot no podrá luchar contra su destino.
COMENTARIO: Los amantes del fantástico seguíamos con curiosidad la evolución de esta película. Y es que las noticias que nos llegaban desde el otro lado del charco no eran nada halagüeñas: retrasos en su filmación, el director Joe Johnston despedido durante la fase de montaje, el responsable de la segunda unidad rodando escenas adicionales, unos test de pruebas catastróficos... Todo ello motivó que la cinta tuviera que ver atrasado su estreno más de un año y que la productora se viera obligada a invertir más de treinta millones de dólares en salvarla.
Con estos antecedentes uno se temía lo peor. Y, hombre, si bien no estamos ante una obra maestra del séptimo arte, lo cierto es que la película se deja ver y resulta muy entretenida. Si, el guión es esquemático, los personajes están escasamente definidos y las situaciones carecen de cualquier tipo de lógica, pero los momentos en los que aparece el licántropo son brillantes (y mucho más gore de lo que uno se podía imaginar) y están muy bien resueltos.
Efectos especiales cojonudos, una banda sonora de Danny Elfman sospechosamente parecida a la que Wojciech Kilar compuso para el Drácula de Coppola y unos actores simplemente correctos, son los complementos de esta película que no pasará a la historia del cine.
LO MEJOR: Los momentos en los que actúa el hombre lobo
SINOPSIS: Estamos en la noche de Halloween y varios personajes vivirán una serie de terroríficas historias en las que veremos a asesinos en serie, fantasmas, hombres lobo, vampiros, rituales macabros y monsntruos varios. Todos los personajes se irán cruzando hasta confluir en un terrorífico final.
COMENTARIO: Uno no acaba de entender que criterios siguen los distribuidores a la hora de decidir que películas llegan a la gran pantalla y cuales pasan directamente al infierno de la distribución directa en DVD. Y digo eso por que es incomprensible que una película tan mala como el remake de El padrastro se haya estrenado en cines de todo el país, y un producto tan interesante, original y entretenido como este Truco o trato vaya a pasar desapercibida para la inmensa mayoría de los espectadores.
Sin ningún tipo de pretensión y con un planteamiento muy original, el debutante Michael Dougherty nos ofrece una película en la que convergen varias historias que, en un momento u otro del relato, se van entrelazando con mayor o menor intensidad. El mayor acierto es que, aunque parte de situaciones muy manidas y mil veces vistas, es capaz de sorprendernos con un planteamiento original y una historia en la que uno no sabe nunca por donde van a discurrir las cosas. El director se basa en las historias de miedo de toda la vida, pero sabe darles la vuelta y ofrecer nuevas perspectivas sobre ellas.
La cinta me ha recordado mucho al Creepshow que en 1982 manufacturaron con excelentes resultados George A. Romero y Sthepen King, con la diferencia de que aquí se han incorporando más referentes pop y una mayor capacidad para generar tensión. Además su diseño de producción es extraordinario (la secuencia del autobús escolar está super lograda y da mal rollo de verdad) y las ideas fluyen a lo largo de toda la película.
De verdad, una pelíi muy recomendable para todos aquellos a los que les guste el cine de terror. Les aseguro que se sorprenderán gratamente.
LO MEJOR: La originalidad de la propuesta LO PEOR: Que no se haya estrenado en cines.
SINOPSIS: Luisa Llorente es una tasadora inmobiliaria que desaparece tras visitar la mansión Valdemar, una extraña casa sobre la que pesa una terrorífica leyenda. Maximilian, el jefe de Luisa, contrata al detective Nicolás Tramel para que descubra el paradero de la joven. Durante el camino conocerá la historia de Lázaro y Leonor Valdemar, las personas que habitaron la casa a finales del siglo XIX.
COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver esta película. No sólo por que es cine fantástico (y ya saben ustedes que esa es mi debilidad) sino por que este es un proyecto novedoso dentro de la cinematografía española. Con un presupuesto de 12 millones de euros, el director José Luis Alemán decidió rodar una historia dividida en dos películas que, sin subvenciones de ningún tipo, ofreciera una nueva perspectiva industrial para la paupérrima industria cinematográfica española. Cine comercial, de género, de calidad y pensado para ser exportado. Y encima era la última interpretación de mí admirado e idolatrado Paul Naschy.
Y con todo el dolor de mi corazón tengo que reconocer que me he llevado una decepción bastante importante. A pesar de sus buenas intenciones y de un diseño de producción bastante resultón, la sensación que nos deja es la de un quiero y no puedo que, con honestidad, tiene más sombras que claros. No se si es el reparto (no hay ni uno que se salve), el irregular ritmo narrativo de la historia, la falta de verdaderos momentos de terror o la sensación de que al guión le faltaban un par de lecturas, pero lo cierto es que su visionado nos deja el sabor de boca amargo de lo que pudo haber sido y no fue.
El director opta por una narración clásica, pero la hace tan clásica que en algunos momentos tenemos más la impresión de estar ante un telefilme televisivo que ante una película pensada para atraer a los aficionados al género. Ello por no hablar de unos efectos especiales digitales que, sintiéndolo mucho, no hacen honor al dinero que se ha invertido en ellos. Y es que le mini secuencia ambientada en el infierno, más parece proceder de un videojuego que de una película medianamente seria.
Tendremos que esperar al mes de octubre para ver la segunda parte y hacer una valoración más fidedigna del producto final. Pero visto lo visto, la verdad es que la cosa no pinta nada bien.
SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante el cariz que están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.
COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, por malos, incoherentes, exagerados y carecer de cualquier tipo de vergüenza torera, merecen toda mi admiración. ¡Que coño!: también hay que saber disfrutar de estas pequeñas locuras que nos ofrece la vida; no todo ha de ser seriedad y trascendencia. Digo esto a colación de esta película que es, para que lo vamos a negar, una castaña impresionante, pero que resulta sumamente divertida. Sexta parte de una de las sagas más longevas de la historia del cine de terror, este es el claro ejemplo de que si segundas partes no fueron buenas, las sextas.... Y eso que el primer Aullidos de Joe Dante no estaba nada mal. Esta era una peli de serie B muy bien hecha, con momentos de terror logrados, una historia solvente y unos cojonudos efectos de maquillaje de los maestros Rick Baker, Rob Bottin y Greg Cannon. El éxito de la película fue tan grande que dio pie a siete secuelas a cual más mala, más barata y más cutre. En el caso que nos ocupa hablamos de la sexta. Aquí la acción se traslada hasta un pueblo al que llega el hombre lobo de turno. A la población llega un circo plagado de freaks y comandado por un vampiro que quiere secuestrar al hombre lobo para exhibirlo a los paletos locales. Esto nos puede dar una idea de por donde van los tiros: caspa a granel, maquillajes de risa, diálogos absurdos y un sin fin de despropósitos y falta de prejuicios con los que uno sólo puede echarse unas risas. De verdad, hacía tiempo que no veía algo tan rematadamente malo y desvergonzado. Para disfrutarla sin prejuicios.
LO MEJOR: El maquillaje del vampiro LO PEOR: Todo lo demás.
SINOPSIS: Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?
COMENTARIO: Estoy plenamente convencido de que en los próximos meses se hablará, y mucho, de esta película. Ayer a las dos del mediodía tuve ocasión de verla en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Al principio yo me esperaba un film francés encuadrado dentro de la escuela de Frontier(s) o A L'interieur, es decir una película cruda, con abundantes dosis de sangre y cierta originalidad en su argumento y puesta en escena. Y durante la primera hora de proyección es exactamente eso lo que me encontré. Esta es la historia de una niña que huye en estado catatónico de una casa y que, quince años después y en compañía de una amiga, decide acabar con sus captores. El director, en lugar de optar por una rutinaria historia sobre venganza, aporta un interesante plus fantástico: la protagonista es agredida por una mujer deformada de la que no sabemos muy bien si es real o forma parte de la imaginación de la muchacha que justifica de esa manera su tendencia a autolesionarse. Hasta ahí simplemente se trata de una película correcta que contiene buenos momentos de terror. El problema es que cuando todo parece resuelto, el director Pascal Laugier da un giro de 180 grados al argumento y nos ofrece una media hora final que es, sin exagerar un ápice, la mayor muestra de puro mal rollo que uno ha tenido ocasión de ver en una pantalla a lo largo de sus treinta y ocho años de vida. Sin desvelar demasiadas cosas del argumento, sólo les diré que lo que nos muestra la película es duro, desagradable, difícilmente soportable y que logra remover en su silla al más curtido de los aficionados. En la sala que se proyectaba hubo deserciones masivas y que al final de la proyección todos teníamos la sensación de haber visto algo excesivo y terrible. ¿Arte? ¿Provocación? ¿Reflexión sobre la brutalidad inherente al ser humano? Seguramente se hablará de los límites de la mostrable, de censura, de si hay que evitar este tipo de cine, de historias sobre lo políticamente correcto. Yo creo que todo ello es gratuito, que el arte es algo que funciona a través de la subjetividad y que ella no puede medirse bajo parámetros de lo que es bonito o no; de lo que se puede y no se puede mostrar. El arte es ficción, reflexión o reflejo de la realidad, no la realidad misma. Eso no lo podemos obviar ni olvidar. Es la base de la libertad. ¿La película es buena o no? Pues no se muy bien que decir. Como producto cinematográfico tiene cosas interesantes y cumple con su función de empatar, pero temgo miedo de que los arboles, por frondosos que sean, no me dejen ver el bosque. Creo que necesitaré unas cuantos días para pensarla y meditarla. De momento lo único que les puedo decir es que mentes y estómagos sensibles abstenerse. Aunque los medios de comunicación ya se encargarán de recordarlo por activa y por pasiva, avisados quedan.
LO MEJOR: Su capacidad para epatar LO PEOR: Su capacidad para epatar.
SINOPSIS: Una joven llamada Melissa, está convencida de haber cometido un terrible crimen en sueños. Su familia angustiada reclama la presencia del doctor Orloff para que la ayude. Pero éste no quiere más que consumar una antigua venganza, por lo que someterá a Melissa a unos retorcidos tratamientos
COMENTARIO: Jesús Franco es el director más atípico de la historia del cine español. Nacido en Madrid en 1936, ha dirigido más de 189 películas hasta la fecha. Franco ha tocado todos los palos (ciencia ficción, comedia, terror, erótico, porno), ha trabajado por toda Europa con cientos de pseudónimos o ha dirigido a actores de la talla de Christopher Lee o Fernando Rey, siempre en producciones de bajo presupuesto que van desde la serie B hasta la serie sub Z. Su figura es idolatrada por miles de aficionados alrededor del globo que lo consideran unos de los últimos outsiders, como una figura que siempre ha trabajado en libertad y ha dirigido lo que le ha dado la gana. Esta personalidad, que no negamos resulta fascinante, se trasmite en unas películas que tienen unas temáticas muy similares, que juegan con un sentido del erotismo muy particular y que cuentan con un peculiar estilo a la hora de plantearse la puesta en escena. Todo en el cine de Franco es atípico... para sus detractores y admiradores. Desgraciadamente yo me encuentro entre los primeros. A mi el cine de Franco me resulta cutre, malo, aburrido, sin pies ni cabeza. Sus películas no logran engancharme y, cuanto más las veo, más tengo la impresión de que su problema es que no tiene ni idea de donde se ha de colocar una cámara. La película que nos ocpa tiene todos los dectos del cine de Franco. Recuperado a un personaje habitual en su cine, el doctor Orloff, el director nos ofrece una historia absurda y sin sentido trasmitida a través de una puesta en escena carente de ritmo, llena de zooms y primero planos innecesarios. Nada más; la película es más mala que un dolor y sólo la recomiendo a los seguidores del director. Avisados quedan.
LO MEJOR: Montserrat Prous, la protagonista principal LO PEOR: Todo lo demás
SINOPSIS: A una pequeña ciudad del norte de Alaska, donde no se ve la lus del sol en invierno durante treinta días, llega un grupo de vapiros que pretende alimentarse de la población. Tras una primera noche en la 1que acaban prácticamente con la totalidad del pueblo, el sheriff local y un grupo de personas tendrán que hacer todo lo posible para sobrevivir hasta que vuelva a salir el sol.
COMENTARIO: Basada en un cómic de Steve Niles y Ben Templesmith, publicado en España por la editorial Devir en el año 2003 con el título de "30 Días de Noche", que no tengo el gusto de conocer pero que recibió en su momento buenas críticas, nos llegó hace unos meses está película que retoma la temática vampírica. La película, a priori, parecía interesante ya que aportaba un punto de vista original sobre el tema, los vampiros son una raza milenaria que, con la intención de no ser descubiertos, atacan a pueblos aislados situados en la zona ártica, se basaba en un buen material de partida y contaba con la dirección de David Slade, un hombre que había sorprendido con su ópera prima Hard Candy.
Pues señores, nuestro gozo en un pozo. La película es un producto rutinario a más no poder, previsible hasta el sonrojo, sin pizca de gracia ni de originalidad, con actores que no creen en lo que hacen y con una puesta en escena que, con algunos momentos buenos, resulta de lo más simple y anodino que nos podamos imaginar. Si se acercan a este título se encontrarán con una historia 100 veces vista que, con suerte, les deparará algunos sustos y que olvidarán con la misma rapidez que la han visto. Cine para consumo masivo y recomendada para amantes del terror poco exigentes que no tengan nada mejor que hacer un domingo por la tarde.
LO MEJOR: Alguna secuencia protagonizada por los vampiros
SINOPSIS: Sarah Mandy trabaja restaurando obras de arte en un museo de Roma. Un día llega hasta ella una urna que contiene las cenizas de una bruja conocida como Mater Lachrymarum. El regreso de esta hermosa, pero terrible, hechicera trae caos al mundo. Una ola de asesinatos arrasa la capital italiana mientras las brujas se reúnen para homenajear a su reina. Sarah tendrá que hacer frente a la amenaza.
COMENTARIO: Llevaba algo así como veinte años, desde que vi con 18 Suspiria e Inferno, esperando esta película. Si señoras y señores, veinte largos años rogando para que el bueno de Dario Argento solucionara los problemas legales con su ex mujer Daria Nicolodi y pudiera terminar su famosa "trilogía de las madres". Veinte largos años, como muchos de los millones de aficionados al cine de terror de todo el mundo, suspirando por ver terminada la historia de las tres madres y saber que pasaba con la famosa bruja Lachrymarum. En el año 2007, por fin, presentó la película en sociedad. En Setiembre de 2008, tras agenciarme unos subtítulos en castellano decentes, pude verla (las películas de Argento no se estrenan es España, que le vamos a hacer). Y que quieren que les diga. Y como quieren que les explique la enorme DECEPCIÓN (en mayúscula y negrita para que quede claro) que he sentido después de ver la película. Par aquello neófitos, decir que Dario Argento es uno de los directores de cine (de terror) europeos más importantes (con permiso de Terence Fisher y Mario Bava) y sin duda el más popular. Nacido en Roma en el año 1940, Argento le otorgó al Gialo (un género eminentemente italiano de asesinos misteriosos que cometen sus crímenes motivados por traumas del pasado) categoría universal y logró dirigir durante los setenta y ochenta un gran número de grandiosas películas que han pasado a la historia del género. Algunos de sus films más importantes son Rojo Oscuro, Suspiria, Inferno, Phenomena (la favorita del que suscribe) u Opera. En los noventa le llego una imparable decadencia y películas como Trauma, El fantasma de la ópera o Insomnio demostraban que el director estaba inmerso en una imparable cuesta abajo de la que sólo salió parcialmente con la enfermiza El síndrome de Sthendal. Sus interesantes propuestas para la serie televisiva Master of Horrors (si no la han visto, se la recomiendo encarecidamente), hicieron que muchos pensáramos que al abordar su esperada Terza Madre, el director diera lo mejor de si mismo y nos ofreciera una obra maestra a la altura de su talento. Pero... mi gozo en un pozo. La película nos narra la llegada de la madre Lachrymarum, la más chunga de todas, a Roma y como este advenimiento empieza a causar la locura en las calles. El problema de la película no es tanto que se sustente en un guión enloquecido y sin pies ni cabeza, que eso es algo habitual en el director y sus seguidores hemos aprendido a perdonárselo; el gran problema es que lo mejor que tiene Argento, su puesta en escena, no aparece por ningún lado. Si por algo nos gusta Argento es por su estética abigarrada, enfermiza, enloquecida, por su cuidado por el detalle, por unas asesinatos coreografiados al milímetro, por unaa utilización de la música desmesurada pero que logra cautivarnos, por sus angustiosos trávelings... Nada de eso encontramos en la película. Pero nada de nada. La Terza madre, si no fuera por el gore, que lo tiene y en cantidades industriales, podría pasar por uno de esos telefilmes fantásticos que emite Antena 3 los sábados a las siete de la tarde. ¡Si es que hasta los efectos por ordenador son de vergüenza ajena!. En la película funcionan muy pocas cosas y la sensación que nos deja es de profunda fustración. Repito, lo que más me molesta no es el flojo guión; es su incapacidad para lograrme cautivar a través de las imágenes. Y eso que la película está plagada de homenajes a sus anteriores films. Y sale su hija Asia Argento . Y la música es de Claudio Simonetti Y hay mogollón de gore... Que le vamos a hacer, lamentablemente ya se sabe que el infierno está asfaltado de buenas intenciones.
LO MEJOR: El primer asesinato, lo único auténticamente Argento que hay LO PEOR: Lo plana ques es la puesta en escena.
SINOPSIS: Tras perder a su marido en un accidente de tráfico en que ella conducía, Sara afronta los últimos días de gestación de su bebé aislada en su casa. Los médicos le van a provocar el parto el día de Navidad, por lo que decide pasar la noche anterior sola en su casa. De repente alguien llama a su puerta. Se trata de una mujer que parece conocer todo sobre ella y quiere entrar en la casa. Asustada Sara llama a la policia que no encuentra a nadie. A medianoche, la mujer entrará en la casa con un sólo objetivo: arrancarle el bebe de sus entrañas.
COMENTARIO: Aviso para navegantes: esta película es una burrada no apta para estómagos delicados. Uno, que ya está curado de espantos, asistió atónito a la muestra de gore, burradas, sangre y muerte que nos ofrece esta película francesa dirigida por los debutantes Alexandre Bustillo y Julien Maury. Ya comentamos en la crítica de Frontiere(s) que esta, junto a la que reseñamos hoy, habían sido las grandes sorpresas del cine de terror francés de 2007. Su fórmula es muy similar y, de alguna manera, marcan una cierta forma de hacer que los franceses han adoptado como suya: situaciones delirantes, personajes extremos, violencia descarnada, gore del bueno y un pesimismo existencial bastante acusado. A l'Interieur me ha parecido bastante más desagradable que su hermana estilística. Y lo es por que nos plantea una situación mucho más realista y lo hace creando situaciones claustrofóbicas resueltas con mano maestra. Si, la película acojona y da mal rollo, pero también está extraordinariamente filmada y ofrece algunos de los momentos de terror puro más brillantes que haya visto últimamente. Si, la película es claustrofóbica y, a pesar de ofrecernos pocas sorpresas y ser muy evidente las motivaciones de la asesina, nos mantiene en tensión durante sus 90 minutos de duración. Eso, por no mencionar los cojonudos efectos especiales y la inmensa cantidad de gore que, sin ser demasiado explícito, esta pensado para atacarnos directamente a las vísceras. El problema, el gran problema de la película es que tiene un final que es una absoluta castaña. No quiero desvelar nada, pero los últimos diez minutos son indignos de la película y dejan un mal sabor de boca considerable. Lastima que no hayan sido capaces de ofrecer un final más creíble y se hayan dejado llevar por un gran guiñol absurdo.
LO MEJOR: Su capacidad para generar tensión. LO PEOR: El final: una castaña
SINOPSIS: Una arqueóloga especializada en leyendas marinas, busca los restos de una malvada bruja conocida como la Reina de los mares del sur. Tras verse arrastrada por la corriente marina, va a parar a una cueva en la que es poseída por el espíritu de la bruja. Una vez en tierra, esta mujer tendrá un sólo propósito: acabar con la vida de la descendiente de la persona que acabó con su reinado de terror y, a la vez, recobrar un talismán que le dará poder infinito. la muchacha recorrerá las calles de Yakarta sembrando el terror y el caos.
COMENTARIO: Mi amigo Rodrigo, cuyo ingenio está fuera de toda duda, me dijo un día una frase que viene al pelo para encabezar el comentario de esta película: "Los orientales son muy constantes pero no tienen nada de imaginación". Y digo que viene al pelo por que esta película es la pura representación visual de esa idea. Y es que Lady Terminator no es más que la versión Indonesia del primer Terminator de James Cameron, pero cambiando a Arnold Schwarzenegger por una mujer, la ciencia ficción por la brujería, la creatividad por la copia barata y unos efectos especiales resultones por la mayor cantidad de caspa que uno pueda llegar a imaginarse.
Lady Terminator es un calco (en algunos momentos literal) del primer Terminator, pero con el protagonismo de una fémina que se pasa media película en pelotas y la otra media matando a todo cristo que se le pone por delante. Y es que a la peliculita hay que verla para creerla. Actores infames (cotilleando la ficha del Moviedatabase he visto que para la mayor parte de ellos su carrera empieza y acaba con esta película... afortunadamente), efectos de risa (pero de descojonarse), situaciones imposibles, gore a toneladas y la cutrez elevada a la enésima potencia. vamos, una de esas películas imposibles provenientes de cinematografías tercermundistas que de vez en cuando podemos disfrutar algunos aficionados a las experiencias extremas.
Aunque no lo hago nunca, os cuelgo un e-link para que os la podaís bajar y ver por vosotros mismos como es esta versión femenina de la película de James Cameron. No os arrepentireís.
SINOPSIS: Francia en un futuro cercano. La ultraderecha está a punto de ganar las elecciones y las calles se han llenado de disturbios. Un grupo de tres musulmanes aprovechan el desconcierto para robar un banco y pagar con ello el aborto de Yasmina, la novia de uno de ellos. En la huida llegan cerca de la Fontera con Alemania donde van a parar a casa de una extraña familia de caníbales que les harán vivir un infierno.
COMENTARIO: En los últimos años el cine fantástico francés y español están viviendo un momento francamente interesante. Lo más curioso de todo es que ambas cescuelas han optado por estilos totalmente distintos: mientras nosotros nos decantamos más hacía un cine de claras reminiscencias góticas (ahí esta El Orfanato, Los Otros o la obra de Jaume Balagueró para demostrarlo) cargado de elementos sobrenaturales, los galos han optado por un estilo mucho más extremo, en el que el terror se genera a partir de una violencia visceral, realista y dirigida directamente a las vísceras. Muy probablemente la obra que inauguró esta escuela fue Alta tensión (2003) de Alexandre Aja, una película que ofrecía una nueva lectura sobre el cine de asesinos en serie, partiendo de una historia angustiante que se sustentaba en una cuidada puesta en escena y un malsano interés por ofrecer escenas tan truculentas como bien filmadas. Esta tendencia se ha ido manteniendo y en el año 2007 se estrenaron dos películas que llevarían estos conceptos hasta el extremo: A l'interieur, de la que hablaremos mañana, y esta Frontière(s) que ahora nos ocupa. Digámoslo desde el principio: éste no es un film para estómagos sensibles. La cinta nos explica las vicisitudes que viven un grupo de chicos que caen en manos de una enloquecida familia de matarifes neonazis y caníbales que les hace vivir una pesadilla dantesca. La película destila sangre, torturas, violencia y sadismo en cantidades industriales, pero todo ello cocinado a partir de una cuidadísima planificación visual y un trabajo de puesta en escena que, por extraño que parezca, logra cautivarnos hasta extremos inimaginables. A la película le han acusado, y con razón, de ser una fotocopia actualizada de La matanza de Texas de Tobe Hooper. Pero yo creo que el realizador Xavier Gens era plenamente consciente de ello, ya que lo que probablemente buscaba era reformular el discurso de la primera (centrado en retratar las particularidades de la América profunda) y centrarlo en una Europa (también profunda, que haberla ahila) cada día más desorientada, multicultural, egocéntrica e intolerante. Una película violentísima, con momentos escalofriantes y que nos sabe mantener en tensión durante sus más de 100 minutos de duración. Muy recomendable. Eso si, lo dicho, estómagos sensibles absténganse.
LO MEJOR: Su atmósfera LO PEOR: Toma demasiadas ideas prestadas de La matanza de Texas.
SINOPSIS: Tres jóvenes amigas planean una tranquila excursión de fin de semana en el bosque, pero todo se complica terriblemente cuando conocen a Madre y sus dos adorables hijos. Arrastradas hasta una casa aislada, donde son atacadas y torturadas, las tres amigas deberán luchar para sobrevivir. Los aparatos de la cocina se convierten en fantásticos medios para mutilar a las inocentes víctimas.
COMENTARIO: En 1980 un servidor tenía 10 años. A esa tierna edad yo no sólo era muy impresionable, como todos los niños, sino que ya empezaba a notar el gusanillo de la cinefilia por mis venas. Por ello, todavía recuerdo el impacto que me causó ver el cartel de El día de la madre en una marquesina de un céntrico cine de mi ciudad. La cara medio deformada de una señora que aguantaba una cabeza sobre su regazo, los dos gañanes armados que tenía detrás suyo, la enorme "S" (para los no iniciados diremos que era una clasificación que se inventaron durante la transición para calificar las películas cuyo contenido "podía herir la sensibilidad de los espectadores") que decoraba el cartel. Yo quería ver esa fascinante película, tenía que saber que encerraba ese terrorífico cartel dentro de sus fotogramas.
Pude ver la película bastantes años después y me decepcionó considerablemente. Entonces me topé con una película cutre, mal hecha y sumamente aburrida. Imagino que me decepcionó tanto que la olvidé con toda la rapidez del mundo. No era más que un gore más que estaba a años luz de cintas como Pesadilla en Elm Streat o Reanimator, que eran los productos que marcaban tendencia a finales de los años ochenta.
Veinte años después, y tras leer en innumerables fancines y libros sobre el género, la condición de film de culto de la película, he decidido rememorar viejas nostalgias y visualizarla de nuevo en una de esas noches ociosas de verano. Y el resultado ha sido algo distinto
El día de la madre es una película que ha envejecido fatal, que no puede ocultar su pírrico presupuesto y sus escasas pretensiones artísticas, que, por no ser, no es ni excesivamente gore ni violenta. Vamos, que hoy en día hay cientos de películas pensadas para chicos de 13 años que dan sopas con onda, en cuanto a sangre y casquería, a este título. Pero he de reconocer que la película de Charles Kaufman tiene su coña, que su guión, aunque previsible, tiene un cierto interés por retratar la psicología de los personajes y que contiene un cierto discurso crítico sobre esa fenómeno tan inexplicable que sólo pueden lograr hacernos sentir las madres y que se conoce con el nombre de culpabilidad.
El día de la madre es un producto muy característico de su época, una película de culto que, dejando de lado sus escasas intenciones artísticas, la hemos de observar como la curiosidad que realmente es.
SINOPSIS: En una remota granja de Nueva Zelanda un científico está realizando un irresponsable programa de ingeniería genética que intenta crear la "oveja perfecta". Cuando un grupo de ineptos activistas medioambientales deja en libertad a un cordero mutante, miles de ovejas se convierten en depredadores sedientos de sangre cuyo objetivo es acabar con la raza humana.
COMENTARIO: Los neocelandeses hacen poco cine de terror, pero cuando se ponen a burros no les gana nadie. Así lo demostró el bueno de Peter Jackson, un director que antes de hacerse millonario con la saga de El señor de los anillos, dirigió algunas de las películas más gores y salvajes de la historia como Bad Taste o Braindead. No se si será por vivir en una isla, por la mezcla cultural que tiene o, simplemente, por que son unos cachondos, pero el fantástico de Nueva Zelanda tiene tela marinera. Ovejas asesinas, ópera prima del director Jonathan King, es una de las mayores idas de olla que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo. Imagínense unas plácidas ovejas que, por un producto químico, se transforman en animales caníbales sedientos de sangre. La película tiene momentos inenarrables, situaciones que de puro absurdas te hacen troncharte de risa, un hombre oveja hippie demencial y gore a raudales. No esperen ni una gran historia ni terror del bueno: esto es un delirio divertido, sangriento y para ver con amigos y con la colaboración de esos cigarritos que nos dan tanta risa.
LO MEJOR: La absoluta falta de pretensiones LO PEOR: Los actores son espantosos
SINOPSIS: La víspera de su viaje a Japón, Rob celebra una fiesta de despedida durante la que espera expresar ciertos sentimientos ocultos y, de paso, atar algunos cabos sueltos. Pero su plan se desmorona cuando un temblor sacude el edificio. Después de ver un boletín de noticias en televisión acerca de un terremoto, todos corren a la terraza para evaluar los daños. De pronto, una bola de fuego explota en la lejanía y hay un apagón. La confusión del principio se convierte en pánico mientras todos se precipitan hacia la calle. Entre los gritos de la gente, se oye un terrible rugido de dimensiones sobrehumanas. Rob y sus amigos descubren un paisaje desolador, del que se ha apoderado algo de otro mundo, aterrador, monstruoso
COMENTARIO: J.J. Abrams es un tipo tremendamente listo. Guionista de títulos como Eternamente joven o Armageddon, su carrera como productor se ha desarrollado fundamentalmente en televisión. Tal vez su nombre no les suene a nada, pero si les digo que es el máximo responsable de series como Felicity, Alias o Perdidos, comprenderán mi admiración por el sujeto. Sus series son diferentes, originales, están bien hechas y en todo momento tienen la capacidad de atrapar a los espectadores con giros argumentales sorprendentes e historias de lo más atractivo. Si hoy en día hablamos de una edad de oro dentro de las series televisivas (hablamos de los Estados Unidos, no de países donde se facturan productos como Los Serrano, Aída o, digámoslo claramente, Vent del Pla), es en gran medida mérito de señores como Abrams. Monstruoso es un intento de llevar sus brillantes ideas al mundo del celuloide. ¡Y a fe mía que lo consigue! La historia no es nada original (cualquier film de Godzilla explica exactamente lo mismo), lo que nos sorprende es el planteamiento. En primer lugar por que toda está rodada cámara en mano como si de una película doméstica se tratara. Este factor ayuda a que el espectador se identifique con las imágenes y vaya descubriendo, con los protagonistas, lo que acontece en la acción. Lo advertimos, no es una utilización como la de REC, donde la cámara en mano ejercía funciones documentales; aquí permite estirar la tensión y crear un clima de nerviosismo que funciona a la perfección. En segundo lugar, el que nunca sepamos de donde viene el monstruo ni lo veamos demasiado bien, es una estrategia perfecta para centrar la atención en el desarrollo de unos personajes que son los que llevan el peso de la historia y, por ello, tienen que ofrecernos elementos de identificación. Una película muy interesante, original y verdaderamente innovadora que creo puede abrir un nuevo camino dentro del cine fantástico. Muy recomendable.
LO MEJOR: La originalidad del planteamiento LO PEOR: Una ligera sensación de deja vu en la parte final.
SINOPSIS: En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces aparece una espesa niebla que va entrando y atrapando a la gente en sus hogares, supermercados... y va matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.
COMENTARIO: La carrera de Frank Darabont es cuanto menos curiosa. En catorce años sólo ha dirigido cuatro películas, tres de ellas basadas en novelas de Stephen King. Su ópera prima Cadena perpetua (1994) es una obra maestra absoluta, uno de los films más importantes de los noventa y una obra de referencia dentro del actual cine moderno. Su siguiente film, La milla verde (1997) , era un producto interesante pero fallido; una cinta plagada de buenas intenciones que no se acababan de concretar a causa de una historia previsible y algo trillada. The Magestic (2001) es una deliciosa actualización de ese cine característico de los años cuarenta basado en los buenos sentimientos y en la creencia en la bondad del hombre que con acierto practicaron directores como Frank Capra. Tras más de siete años de silencio, el director nos ofrece otra adaptación de una obra del genio de Maine, pero en esta ocasión abarcando directamente el género de terror. El resultado se ha titulado La niebla y ha resultado ser la antítesis de su film anterior. Si en The Magestic se hablaba de la confianza y la búsqueda de la inocencia, en esta ocasión se nos ofrece un discurso que nos saca a relucir todas las miserias humanas y, a la vez, nos habla de que nuestro peor enemigo somos nosotros mismos. Con la excusa de ofrecernos las vicisitudes de un grupo acosado por unos extraños seres de otra dimensión que se refugian en un supermercado, Darabont hace un retrato brutal de lo peor de nosotros mismos y nos lo ofrece, además, sin ningún tipo de misericordia ni consideración. La niebla no es una película terrorífica a causa de los monstruos que aparecen; lo es por el retrato de unos personajes al límite que actúan con toda la irracionalidad posible. El director no oculta su vocación de serie B y, desde el punto de vistra de la estructura, todo es muy tòpico. Ello se debe a que lo que realmente le interesan son las interacciones entre los personajes y por ello hace que su cámara escrute a los personajes, dándonos pequeños detalles que nos permiten conocerlos y entender sus comportamientos. Aunque en esta arriesgada maniobra hay aciertos (la mujer que huye para buscar a sus hijos y ve como nadie le ayuda; el hombre que no cree al protagonista a causa de una vieja rencilla vecinal y prefiere huir que asumir la realidad) y grandes fallos (no resulta nada creíble que la fanática religiosa logre convencer de esa manera a la mayor parte de la gente en tan pocos días; este es sin duda el mayor fallo de la película y lo que lastra su credibilidad), lo cierto es que el tono general resulta tan desasosegador como acertado; tan malsano como descorazonador. A este respecto destacar un final que es, con sinceridad, de los más deprimentes y duros que uno haya tenido ocasión de ver en una pantalla grande. Vamos, que el director logra que salgamos del cine con muchísimo mal rollo. Destacar las interpretaciones, especialmente a la siempre estupenda Marcia Gay Harden y la de un sorprendente Thomas Jane.
LO MEJOR: La tensión dramática que logra crear LO PEOR: Algunas situaciones son muy poco creíbles
SINOPSIS: Un abogado llega al caribe para comprar una extraña isla que los lugareños consideran que está maldita. Tras contactar con el propietario de una barca, y en compañía de una prostituta, viajan hasta la isla para encontrarse con que ahí sólo viven una joven y un anciano. Durante la noche los muertos despertarán sembrando el terror.
COMENTARIO: Joe D'Amato (pseudónimo habitual del realizador Aristide Massaccesi) era uno de los reyes de la serie Z y el cine de explotación europeo. Fallecido en el año 1999, su filmografía cuenta con más de 190 títulos de los que apenas se salvan un par; el resto eran bodrios infumables realizados únicamente con la idea para explotar películas o géneros de éxito. Que se ponía de moda Emmanuelle, el bueno de D'Amato se inventaba una negra; que triunfaba Conan, el hacía Ator el poderoso; que el mundo se maravillaba con Mad Max, el hacía infinidad de bodrios post apocalípticos; que triunfaba Nueve semanas y media, él hacía Once días, Once noches y tan contento. Tocó todos los palos (porno incluido) y plagió a todo hijo de vecina desde los años setenta hasta finales de los noventa. Su estilo era terriblemente chapucero y sus producciones cutres y cinematográficamente nulas. Vamos, un experto en explotiation que, por esas cosas tan raras que tiene la cultura popular, es idolatrado en medio mundo por una legión de frikis. La película que nos ocupa es la típica producción de su etapa de principios de los setenta cuando el Zombie de George. A. Romero todavía sorprendía a las plateas de medio mundo. La cinta seguramente se filmó al mismo tiempo que Holocausto Porno (otra perla suya), ya que los decorados, actores y similitudes estilísticas son muchas. Sale el inimitable George Eastman, su musa Laura Gemser (es la que hacía de Emmanuelle negra), Mark Shannon (que se encarga de las secuencias porno) y Dirce Funari que no tiene escenas de sexo explícito. La peli es una de las cosas más espantosas, ridículas y sin sentido que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo (y los seguidores del blog saben que un servidor está curado de espantos); de verdad, es increíble el nivel de bodrio, aburrimiento y risa (los zombies son tan ridículos que provocan vergüenza ajena) que logra D'Amato con la película. Por no salvarse, ni siquiera lo hace la escena de sexo explícito (mal rodada con ganas) ni el innumerable erotismo que inunda la película. Vamos, no da ni para unas pajillas desganadas. Sólo recomendable para ver en grupo y como curiosidad.
LO MEJOR: Por decir algo, la presencia de George Eastman y la música de Marcello Giombini. LO PEOR: Todo lo demás.
TRAILER (como no lo he encontrado, les dejo con un edificante fragmento de la película)
