LA PIEL QUE HABITO

SINOPSIS: Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el doctor Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ése no será el único crimen que cometerá a lo largo de su vida.

COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver La piel que habito. Almodovar es un director que siempre me ha gustado aunque me provoca sentimientos muy contradictorios; mientras en algunas ocasiones conecto con su particular universo y sus películas llegan a fascinarme, en otras sus historias me irritan y me parecen excesivas y ridículas. Ello, empero, no es óbice para reconocer que su fuerza visual me hipnotiza, que su capacidad para crear momentos inigualables es única en el cine mundial y que en sus películas siempre hay, por malas que sean, momentos sublimes de puro cine.
La Mala educación y Los abrazos rotos me parecieron de lo más flojo de su filmografía. La primera era una película desestructurada donde se intentaban explicar muchas cosas con muy poco acierto; la segunda un absoluto desastre que, pese a su fuerza visual, en muchas ocasiones sobrepasaba la frontera del ridículo. Volver, la cinta que dirigió en medio de las otras dos, aunque era una correcta película, no logró interesarme demasiado. Así, con la vana esperanza de encontrarme con una nueva Todo sobre mi madre o Hable con ella fui al Lauren Universidad a la sesión nocturna.
Y, la verdad, no sé muy bien que decir. ¿Es la piel que habito una genialidad o una inmensa y desmesurada tomadura de pelo? Hacía muchísimos años que no me pasaba algo así al salir de un cine. Y ello no es malo, ya que lo peor que te puede pasar con una película es que te deje indiferente. Pero, de verdad, la perplejidad que me ha dejado la película es tan grande que no se muy bien hacia donde decantarme.
Vayamos por partes. Visualmente la cinta es absolutamente fascinante. Almodovar ha logrado un nivel de madurez como narrador y hacedor de imágenes (y uso el verbo hacer con toda la intención del mundo) sin comparación en el cine mundial. El manchego es un mago con la cámara, un hombre que compone imágenes bellas y fascinantes que, sin por ello perder la capacidad narrativa, resultan completamente hipnóticas. Simplemente viendo como compone los planos, su capacidad para embelesar con las imágenes, como cuida hasta el mínimo detalle en la dirección de actores, uno no puede más que quitarse el sombrero y reconocer su talento. Creo sinceramente que en la piel que habito ha llegado al cenit de su capacidad creativa y la película, en sí misma, es un absoluto espectáculo visual. Ahora bien, el cine también es una historia, un guión, una sucesión de acontecimientos que se desarrollan y culminan en un clímax final. Y ahí, precisamente ahí está el mayor pero.
Y es ahí donde la película va de lo sublime a lo grotesco; de lo genial a lo desmesurado; de lo apasionante a lo absolutamente prescindible. La verdad es que la historia encaja como un mecanismo de relojería y casi todo tiene su lógica dentro de la narración. El problema es que en ningún momento logramos entender las motivaciones de los personajes (¿o tal vez si?), que sus actos carecen de sentido (¿o tal vez no?), que hay personajes y situaciones que sobran (¿O tal vez tengan su sentido dentro de la película?) y que el final es precipitado, ilógico y te deja con una extraña sensación de que al director, en el fondo, le interesaba más componer imágenes que narrar una historia. Repito, la película tiene secuencias brutales y otras ridículas, momentos mágicos y otros estúpidos (toda la parte del brasileño vestido de tigre) y, lo que es más extraño, uno no sabe si la cinta es una maravillosa historia de amor y obsesión o una simple ida de pinza del director manchego.
Por otra parte los actores están extraordinarios (mira que no me gusta nada Marisa Paredes, pero he de reconocer que está sublime), que la escenografía es genial y que todo funciona como un mecanismo de relojería y que los primeros 45 minutos son excelentes, pero….
En fin, no sé si he aclarado nada o he creado más confusión. Véanla y opinen ustedes mismo. Dos acotaciones. Vayan a verla sin saber absolutamente nada del argumento. Y una última cosa: no se si sólo me pasa a mí, pero Almodovar cada día me recuerda más a Fassbinder.

LO MEJOR: Su fuerza visual. Increíble
LO PEOR: No se si la historia es genial o un despropósito mayúsculo.

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UP IN THE AIR

SINOPSIS: Ryan Bingham tiene un oficio de lo más peculiar: recorre miles de kilómetros por todos los Estados Unidos con el objetivo de despedir a trabajadores cuyas empresas no se atreven a dar la cara. Él ha hecho de tan ingrata tarea todo un arte y es feliz sin una residencia fija y recorriendo el país de punta a punta. Toda su chanza puede cambiar si se implanta la idea de una jóven ejecutiva que pretende implementar un sistema para despedir mediante teleconferencia. Con la finalidad de que su empresa no adopte esa decisión, Ryan viaja con la chica para enseñarle los secretos del oficio.

COMENTARIO: Up in the air ha sido uno de los films más unánimemente alabados de los últimos meses, nominaciones a los Oscar incluidas. Obra de Jason Reitman, uno de los directores con mayor proyección del actual panorama cinematográfico y autor de las interesantes Gracias por fumar y Juno, la cinta es una propuesta curiosa que, si bien tiene muchos elementos interesantes, a mi me ha dejado bastante frío.
Y tengo que reconocer que su arranque es francamente prometedor. La historia nos presenta a Ryan Bingham, una persona tan carismática como egoísta, tan enamorada de su trabajo como de él mismo y tan profesional como inmaduro, cuya vida discurre sin complicaciones emocionales ni compromisos familiares (que son, no lo neguemos, dos de los ámbitos que más nos complican la vida a los seres humanos). A la definición del personaje ayuda mucho un George Clooney en estado de gracia, cargado de carisma y que ha logrado eso tan difícil para un actor como es definir a sus personajes a través de miradas y pequeños matices gestuales. Durante estos 45 minutos en los que se nos presenta al personaje y sus circunstancias, la cinta deviene dinámica, la definición de los personajes perfectas y la historia mezcla con habilidad las dosis perfectas de humor y crueldad como para que uno piense que está ante una obra estimable.
Todo se empieza a complicar cuando aparece en escena la ejecutiva (interpretada, siempre desde mi punto de vista, de forma espantosa por una Anna Kendrick que resulta de lo peor de la película) y acaba de estropearse cuando el protagonista acude a la boda de su hermana y, de golpe y porrazo, descubre las bondades de la vida en pareja. Y ojo, no estoy criticando ni el giro romántico ni la concesión hacia la idea de que "el amor lo puede todo", sino lo incoherente que resulta que un personaje tan bien definido y coherente, cambie por arte de magia de esa manera. Repito, el principal problema es que la historia se sustenta sobre un personaje que varía su filosofía vital de golpe y porrazo sin que, y lo digo como lo sentí, se nos expliquen unos motivos creíbles sobre por que lo hace.
Ojo, ni es una mala película ni carece de elementos de interés (Clooney, la estupenda Vera Farmiga, sus primeros 45 minutos que son modélicos, un final que no da ninguna concesión al espectador, una puesta en escena más que correcta...), pero a la que le falta un punto de profundidad y, por que no decirlo, de coherencia para resultar redonda.

LO MEJOR: Sus primeros 45 minutos
LO PEOR: La secundaria Anna Kendrick.

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PRECIOUS

SINOPSIS: Clareece Precious es una joven obesa mórbida que vive en el Harlem de finales de los años ochenta. Su vida no es fácil: despreciada por todos a causa de su aspecto físico, la muchacha tiene que soportar los continuos abusos sexuales de su padre (del que está embarazada de su segundo hijo) y las palizas de su madre. Todo cambiará cuando ingrese en una escuela alternativa que le ofrezca una nueva perspectiva de las cosas.

COMENTARIO: Seguimos con nuestro repaso a las películas nominadas a los Oscar con una de las cintas que más controversia han despertado. Y es que a Precious  una buena parte de la crítica especializada la esta poniendo literalmente a parir: que si es pornografía emocional, que si sólo busca manipular los sentimientos de los espectadores, que si es excesiva y de mal gusto... Un auténtico clamor popular contra la cinta que, muy probablemente, condicionará en negativo su carrera comercial.
Y que quieren que les diga; pues a mi la película me ha gustado. Reconozco que no es una obra maestra, que tiene partes muy discutibles y que a veces cae en la lágrima fácil y la autocomplacencia. Pero, de la misma manera, su visionado me ha mostrado una historia honesta sobre una persona cuya vida es un infierno y que hace lo que puede para sobrevivir. Al director Lee Daniels no le interesa mostrar los actos desagradables (el uso de la elipsis es muy certero), sino profundizar sobre las causas y consecuencias de ellos. Por ello lo que prioriza es la historia de supervivencia de una mujer a la que no le queda más remedio que crear un universo de fantasía que le permita evadirse y saber aceptar las pequeñas cosas que le da la vida. El director no pretende darnos una lección de moral ni engañarnos con falsos "Hasppy Ends"; lo que busca es demostrar que, aunque somos víctimas de nuestras circunstancias, todavía podemos ser dueños de pequeñas partes de nuestros destinos.
La cinta tiene momentos crudísimos y refleja toda la miseria moral que somos capaces de desplegar los seres humanos; pero ello lo hace respetando a los personajes y huyendo de los estereotipos. Aunque algunos de ellos lleven a cabo actos incalificables, la película nos demuestra que detrás siempre hay algo, una auto excusa, una autoindulgencia que nos hace justificarlos (y justificarnos a nosotros mismos) por terribles y dolorosos que sean. Aquí no hay buenos ni malos: sólo hay personas a las que la vida les ha jodido a base de bien y que, por aquello de que uno nace donde nace, están condenados de antemano. En medio sólo nos queda sobrevivir como podemos y construir nuestra propia entidad moral.
Si, la película es terrible y la protagonista sufre todo tipo de penurias, pero honestamente no creo que eso se aleje mucho de la realidad que viven muchas personas; de las miserias que podemos encontrar en este mundo.
Para ser sinceros, me pareció mucho más manipuladora, excesiva y emocionalmente tramposa Babel de Alejandro González Iñárritu. Si, esa misma película que muchos de los que ahora machacan a Precious alabaron como el no va más de la modernidad. Y es que hay que joderse.
Destacar que los actores están sobervios, con una sorprendente interpretación de una irreconocible Mariah Carey.

LO MEJOR: El realismo que logra impregnar a la historia.
LO PEOR: Los momenos onírcos.

EL CÓNSUL DE SODOMA

SINOPSIS:  Jaime Gil de Biedma (1929-1990) fue uno de los mejores poetas de la generación del 50. Hijo de un importante industrial, homosexual, provocador y con una capacidad increible para retratar sus innumerables contradicciones a través de la pluma, su figura es una de las más fascinantes de la Barcelona de finales de la segunda mitad de siglo.

COMENTARIO: Hace unos meses James Wallestein (al que le agradezco infinitamente que me facilitara una copia de los trabajos de Jorge Molina) me pidió que realizara un comentario para su extraordinario blog Dimensión fantástica. En mi escrito, entre otras chanzas, le decía que si me gustaba su web era por que lograba transmitir muy bien las experiencias personales y subjetivas que le evocaba cada película.

El estreno de El cónsul de Sodoma ha provocado una gran polémica entre todos aquellos que conocieron personalmente a Gil de Biedma. El más gráfico de todos ha sido Juan Marsé que la ha calificado como, y cito textualmente, una cinta "grotesca, ridícula, falsa, inverosímil, sucia, pedante, dirigida por un fallero incompetente y desinformado, mal interpretada y con diálogos deplorables." Ahí es nada. Josep María de Sagarra, por su parte, en su genial columna dominical de La Vanguardia, también ponía en tela de juicio la calidad de la película. Vamos, que la cinta está suscitando un cierto revuelo y opiniones encontradas entre sus detractores y sus escasos defensores.

Yo, que ni conocía la vida de Gil de Biedma ni he leído absolutamente nada de su obra (una laguna que espero subsanar en breve), acudí a ver la película con el firme propósito de analizarla como producto cinematográfico, obviando las polémicas sobre su veracidad. Y que quieren que les diga. Sin saber si es muy fiel y respetuosa con la vida del poeta, lo que puedo deciros es que, reconociendo sus lagunas, la película me ha gustado muchísimo y que tiene momentos de cine sobresalientes.

La cinta es el retrato de un ser humano complejo y fascinante que lucho toda su vida contra sus propias contradicciones y que plasmo en sus textos, de forma magistral, sus fantasmas cotidianos. Gracias a un sólido guión y a la soberbia interpretación de Jordi Mollà, los espectadores podemos conocer los miedos, inquietudes y anhelos de una persona que siempre miró la parte más amarga de la vida; de un Peter Pan que se negaba a crecer y que contemplaba con dolor y tristeza el paso de los años. La película es una reflexión sobre el paso del tiempo, sobre las motivaciones que conducen hacia la creación artística, sobre la incapacidad de asumir la propia madurez, sobre lo difícil que resulta plegarse a los convencionalismos (y sobretodo huir de ellos) cuando no se tienen claros ni los propios objetivos vitales. Una película, en definitiva, sobre el amor, la soledad y el miedo a ser uno mismo.

Si, tiene lagunas, momentos flojos y cae a veces en los estereotipos más burdos. Pero da lo mismo: la película logra emocionar y sólo por ese plano final (que no desvelaré) merece la pena pagar los seis euros de la entrada.

Y que quieren que les diga: un servidor, como decía al principio, no ha podido reprimir sentirse identificado con los fantasmas cotidianos de ese ser humano.

Y por cierto: si en lugar de ser la biografía de un personaje que existió como Gil de Biedma, la película fuera un guión original sin parecido con la vida real, probablemente ahora muchos de los que la critican la tacharían de película imprescindible.

LO MEJOR:  El retrato de un ser torturado y coherente en su incoherencia.

LO PEOR: Un guión algo desequilibrado.

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JCVD

SINOPSIS: El gran astro del cine de acción, Jean-Claude Van Damme, se encuentra disfrutando de un merecido descanso en Bruselas cuando sufre una repentina crisis existencial. De repente la gran estrella de cine que todos conocemos se convierte en un tipo corriente, aquejado de miedos, contradicciones y esperanzas.¿Cómo puede mantener la leyenda que ha ayudado a construir a su alrededor? ¿Qué hace un hombre de acción cuando la pistola que te está apuntando a la sien está cargada con balas de fogueo? Jean-Claude se encuentra a sí mismo en la encrucijada del fin de su vida como héroe.

COMENTARIO: Todos los cinéfilos contamos con nuestras pasiones inconfesables, con esos films que, aunque como productos cinematográficos sean deficientes o directamente malos, logran conmovernos, agradarnos e, incluso, apasionarnos. A estas películas los norteamericanos lo definen con el término de "guilty pleasure" (placer culpable) y todos contamos con alguno. Personalmente dentro de esta categoría yo pondría títulos como Armageddon, Rocky IV, Ojos de serpiente o las películas de Van Damme.
Reconozco las infinitas limitaciones interpretativas del belga, lo casposas que son la mayor parte de sus films, lo demencial de sus argumentos y la poca personalidad de la mayor parte de los directores con los que ha trabajado. Más aun, no me duele en prendas asumir que se trata de un actor venido a menos, pasado de moda y que hace tiempo que se mueve en los peligrosos márgenes que separan a la serie B de la Z. Pero el actor belga tiene, para mi, algo especial; una forma singular y carismática de abordar sus papeles que logra que le prefiera por encima de otras estrellas del cine de acción de bajo presupuesto como Steven Seagal, Chuck Norris o Dolph Lundgren. Si, me encanta ver las caspas de Van Damme y disfrutar con sus patadas y golpes de kárate. Por todo ello aguardaba con ilusión esta película.
Aviso a navegantes: que nadie espere que JCVD es el típico film de acción. El director francés Mabrouk El Mechri, admirador confeso del actor, ha manufacturado una película en la que rinde un homenaje a su ídolo a partir de algo terriblemente complejo como es la desmitificación y la humanización del personaje. Lo que vemos en la película es un Van Damme que se ríe de si mismo, de sus papeles infumables, de sus limitaciones interpretativas, de lo casposas que son la mauyor parte de sus películas, de la figura del héroe de acción cinematográfico; pero también encontramos una reflexión sobre la decadencia de una estrella, sobre las inquietudes y anhelos de una persona que lo ha sido todo y ahora se encuentra en unos de los periodos más bajos de su vida, sobre el precio de la fama, sobre la inmoralidad del negocio del cine, sobre lo que somos y queremos ser. Sin perder nunca el sentido del humor, la película desnuda al personaje y nos muestra a una persona que, como todas, sobrevive con sus propias contradicciones. JCVD es un film interesante, apasionante y que demuestra que incluso los temas más triviales pueden ser tratados con inteligencia.
Por cierto, Van Damme está fantástico como actor. Pásmense señores.

LO MEJOR: El monólogo en plano secuencia en el que el actor se desnuda emocionalmente.
LO PEOR: Ciertas lagunas en el guión.

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PROZAC NATION

SINOPSIS: Estamos en los años 80. Lizzy es una joven brillante que es aceptada en Hardward con una beca para estudiar periodismo. La muchacha, que sufre depresiones desde pequeña, pretende empezar una nueva vida, olvidarse de los problemas de cas (su madre es una neurótica que no ha aceptado la separación de su marido; su padre un bohemio que ha pasado literalmente de su hija) y conocer amigos. Aunque en un principio las cosas irán bien, pronto empezarán a desatarse crisis. Lizzy tendrá que acudir a la psiquiatra Sterling para que le ayude con su problema.

COMENTARIO: Basada en un célebre best seller autobiográfico en el que la escritora Elizabeth Wurtzel explica sus problemas con la depresión, esta película del año 2001, cuyos innumerables problemas de producción hicieron que no se estrenara en los Estados Unidos hasta el 2003, nunca llegó a proyectarse en las pantallas españolas y sólo llego algunos años después en DVD y sin ningún tipo de promoción. Y es una verdadera lástima, ya que con la cantidad de castañas que se estrenan a lo largo del año, los distribuidores podrían haber arriesgado con un film como este. La película nos explica la historia de una periodista que fue superando poco a poco una extraña forma de depresión que la estaba hundiendo en un pozo sin fondo. Lo que más tenemos que agradecer a la cinta del desconocido realizador noruego Erik Skjoldbjaerg (toma ya), es su honestidad y su escaso interés por entrar en juicios morales. El se limita a presentarnos a los personajes, mostrarnos sus conflictos y dejar que seamos los espectadores los que extraigamos nuestras conclusiones. Repito, esta es una película sobre relaciones personales, un film en el que no hay buenos ni malos, sólo personas que hacen lo que pueden para salir adelante. Cierto que el guión peca en algunas ocasiones de superficial y que la enfermedad está tratada de una forma tangencial, pero la propuesta resulta en su conjunto interesante y, en algunos momentos, conmovedora. 

Buena labor tras las cámaras del director (sabe expresar bien los estados de ánimo de la protagonista) y un curioso papel para Christina Ricci que resulta creíble como protagonista. A descubrir.

LO MEJOR: la honestidad de la propuesta

LO PEOR: Tendría que profundizar más en algunas situaciones

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FAST FOOD NATION

SINOPSIS: Don Henderson, un ejecutivo de una importante cadena de restaurantes de comida rápida, tiene un problema: la carne de las hamburguesas más famosas de la empresa está contaminada, y él tiene que averiguar por qué. El descubrimiento de la respuesta no será tan simple como él había esperado. En su camino se cruzará con otros personajes que también viven con de la comida rápida.

COMENTARIO: Fast Food Nation es una de esas películas que, lamentablemente, pasan sin pena ni gloria por las carteleras nacionales. Y digo que es una lástima por que este es uno de esos productos que, sin ninguna duda, nos hacen pensar, nos remueven la conciencia y nos muestra una realidad que, por cruda, no deja de estar ahí.

La película narra varias historias paralelas de personajes que viven por y para la comida basura. Nos damos cuenta de que este es un negocio descomunal, un negocio cargado de desaprensivos, explotadores y personas sin escrúpulos cuya única religión es el dinero. Todo ello esta rodado con gracia y talento por el realizador Richard Linklater que sabe dosificar las apariciones de los distintos personajes y crear un fresco en el que todo tiene sentido. Se nota, y mucho, que los actores han trabajado en el proyecto por que creían en el, por que les apetecía hacer una película diferente y que llamara la atención sobre un tema tan polémico como es el de la alimentación en los Estados Unidos. Sólo así se entiende que con un presupuesto tan escaso, se haya conseguido reunir a actores de la envergadura de Bruce Willis, Greg Kinnear, Patricia Arquette, Avril Lavigne, Luis Guzmán o Ethan Hawkwe.

Aunque en su media hora final la película cojea un popco y cae en un tremendismo algo excesivo, lo que nos muestra (y como lo hace) nos impactará de tal manera que, a buen seguro, se nos quitarán las ganas de volver a entrar en un Mc Donalds o similares. Palabrita.

LO MEJOR: El sentidfo del humor con el que se toma un tema tan serio.

LO PEOR: Un final un poco excesivo

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CÁNDIDA

SINOPSIS: Cándida, una asistenta que ha pasado la edad de jubilación, aprovecha el duro trabajo diario para practicar lo que más le gusta: ser amable con los demás. Y eso aunque la sombra de la tragedia no deje de perseguirla y sus hijos se empeñen en arrastrarla al infierno, ella sabe que la felicidad se juega en un frontón imaginario donde lo que das te viene devuelto. Filosofía que terminará contagiando a Pablo, un periodista televisivo cuya vida gira obsesivamente sobre su trayectoria profesional.

COMENTARIO: Reconozco que no soy un gran seguidor de los Gomaespuma. Aunque lo poco que he visto y oído de ellos me ha hecho siempre bastante gracia, los horarios de sus programas han motivado que me resultara casi imposible hacerme seguidor incondicional y, con ello, conocer sus códigos internos y obsesiones particulares. Ello, empero, no quiere decir que no reconozca su sentido del humor surrealista, su capacidad para hacer un humor tierno (de ternura) a partir de personajes sencillos (que no simples) y entrañables, sus inteligentes juegos de palabras, su originalidad.

Cándida es un producto que refleja a la perfección el espíritu de Gomaespuma. Su director Guillermo Fesser ha sabido trasladar imágenes esa particular forma de entender la vida y nos ofrece una historia agridulce protagonizada por uno de los personajes más dulcemente bizarros, tiernos y estrafalarios de nuestra cinematografía. La vida de Cándida es la de muchas mujeres que viven en los extrarradios más marginales de las grandes ciudades: mujeres curtidas por la vida y las circunstancias que nunca lo han tenido fácil, que han tenido que sufrir innumerables contratiempos y que siempre han sabido mirar adelante y hacer frente a todo lo que el puñetero destino a tenido a bien presentarles. Si la historia de esta Cándida cayera en manos de un por ejemplo, Fernando León, esta hubiera sido una película social, un film de denuncia en el que se pondrían en solfa todas las mierdas, que las tiene y muchas, de nuestro sistema. Incluso, y permítanme que destape mi poco aprecio por el realizador de Los lunes al sol, se hubiera hecho bastante demagogia.

En cambio, en manos de Fesser esta es una película tierna que, sin renunciar a retratar una realidad cruda e inmisericorde, trata a los personajes, a todos ellos, con ternura, respeto y sentido del humor. Esta es una historia de pobreza y necesidad, pero también una historia que demuestra que las personas estamos por encima de todo, tenemos derecho a equivocarnos, a ser decentes y, sobretodo, a merecer el respeto de todo el mundo. Con un humor agridulce y unos personajes entrañablemente estrafalarios, el director ofrece un ejercicio de justicia poética con una buena mujer a la que la vida le dió muy malas cartas. Con sus fallos, que los tiene, y un final algo impostado, su mayor defecto, la cinta es una muestra de que las miserias sociales se pueden tratar desde el humor y el respeto.

LO MEJOR: Cándida, un personaje increible.

LO PEOR: Un final un poco autocomplaciente.

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TROPA DE ÉLITE

SINOPSIS: Río de Janeiro, 1997. A Nascimento, capitán del BOPE (Batallón de Operaciones Especiales de la Policía), la tropa de élite de la Policía de Río, se le asigna el mando de uno de los grupos que tienen la misión de “pacificar” las favelas del cerro de Turano debido a la visita de Juan Pablo II, quien va a instalarse en una zona cercana. El capitán, bajo una presión constante, empieza a notar los efectos del estrés. Tiene que ejecutar las órdenes recibidas, mientras intenta encontrar un sustituto, ya que su mujer, Rosane, se encuentra en sus últimos días de embarazo y le pide constantemente que abandone la primera línea del Batallón. En estas condiciones, le llaman para otra emergencia más en una favela. Durante un tiroteo en una fiesta funk, Nascimento y los suyos tienen que salvar a dos aspirantes a oficiales de la policía: Neto y André Matias. Deseosos de entrar en acción e impresionados por la actuación de sus salvadores, los dos se presentan como candidatos al curso de formación del BOPE.

COMENTARIO: En demasiadas ocasiones los que escribimos de películas somos excesivamente benevolentes con el cine que nos llega desde las cinematografías periféricas. Ya sea por esnobismo, por "culturetarismo" (que no deja de ser un neologismo que define otra forma de esnobismo), por empatía o, simplemente, por esa extraña tendencia que tenemos los seres humanos a identificarnos con los que tienen menos posibilidades, solemos valorar con excesiva indulgencia film que provienen de Asia, África o Sudamerica. Lo que nos sucede es que en muchas ocasiones el árbol no nos deja ver el bosque y priorizamos determinadas temáticas de carácter social sobre la calidad cinematográfica; determinados ejercicios producto únicamente de la tradición cultural (como la forma de narrar de algunos directores iraníes o chinos) con innoivación y vanguardia cinematográfica. Los que me conocen saben que no estoy de acuerdo con ello. En estos países, como en Europa y Hollywood, se hace buen cine, películas irregulares y bodrios infumables. El cine no es una cuestión de nacionalidad sino de talento.

Digo todo esto a colación de la película brasileña Tropa de élite, un film que conquistó el último Oso de Oro en el Festival de Berlín y ha obtenido unas críticas espectaculares donde se ha estrenado.

Y que quieren que les diga: por una vez los premios y agasajos son absolutamente justos. Tropa de élite es un peliculón, una obra maestra que seguramente no recibirá la afluencia de público que merecería. La película narra la historia de unos policías que trabajan cada día en las favelas de Brasil, y lo hace cuidando al máximo la parte sociológica del relato, algo obvio, pero también profundizando en la psicología de unos personajes y demostrando que en este mundo no hay buenos ni malos; sólo personas que sobreviven o que siguen sus propios, y a veces equivocados, códigos éticos. Las dos horas de duración pasan como un suspiro y nos sumergen en una historia apasionante, impactante y llena de matices de todo tipo. Además, por si todo ello fuera poco, la pelí es entretenida, está filmada maravillosamente y es capaz de emocionarnos hasta en los más pequeños detalles.

Si este verano sólo tenéis la oportunidad de ir una vez al cine, esta ha de ser vuestra película: no os arrepentiréis.

LO MEJOR: Todo

LO PEOR: Nada

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ELEGY

SINOPSIS: David Kepesh, un carismático profesor de literatura, se dedica a seducir a alumnas con la única intención de no comprometerse con ninguna de ellas. Cuando la hermosa Consuela Castillo entra en su clase, su muro de protección se desploma. Esta belleza de cabellos negros le cautiva a la vez que desconcierta. A pesar de que Kepesh afirma que su cuerpo es una obra de arte perfecta, Consuela es más que un objeto de deseo. Es una persona con un gran sentido de su identidad y una intensidad emocional que hace que se tambaleen las ideas preconcebidas del profesor. Ya nada será igual.

COMENTARIO: No soy un apasionado del cine de Isabel Coixet. Aunque he visto casi toda su filmografía (con la excepción de su primera obra Demasiado viejo para morir joven), sus películas me parecen estáticas, frías, previsibles y configuradas con una puesta en escena que me resulta artificial y artificiosa. Tal vez con la excepción de Cosas que nunca te dije, su obra más interesante aunque tendría que volver a visitarla diez años más viejo, creo que la directora ha sido muy sobrevalorada.
Por ello me ha sorprendido tanto las sensaciones que me ha causado Elegy. No se si será por el material de partida, extraordinario, o por una evolución estilística de la directora, pero lo cierto es que la cinta ha logrado conmoverme y atraparme a la butaca durante todo el metraje. Esta historia sobre el miedo al compromiso, la soledad, la madurez, las expectativas y el pánico a la monotonía, la sinceridad y la honestidad emocional, es una extraordinaria muestra de cine adulto, de celuloide que emana emoción y que nos explica algo con lo que nos podemos sentir identificados. Coixet ha logrado una química brutal entre los dos protagonistas (tanto Penélope Cruz como Ben Kingsley están magníficos) que permite que su triste y melancólica historia nos llegue al corazón y remueva los mecanismo de nuestra memoria. Pausada sin resultar tediosa, profunda sin ser pedante, romántica sin caer en la cursileria, la directora nos ha ofrecido una sencilla historia sobre esas miserias e imperfecciones que nos convierten en seres humanos.

LO MEJOR: La química entre los dos protagonistas.
LO PEOR: Dennis Hooper y algunos planos esteticistas que sobran.

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DIARIO DE UN REBELDE

SINOPSIS: Jim Carroll es un joven y talentoso adolescente que vive en Manhattan. Junto a sus amigos Mickey, Pedro, Neutron y Bobby, asisten a la escuela católica del barrio. Aunque su gran pasión es el baloncesto, todos ellos llevan uniformes sucios, hacen travesuras y nunca se arrepienten de nada. Pronto empiezan a esnifar productos de limpieza y a realizar pequeños hurtos en la calle. Ese será el primer paso antes de caer en el mundo de las drogas y pasar a formar parte de la marginalidad de la ciudad de Nueva York.

COMENTARIO: El espectador que se acerque por primera vez a Diario de un Rebelde se encontrará con la trágica historia de autodestrucción de un joven lleno de talento que no supo dar una orientación coherente a su vida. La película presenta a un joven que formaba parte de un entorno social terriblemente vulnerable y degradado; una persona inmersa en una realidad en la que las únicas opciones pasan por triunfar en el deporte o resignarse a una vida cargada de miserias. Esta desesperanza, esta falta de perspectivas es uno de los argumento que nos sirve para entender cual es la raíz del drama personal de Carroll.
Pero la película, y ahí radica su interés, no sólo trata la problemática desde una perspectiva social, sino que también nos habla de responsabilidades individuales, de incapacidad para gestionar las propias emociones, de falta de expectativas e ilusiones. El mayor enemigo del protagonista es el mismo; ni más ni menos. Lo que nos enseña la película, en el fondo, es que las decisiones son también importantes en el desarrollo de nuestras vidas.
Este es un título necesario y pensado para un público eminentemente joven, para un colectivo que no sólo se pueda sentir identificado con las opciones visuales o con el carisma de los protagonistas, sino que también pueda ver que en la vida, por difícil que nos parezcan las cosas, siempre nos quedan otras opciones y salidas; siempre existirán personas dispuestas a ayudarnos y a escucharnos en los momentos más bajos. No se trata de adoctrinar, sólo de mostrar las consecuencias del consumo de estupefacientes. No hay más verdad que esa
Dura, rigurosa, necesaria… Estos serían algunos de los adjetivos con los que se podría calificar a esta película cuyo visionado nos parece tan enriquecedor como didáctico. Si pensamos que muchos problemas, como el de las drogas, se han de tratar de forma directa, sin falsas moralinas y mostrando cuales son sus efectos, está es nuestra película. Su honestidad no nos puede dejar indiferentes y, a buen seguro, provocará una reflexión sería y concienzuda en nuestros mismos. Por cierto, Leonardo Dicaprio demostró con creces lo buen actor que es.

LO MEJOR: La honestidad con la que está narrada la historia. La falta de moralina tan típica de este tipo de productos.
LO PEOR: Un final muy precipitado.

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LOS FALSIFICADORES

SINOPSIS: Berlín, 1936. Salomon Sorowitsch es el rey de los falsificadores de moneda. Cuando le detienen los nazis, es llevado a un campo de concentración donde es obligado a trabajar para ellos. Prono su suerte cambiará y será trasladado, junto a otro grupo de personas que trabajan dentro de las artes gráficas, a un campo especial con la misión de falsificar libras y dólares y romper así las economís de Estyados Unidos e Inglaterra. Esto le supone un dilema moral ya que cooperar con sus verdugos prolongará la guerra y podría significar la victoria para los alemanes

COMENTARIO: Los Falsificadores fue la gran sorpresa de los Oscars a la mejor película extranjera del año. La historia de unos falsificadores judíos que tienen que trabajar para los nazis y, aunque les ayuden a ganar la guerra, salvar de esa manera su vida, es una extraordinaria y sencilla (que no simple) historia cuya mayor virtud es la de lograr conmovernos y hacernos reflexionar sobre los límites de nuestra propia ética y moral en situaciones extremas. La película es muy directa y ante nosotros van sucediéndose una serie de secuencias que no sólo permiten que nos identifiquemos con unos personajes absolutamente creíbles, sino que también logra que descubramos, sin sensiblerías ni recursos emocionales fácilones, una parte de nuestra historia reciente que nunca debemos olvidar.

El cine alemán parece decidido a retratar, con honestidad y franqueza, una parte importante de su historia a través de películas que, además de bien hechas, lográn llegar y conectar con los espectadores. Tendríamos que aprender mucho de ellos y empezar a darles a las nuevas generaciones productos dignos sobre nuestra Guerra Civil, y no la basura revanchista y cutre, cargada de personajes planos y de una pieza, que acostumbramos a manufacturar en este bendito país.

Una extraordinaria película.

LO MEJOR: La emoción que emana la historia.

LO PEOR: Algunos bajones en el ritmo.

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SMOKING ROOM

SINOPSIS: La sucursal española de una empresa americana es obligada a poner en vigor la prohibición de fumar dentro de sus oficinas. A partir de ahora, quienes quieran fumar en horario laboral, deberán hacerlo en la calle. Ramírez, uno de los empleados de esta oficina compuesta principalmente por hombres, decide empezar a reunir firmas contra lo que considera injusto. Aparentemente todos están de acuerdo y le van a apoyar. Sin embargo, a la hora de la verdad los compañeros pondrán toda serie de excusas para evitar formar parte de esta lista.

COMENTARIO: Smoking Room fue una pequeña sorpresa de esas que depara el cine español de vez en cuando. Rodada en el año 2002 con cuatro duros, un decorado único y con la presencia de uno serie de ilustres actores secundarios muy solventes, la película nos retrata las miserias morales a las que todos nos enfrentamos en nuestro trabajo diario. Un guión muy bien trazado sirve para retratar a una serie de personajes que, en el fondo, viven sus propias contradicciones personales y laborales en un mundo cada día más cambiante donde los valores, en el fondo, sólo los marca el gran capital. La idea de una oficina donde se prohíbe fumar es simplemente la metáfora de una sociedad que cada día nos tutela con mayor intensidad considerando, por ende, que somos idiotas y que nos ha decir que hacer o pensar. Tal como dicen los autores, siempre nos queda como último recurso el fútbol.
Cinco años después, el gobierno prohibió fumar en todo lugar público, incluidos los centros del trabajo. Una vez más el cine se adelanta a la realidad.

LO MEJOR: Los actores, sencillamente extraordinarios.
LO PEOR: Una cierta dejadez en la puesta en escena.

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HOOSIERS: MÁS QUE ÍDOLOS

SINOPSIS: Norman Dale es un entrenador de baloncesto que, debido a su accidentado pasado, se encuentra con una última oportunidad al ser contratado para dirigir a un pequeño equipo estudiantil de indiana. A pesar del rechazo inicial que sufre por parte de los jugadores, un antipático profesor y unos vecinos que intentan echarle, Dale perserva con una conducta energética y una pasión inquebrantable por el juego. Pero ganarse al equipo es sólo la mitad de la batalla en un mundo en el que los equipos de pequeñas localidades pueden acabar jugando contra rivales de primera... y un forastero oprimido puede levantar el orgullo de todo un condado.

COMENTARIO: En general no me gusta nada el cine deportivo. Con la excepción de algunos títulos dedicados al boxeo, considero que las películas deportivas son previsibles, simplonas y siempre hablan de lo mismo: la superación personal y la fuerza de la voluntad. Considero que en muy pocas de ellas se explica la verdadera interacción de un equipo y los problemas que pueden surgir dentro de él. Un par de títulos que se salen de la norma y merecen todo el interés serían Un domingo cualquiera de Oliver Stone y este Hoosiers que ahora nos ocupa.
Dirigida en el año 1986, la película nos muestra los avatares de un veterano entrenador por llevar a su equipo a las más altas cotas de excelencia. Desde el principio, el director sabe crear personajes humanos y creíbles; seres de carne y hueso con los que el espectador vibra yb se siente identificado. Aunque tiene los tópicos habituales del género, la película narra con detalle el trabajo motivacional y específico que lleva a cabo el entrenador interpretado magnificamente por Gene Hackman permitiéndonos entender las causas y consecuencias de todo lo que sucede en la pantalla. Además, al cesar lo que el es del Cesar, la puesta en escena es sobría pero efectiva y en todo momento potencia y reafirma el mensaje que se nos quiere transmitir.
Una gran película, la mejor sobre baloncesto, que han de descubrir las nuevas generaciones.

LO MEJOR: Las interpretaciones; la soberbia banda sonora de Gerry Goldsmith
LO PEOR: Es bastante previsible.

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EL MÉTODO

SINOPSIS: Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba de selección de personal para una empresa multinacional. Entre ellos, las personalidades más dispares: el triunfador, el agresivo, la mujer insegura, el crítico, el indeciso... En un clima de tensa competitividad, la inseguridad de los participantes se convertirá en miedo y dudas y estos a su vez en un estado de paranoia general. A lo largo de un día, los aspirantes pasarán por pruebas y situaciones donde pondrán a prueba su personalidad la forma como se relacionan con los demás. En este claustrofóbico clima de y falta de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se destaparán pasados.

COMENTARIO: En el año 2004 se estreno en el teatro Poliorama de barcelonesas una obra que fue la sensación de la temporada. Su título era El método Grönholm y en ella se nos narraba, en clave de comedia dramática, el proceso de selección de cuatro personas que optan al puesto de ejecutivo de una multinacional. En ella se parodiaban los métodos modernos de selección y se hacía una curioso reflexión sobre la ambición y la estupidez del ser humano.

Como sucede con todas las obras de teatro que tienen éxito, el mundo del cine puso sus ojos sobre ella y filmó una adaptación que gozó de un gran éxito de público y crítica. La dirección se le encargó al argentino Marcelo Piñeyro, se modificó por completo el argumento (se parecen muy poco la película y la obra) y se contrato a un buen grupo de actores para interpretarla. Y el resultado...

El resultado es una buena película imperfecta.

Me explicaré. El método es una muestra de hasta donde es capaz de llegar la ambición de las personas. Durante este proceso de selección, no sólo vemos la interacción y los conflictos que surgen entre los candidatos, sino también observamos la situación de una empresa que cada día, bajo la excusa de los nuevos conceptos en liderazgo y gestión de recursos humanos, tiene un alma más negra y despiadada. En este sentido, la película funciona y nos atrapa en su enrevesada trama. Ahora bien, hay que reconocerle que la historia tiene errores a la hora de configurar las relaciones de los personajes (hay cosas que resultan bastante increíbles y poco lógicas), que su puesta en escena es plana y excesivamente teatral y, sobre todo, que se le ha querido dotar de un cierto discurso social que, no nos vamos a engañar, ni aporta nada ni ayuda a entender mejor lo que realmente interesa: como el alma humana es capaz de casi todo por simple ambición.

Repito, una película imperfecta pero interesante.

LO MEJOR: Las relaciones entre los personajes. Destacar al extraordinario actor argentino Pablo Echarri.

LO PEOR: Un guión al que le hacían falta un par de buenas revisiones. La pareja Nawja Nimri (cada día se le entiende menos lo que dice) Eduardo Noriega.

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POZOS DE AMBICIÓN

SINOPSIS: La película narra el éxito de Daniel Plainview, que pasa de ser un minero extremadamente pobre que cría a su hijo sin ninguna ayuda a convertirse en un magnate del petróleo hecho a sí mismo. Gracias a un misterioso soplo, Plainview descubre la existencia de un mar de petróleo bajo la tierra de un pequeño pueblo del oeste, y se lleva a su hijo, H.W., a probar suerte en el polvoriento Little Boston. Y es este pueblo perdido Plainview y H.W. van a dar el golpe de sus vidas. Pero a medida que el petróleo les va haciendo cada vez más ricos, los conflictos van apareciendo: la corrupción, la mentira y las ingentes cantidades de petróleo pondrán en serio peligro sus valores humanos

COMENTARIO: En el año 1997 Paul Thomas Anderson deslumbró a medio mundo con su segunda película Boogie Nights. Esta película estaba basada en la biografía del actor porno John Holmes, un hombre que protagonizó más de mil películas y cuyo mayor valor se encontraba en los más de treinta centímetros que colgaban entre sus piernas, la película nos presentó a un director con un pulso narrativo firme y con capacidad para indagar en la psicología de los personajes. Todo ello se confirmó con su siguiente obra, la extraordinaria Magnolia, una película coral donde se nos explicaba la odisea vital de varios personajes sumidos en la confusión y la desesperación. Tras fracasar en taquilla con Embriagado de amor, de la que nada puedo decir ya que no he visto, Anderson sorprende a propios y extraños ofreciéndonos una epopeya histórica centrada en la biografía de un magnate del petróleo.
Una vez vista, Pozos de ambición es una obra que sigue los patrones estéticos y estilísticos de Anderson. Dejando de lado cualquier intención de mostrar un biopic al uso, el realizador californiano nos ofrece un retrato del poder, la corrupción, la miseria moral y de como el dinero es capaz de conducirnos hacia los abismos más insospechados. La película es intensa, apasionante y magnética en su primera mitad. Lamentablemente, en su segunda mitad la función decae ligeramente y la historia se vuelve algo reiterativa y tediosa. En esta parte sobra bastante metraje (la duración total es de unos excesivos 158 minutos) que ralentiza la acción y no aporta nada interesante. A pesar de ello, esta es una buena forma de sumergirnos en lo más profundo y negro del alma humana. Por cierto, Daniel Day-Lewis está extraordinario durante todo el metraje, con la excepción de la secuencia final donde da toda una lección de lo que significa el concepto sobreactuar.

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EL CANÍBAL DE ROTHENBURG

SINOPSIS: Katie está apunto de terminar sus estudios de psicología criminal. Para su tesis escoge un sujeto de estudio muy particular: Oliver Hartwin, un psicópata que se comió a una persona con el consentimiento de esta. A medida que profundiza en su investigación, se obsesiona más y más con Oliver, afectándole de tal modo que empezará a comportarse de manera extraña.

COMENTARIO: Hacia tiempo que tenía ganas de clavarle el diente (perdónenme el chiste fácil, pero es que no he podido evitarlo) a esta película alemana que recrea un suceso real de esos que nos dejan con los pelos de punta. Para aquellos que no conozcan la historia, les haré un somero resumen. En el año 2001 la opinión pública mundial se escandalizó ante la noticia de un ciudadano alemán que se había comido a un paisano suyo, previó consentimiento de la víctima, con el que había contactado por Internet. Armin Meiwes, un informático de 42 años con una infancia traumática, sólo tenía una obsesión: comerse a alguna persona. Tras colocar varios anuncios en foros de caníbales (que haberlos, hailos), encontró a Bernd Brandes, un ingeniero obsesionado con el dolor físico y que quería devorar su propio pene. Ambos se juntaron en la casa de Armin y llevaron a cabo el macabro ritual que, paradójicamente, fue gravado en vídeo.
El caso no sólo resultó polémico por lo truculento de la situación, sino por el vacío legal que se encontró la justicia alemana a la hora de juzgar un asesinato que se había llevado a cabo con el consentimiento de la víctima. Armin fue declarado de culpable de asesinato y condenado a cadena perpetua.
Cinco años después, el realizador Martin Weisz decidió realizar un film que analizara el caso y en el que intentó encontrar las claves de todo el asunto. Aunque cambió los nombres de los protagonistas, el realizador fue terriblemente fiel a la historia original y ofreció a los espectadores un film sorprendente y francamente recomendable. Lo más interesante de la película es que en ella se huye de todo morbo y truculencia, para centrarse en un análisis minucioso de la personalidad de estos pobres infelices y las circunstancias personales que les llevaron a cometer tal atrocidad. La cinta es un estudio psicológico de dos personalidades a los que la soledad, la inadaptación y sus propias circunstancias cognitivas han llevado a una situación límite. Todo ello lo observamos a través de los ojos de una estudiante de psicología que sirve como hilo conductor (y que es también lo más flojito de la cinta) y que permite mostrarnos la fascinación que pueden provocar determinadas situaciones extremas. A ello también ayudan los extraordinarios actores que dan vida a la singular pareja.
Una película brillante, que te engancha desde el primer fotograma y que demuestra la capacidad del cine para diseccionar determinados comportamientos humanos. Aviso para navegantes: los amantes del morbo se sentirán decepcionados. Estamos ante un drama de terror psicológico, no ante un film gore (sangre y escenas escabrosas hay más bien pocas). Advertidos quedan.

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Les dejo de regalo un documental (en catalán) que les ilustrará sobre el tema

AMERICAN HISTORY X

SINOPSIS: Danny Vinyard es un joven skin head que ve como el director de la escuela le obliga a repetir un trabajo que ha hecho sobre la obra de Adolf Hitler. El director le obliga a retratar la vida de su hermano Derek, un neonazi que cumple condena por el asesinato de dos negros. Ese mismo día Derek sale de la cárcel, lugar donde parece que ha olvidado las teorías fascistas. Lo único que quiere Derek es que su hermano pequeño se olvide de los fanatismos y odios raciales.

COMENTARIO: American History X es una de las películas más interesantes de finales de los años noventa. A través de ella el realizador Tony Kaye hizo una aguda e interesante reflexión sobre los orígenes emocionales e ideológicos del racismo y el fascismo de hoy en día. La cinta nos muestra una historia absolutamente increíble donde vemos que, en el fondo, los seres humanos tenemos determinados comportamientos a causa del miedo, la inseguridad y el rencor mal enfocado. Esta es una historia de pequeñas tragedias, de personajes anónimos que forman parte de esa intolerancia que, desde derechas e izquierdas, nos hace denigrar y no aceptar a todos aquellos que son y piensan de distinta forma que nosotros.

El trabajo de puesta en escena es soberbio (alternando blanco y negro y color en función del tiempo narrativo del relato) y el trabajo de los actores insuperable. Edward Norton demostró, por si quedaba alguna duda, ser uno de los mejores actores de su generación y un intérprete camaleónico y dotado de todo tipo de registros. Es uno de los pocos intérpretes capaces de hacernos sentir ternura (como en El escándalo Larry Flint) y acojonarnos como en esta cinta.

Una película de visionado obligado.

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