LA PIEL QUE HABITO

SINOPSIS: Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el doctor Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ése no será el único crimen que cometerá a lo largo de su vida.

COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver La piel que habito. Almodovar es un director que siempre me ha gustado aunque me provoca sentimientos muy contradictorios; mientras en algunas ocasiones conecto con su particular universo y sus películas llegan a fascinarme, en otras sus historias me irritan y me parecen excesivas y ridículas. Ello, empero, no es óbice para reconocer que su fuerza visual me hipnotiza, que su capacidad para crear momentos inigualables es única en el cine mundial y que en sus películas siempre hay, por malas que sean, momentos sublimes de puro cine.
La Mala educación y Los abrazos rotos me parecieron de lo más flojo de su filmografía. La primera era una película desestructurada donde se intentaban explicar muchas cosas con muy poco acierto; la segunda un absoluto desastre que, pese a su fuerza visual, en muchas ocasiones sobrepasaba la frontera del ridículo. Volver, la cinta que dirigió en medio de las otras dos, aunque era una correcta película, no logró interesarme demasiado. Así, con la vana esperanza de encontrarme con una nueva Todo sobre mi madre o Hable con ella fui al Lauren Universidad a la sesión nocturna.
Y, la verdad, no sé muy bien que decir. ¿Es la piel que habito una genialidad o una inmensa y desmesurada tomadura de pelo? Hacía muchísimos años que no me pasaba algo así al salir de un cine. Y ello no es malo, ya que lo peor que te puede pasar con una película es que te deje indiferente. Pero, de verdad, la perplejidad que me ha dejado la película es tan grande que no se muy bien hacia donde decantarme.
Vayamos por partes. Visualmente la cinta es absolutamente fascinante. Almodovar ha logrado un nivel de madurez como narrador y hacedor de imágenes (y uso el verbo hacer con toda la intención del mundo) sin comparación en el cine mundial. El manchego es un mago con la cámara, un hombre que compone imágenes bellas y fascinantes que, sin por ello perder la capacidad narrativa, resultan completamente hipnóticas. Simplemente viendo como compone los planos, su capacidad para embelesar con las imágenes, como cuida hasta el mínimo detalle en la dirección de actores, uno no puede más que quitarse el sombrero y reconocer su talento. Creo sinceramente que en la piel que habito ha llegado al cenit de su capacidad creativa y la película, en sí misma, es un absoluto espectáculo visual. Ahora bien, el cine también es una historia, un guión, una sucesión de acontecimientos que se desarrollan y culminan en un clímax final. Y ahí, precisamente ahí está el mayor pero.
Y es ahí donde la película va de lo sublime a lo grotesco; de lo genial a lo desmesurado; de lo apasionante a lo absolutamente prescindible. La verdad es que la historia encaja como un mecanismo de relojería y casi todo tiene su lógica dentro de la narración. El problema es que en ningún momento logramos entender las motivaciones de los personajes (¿o tal vez si?), que sus actos carecen de sentido (¿o tal vez no?), que hay personajes y situaciones que sobran (¿O tal vez tengan su sentido dentro de la película?) y que el final es precipitado, ilógico y te deja con una extraña sensación de que al director, en el fondo, le interesaba más componer imágenes que narrar una historia. Repito, la película tiene secuencias brutales y otras ridículas, momentos mágicos y otros estúpidos (toda la parte del brasileño vestido de tigre) y, lo que es más extraño, uno no sabe si la cinta es una maravillosa historia de amor y obsesión o una simple ida de pinza del director manchego.
Por otra parte los actores están extraordinarios (mira que no me gusta nada Marisa Paredes, pero he de reconocer que está sublime), que la escenografía es genial y que todo funciona como un mecanismo de relojería y que los primeros 45 minutos son excelentes, pero….
En fin, no sé si he aclarado nada o he creado más confusión. Véanla y opinen ustedes mismo. Dos acotaciones. Vayan a verla sin saber absolutamente nada del argumento. Y una última cosa: no se si sólo me pasa a mí, pero Almodovar cada día me recuerda más a Fassbinder.

LO MEJOR: Su fuerza visual. Increíble
LO PEOR: No se si la historia es genial o un despropósito mayúsculo.

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SIN IDENTIDAD

SINOPSIS: El doctor Martin Harris acude junto a su esposa a Berlín para asistir a un congreso de Biotecnología. Tras un accidente de coche, recupera la consciencia para descubrir que su esposa no le reconoce y que otro hombre ha asumido su identidad. Con la ayuda de una extraña aliada se sumergirá en un misterio que le obligará a cuestionarse su cordura y su identidad, preguntándose hasta dónde tiene que llegar para descubrir la verdad.

COMENTARIO: Jaume Collet-Serra es sin duda el director español con la carrera más afianzada dentro de Hollywood. Con cuatro películas a sus espaldas, el catalán ha demostrado ser un buen artesano que maneja a la perfección los resortes narrativos del medio y que es capaz de sacar petróleo de las historias en las que se ve inmerso. Ninguna de sus películas es redonda, pero en todas ellas se puede comprobar su buen hacer y su capacidad para trascender la mera trasformación de un guión en imágenes para ofrecer a sus films un toque personal.

Tal vez Sin Identidad sea su mejor película. Y eso que contaba con un guión que, reconozcámoslo, no tiene ni pies ni cabeza y carece de cualquier tipo de lógica y credibilidad. La capacidad del realizador estriba en abordar un material de esas características y convertirlo en un entretenimiento puro y duro en los que se dosifican a la perfección los momentos de suspense, de acción y de tensión.

Y es que lo que hace Collet-Serra es un ejemplo de lo que debería ser buena parte de ese cine comercial de gama media que tanto, y tan mal, se hace en los Estados Unidos. Y la fórmula es bien sencilla: una historia interesante, unos actores de clase media solventes y creíbles, buena puesta en escena y la capacidad de hacerle pasar al espectador un par de horas de entretenimiento. De ahí el éxito de la película.

Una propuesta que, si bien no es perfecta, si resulta disfrutable.

LO MEJOR: Mantiene la tensión durante todo el metraje

LO PEOR: El guión no tiene ni pies ni cabeza.

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ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO

SINOPSIS: Desesperados por conseguir dinero fácil, dos hermanos de clase burguesa, Andy, un ambicioso hombre de negocios casado con una mujer florero y adicto a la heroína, y Hank, cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hijo, conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, y nada de problemas. Pero cuando su cómplice decide no cumplir las reglas del juego, las cosas no salen como ambos se esperaban?

COMENTARIO: Con más de ochenta años, Sidney Lumet es uno e los pocos directores en activo de esa generación que se vino a llamar de la televisión. Tras aprender el oficio en la gran pantalla, Lumet pasa al cine a principios de los años ochenta con una carrera irregular pero no exenta de obras interesantes. Suyas son, por ejemplo, Serpico, Tarde de perros o Doce hombres sin piedad, películas que, sin ser obras maestras, si denotan un director solvente que sabe explicar una historia y definir bien a los personajes.
Hoy he tenido la ocasión de ver su penúltima película, Antes que el diablo sepa que has muerto, y me he topado con una obra intensa, dura, bien narrada y que maneja a la perfección los resortes cinematográficos característicos del thriller. Bajo la aparente historia de un robo frustrado, el director realiza un despiadado retrato de las "mierdas" familiares y de como estas condicionan nuestros actos futuros y nos convierten en seres mezquinos y estúpidos. Tiene momentos intensísimos (la secuencia final es escalofriante) y todas las interpretaciones son soberbias. Destacar en este apartado a Philip Seymour Hoffman, al gran Albert Finney y a una sorprendente Marisa Tomei que nos ofrece una secuencia erótica de altísimo voltaje.
Un film de narrativa clásica, con una historia que, a pesar de su aparente complejidad (hay continuos saltos en el tiempo) se entiende a la perfección y unos actores en estado de gracia. ¿Qué más se puede pedir?

LO MEJOR: Las interpretaciones, la intensidad emocional.
LO PEOR: En ocasions la narrativa es algo estática.

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ROSARIO TIJERAS

SINOPSIS: Dos amigos de clase alta de Medellín, conocen en una discoteca a Rosario, una enigmática mujer de la que tanto Antonio, el introvertido, como Emilio, el galán, se enamoran. Tras establecer una relación con Emilio, la vida de Rosario se empieza a cruzar con ellos. Ella es una sicaria de los mafioso que no duda en matar cuando se lo piden. Tras perder a su hermano, Rosario se enamora de Antonio con el que vivirá su única historia de amor verdadero. Pero el destino...
COMENTARIO: En los últimos años existe una corriente de opinión que, sin saber muy bien por que, considera al cine venido desde Latinoamérica como unos de los más frescos e innovadores del actual panorama cinematográfico. Todo empezó con el éxito de algunas producciones argentinas como El hijo de la novia y Nueve reinas o cubana con Fresa y chocolate al frente. Personalmente, nunca he entendido demasiado está especie de admiración por el cine latino. Como en cualquier continente, ahí se hacen buenas, regulares y malas películas. Ítem más: en los últimos tiempos noto una cierta tendencia entre esos directores por repetirse, utilizar esquemas trillados y, que me perdonen, repetirse más que el ajo. Vamos, que me empiezan a cansar las historias de argentinos melancólicos (bueno, de argentino: Ricardo Darín, más visto que el tebeo), cubanos "oprimidos" por los turistas españoles (y sólo un poquito por el propio régimen), de colombianos sicarios y adaptaciones mediocres de novelistas latinoamericanos. ¿Que le vamos a hacer? Me cuesta mucho conectar con ese cine.
Por ello no entiendo mucho el entusiasmo que suscito esta Rosario Tijeras, una película previsible, mal narrada, horriblemente interpretada y que, en determinados momentos, se hace insufrible. Si tuviera que definir la película, lo haría como un intento de hacer un túrmix entre el cine de Quentin Tarantino y los esquemas más trillados del cine social, adobado con salsa propia del culebrón latino más casposo. En fin, una película muy floja a la que nada ayuda la presencia de una tan bella como espantosa actriz llamada Flora Martínez.

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LA MUERTE RONDA A MÓNICA

SINOPSIS: Federico es un hombre de negocios que está casado con una millonaria llamada Mónica. Un día aparece en su despacho un hombre que le chantajea amenazándolo con explicar a su esposa su turbio pasado como delincuente. De la misma forma, Mónica se entera de que Federico le engaña con una conocida modelo. Será el inicio de una conjura para volver loca a la mujer.

COMENTARIO: Una de las peores experiencias que un servidor, que se ha peleado con lo más florido de la cinematografía mundial, ha tenido ocasión de sufrir. La película es mala con avaricia, el guión infumable, la historia patética, los actores pésimos, los desnudos gratuitos y el desenlace tan absurdo e incongruente como risible. Un despropósito mayúsculo que no puede conformar ni a los más adictos a la serie Z. A este respecto hagamos una mención especial para un Arturo Fernández que no es consciente de que está trabajando en un Trhiller, si es que alguna vez ha sido consciente de algo, y al que sólo le falta decir "chatina, chatina" entre muerto y muerto..
La peli esta protagonizada por dos mitos eróticos de la época como Bárbara Rey o Nadiuska, señoras que en la actualidad se han convertido en carne de cañón de los programas del corazón más infumables. Destacar también la presencia de una actriz austriaca llamada Karin Schubert que tiene una curiosa historia a sus espaldas. Tras trabajar en 1972 en el Barbaazul de Richard Burton, durante los setenta se paseó por toda Europa trabajando en infinidad de producciones de bajo presupuesto hasta que en 1985, harta de tanta caspa y sin un euro en el bolsillo, decide pasarse con 41 años al porno duro. Su debut se produjo con la cinta Morbosamente Vostra (para los que quieran buscar la versión en castellano, decir que por estos lares se tituló Vicios de la Jet Set. Ojo, la peli contiene una secuencia de zoofilia canina bastante desagradable; avisados quedan) para no retirarse del mete y saca hasta principios de los noventa.
Curiosidades a parte (con algo hay que llenar el espacio) sólo recomendar la peli a curiosos impenitentes o a masoquistas amantes de las experiencias límites. Perpetra la película Ramón Fernández, el mismo de No desearás al vecino del quinto y Cateto a babor.

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Como nadie se ha dignado a colgar el trailer de la película (ni una triste imagen) les dejo unas imágenes de Arturo Fernández en la mítica La casa de los líos donde, más o menos, hace la misma interpretación que en La muerte ronda a Mónica.

FEED

SINOPSIS: Un policia australiano asignado a la brigada de delitos por Internet, descubre una página web en la que un hombre que se dedica a engordar a mujeres hasta matarlas. Estos feeders (o cebadores) son personas que se excitan dando de comer a mujeres obesas. Obsesionado con el caso, viaja hasta los Estados Unidos para descubrir un mundo de horror.

COMENTARIO: Bred Leonard es un director de cine bastante atípico. En sus inicios se convirtió en uno de los primeros realizadores que trataron la temática de la realidad virtual a través de películas donde abundaban unos primerizos efectos infográficos. Tras dirigir El cortador de cesped, Asesino del más allá y Virtuosity (con un Rusell Crowe jovencito haciendo de malo), el director se perdió en productos alimenticios y pensados para la pequeña pantalla. Tras fracasar en el 2005 con la adaptación del personaje de Marvel Comics Man Thing, ofreció a los espectadores esta curiosa película.
Feed es un film fallido pero terriblemente curioso. Partiendo de un hecho real (el de los hombres que alimentan a las mujeres y lo muestran a través de Internet), el director nos ofrece una historia morbosa y llena de sexo, en la que se trabajan los instintos más bajos de los seres humanos. Algunas situaciones resultan harto improbables y los actores, bastante pésimos, sobreactúan considerablemente, la historia engancha y muestra que, dentro del en demasiadas ocasiones manido género del thriller, todavía se pueden manufacturar productos interesantes y originales. Se la recomiendo.

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FRIDAY FOSTER

SINOPSIS: Friday Foster es un aguapa y atractiva fotógrafo especialista en meterse en líos. Un buen día descubre un atentado contra el hombre de color más rico del mundo. Será el inicio de una serie de aventura que la guapa Friday vivirá junto a su amigo Colt. En ellas conocerá el romance, la acción y la aventura.

COMENTARIO: En el año 1971 se estrenó en los Estados Unidos una película titulada Shaft (en España, Las noches rojas de Harlem; ojo, no confundir con el deleznable remake que en el año 2000 protagonizó Samuel L. Jackson). Con un modesto presupuesto de un millón de dólares y pensada para un público afroamericano, la cinta supuso un éxito comercial tan descomunal que dió lugar a un peculiar subgénero conocido como "Blaxploitation". Estas películas estaban hechas por y para un público de color, normalmente pertenecían al género de acción o policiaco (aunque hay alguna de terror como la bizarrísima Blacula)y contaban con una fórmula magistral que, casí siempre, permanecía invariable: bastante violencia, unas buenas dosis de erotismo, algo de crítica social, personajes femeninos fuertes, vestuarios y peinados imposibles y onmipresencia en las bandas sonoras de música funky. Aunque este subgénero duró poco, de sus películas salieron una serie de actores que, durante unos años, fueron auténticos ídolos para la comunidad afroamericana. Uno de los más importantes fue Pam Grier (tremenda mujer en todos los sentidos de la palabra y a la que recupero años después Tarantino en Jackie Brown) protagonista de el título que reseñamos.
Friday Foster es una película entretenida cuyo visionado pasa como un suspiro. Con todos los elementos habituales del subgénero y añadiendo unas mayores dosis de crítica social (a los negros que por dinero se alinean con los blancos y atacan a los de su comunidad) y de conciencia política, el realizador Arthur Marks manufactura un producto digno, cargado de oficio y en el que nada chirría demasiado. Uno de los mejores film de blackplotiation que he visto con una Pam Grier que está espectacular.
Por cierto, en la peli sale Carl Weathers antes de convertirse en el Apollo Creed de la saga de Rocky o en el inimitable Action Jackson ochentero.

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LOS CRÍMENES DE OXFORD

SINOPSIS: Martin es un joven matemático norteamericano que decide ir hasta Oxford para que el prestigioso profesor Artur Seldom le dirija la tesis. El huraño profesor se niega en redondo y deja en evidencia al muchacho ante todos sus compañeros. Todo cambiará unos días después cuando la casera de martin, que es amiga de Artur, aparezca muerta en su casa. Será el inicio de una serie de crímenes basados en planteamientos matemáticos.

COMENTARIO: Alex de la Iglesia es uno de esos directores que cuenta con el beneplácito de un amplio espectro de público, pero cuyas películas no acaban de ser éxitos redondos en taquilla. Si, se habla de el en todas las revistas, se le considera como uno de los grandes directores de nuestro país; pero a la hora de la verdad, todavía no ha logrado un taquillazo de esos espectaculares que le alce a la categoría de los Amenabar o Almodovar de turno. La explicación a todo ello reside en que el vasco tiene un universo personal y autoreferencial que, siendo realistas, se aleja considerablemente de los gustos mayoritarios del gran público que, no se muy bien por que, si paga por películas como Torrente o Al otro lado de la cama. De la Iglesia, en el fondo, es un freak que hace películas que a el le gustan. Yo, que soy otro freak, disfruto con ellas como un enano. Ello, empero, no es óbice para que reconozca que su discurso puede ser difícilmente digerible para un público más ortodoxo.

Dicho esto, comentar qué, para mi sorpresa, con este título de vocación internacional y holgado presupuesto (8 millones de euros) el realizador se ha querido domesticar (necesidad de taquillazo tal vez) y ha manufacturado una cinta donde la corrección es su principal razón de ser. La cinta es fría, de estética casi telefilmesca y, desgraciadamente, el estilo de la Iglesia sólo aparece con cuentagotas (cuando recrea las anécdotas e historias que Seldom explica a Martin -la de la mujer que asesina a su marido o la protagonizada por Alex Cox son sencillamente geniales- ). Lo lamentable del caso es que es precisamente en esos escasos momentos cuando la cinta alcanza sus mayores dosis de brillantez. Paradojas de la vida: el director se está conteniendo en todo momento y cuando logra dar rienda suelta a sus impulsos, logra ser brillante.

Por lo demás, una cinta entretenida, con un argumento original en su planteamiento pero con algunas partes francamente mal desarrolladas; sin ir más lejos, todo lo relacionado con el romance entre Elijah Wood y Leonor Walting. Por cierto, esta última parece únicamente puesta con la finalidad de mostrar sus, por otra parte extraordinarios, encantos al público.

¡Ah! se me olvidaba. El gran John Hurt da, simple y llanamente, una lección magistral de interpretación. Verle cambiar totalmente de expresión en facción de segundos es una gozada para los sentidos.

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NO COUNTRY FOR OLD MEN

SINOPSIS: Un soldador que está cazando cerca de la frontera con Méjico, se encuentra por casualidad con una matanza entre narcotraficantes. Tras encontrar dos millones de dólares dentro de un coche, empieza a ser perseguido por todos los que quieren recuperar la fortuna. Uno de ellos, un psicópata llamado Anton Chigurn, será implacable en la búsqueda.

COMENTARIO: La obra de los hermanos Joel y Ethan Cohen es francamente interesante. Desde sus inicios en 1984 con Sangre Fácil, han alternado películas independientes con un cine mucho más comercial, aunque siempre tamizado bajo el punto de vista de su particular, y negro, sentido del humor. Con los lógicos altibajos, han mantenido unos niveles de calidad muy aceptables y han demostrado que se puede mantener una coherencia estilística sin necesidad de mirarse excesivamente al ombligo. Dentro de su obra, tal vez las películas más brillantes y complejas son sus particulares y personales thrillers.

Muerte entre las flores, Fargo, El hombre que nunca estuvo allí serían ejemplos claros de todo ello. Todas son películas que, manteniendo determinados rasgos del thriller clásico, les saben dar la vuelta y mostrar un punto de vista personal que, tamizado con un humor negro que va de lo absurdo y lo genial, cautiva a los espectadores con historias francamente apasionantes.

No country for old men entraría de lleno en esta categoría. La película es un brillante ejercicio de estilo que, bajo una supuesta frialdad formal, nos muestra todo un universo de personajes al límite que han echo de la violencia, de la absurda violencia, su razón de ser. Dentro de este universo destaca la presencia de un Javier Bardem que logra una interpretación magistral de un asesino psicópata. Es increíble constatar el mal rollo que es capaz de lograr con su sola presencia. Un papel que huele a Oscar por los cuatro costados.

No country for old men es una excepcional película, uno de esos escasos títulos que logran que salgamos del cine con la sensación de que hemos visto, y disfrutado, de una buena historia.

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