El amor

Esta es una historia sencilla. Una historia sin nada especial. Una historia como las miles de historias que podemos encontrar dentro de ese magma de seres anónimos que formamos los habitantes de las ciudades y pueblos. Una historia enmarcada en calles, asfalto, teléfonos, edificios, bares, oficinas, coches, ruido. Una historia, como tantas otras, de miedos, tristezas, sueños y pequeñas miserias.

Una historia que, probablemente, no le importa a nadie.

Dudo que mucha gente se sienta identificada con ella, que aprendan algo, que encuentren en ella un referente, un punto de inflexión a través del cual puedan reflexionar sobre sus propias vidas. Con ella no pretendo sentar ningún tipo de cátedra, sólo hablar de algo cotidiano, fútil, banal… incluso trivial si quieren. Y es cotidiano porqué esta historia trata sobre el amor. Y no, no se confundan, no he querido decir que les voy a contar una historia de amor; sólo voy a hablarles del AMOR en mayúsculas. Así de simple. Así de complicado.

Siempre he pensado que el amor es lo más abstracto que existe. Y es así porque se sustenta en las emociones y estas, como bien saben, son tan variadas como los seres humanos que habitamos este planeta. Muchos han intentado racionalizar el amor y no han logrado aportar absolutamente nada para aclarar ese misterio. Muchos han escrito sobre su visión del amor y, simplemente, nos han dejado obras maestras de la subjetividad. Nada es aplicable, nada es generalizable cuando se habla de ese sentimiento. ¿O tal vez si?

El amor se sustenta en dos pilares fundamentales: la pasión y la consecución de un proyecto vital común. Y lo más paradójico es que hay muchas relaciones que subsisten sólo con uno de ellos. Incluso me atrevería a afirmar que muchas lo hacen sin tener ninguno en el que apoyarse. Aunque eso le pasa a una gran parte de la gente, lo cierto es que son necesarios los dos; ambos son los que articulan el nirvana de la felicidad pero, por extraño que parezca, también el infierno del sufrimiento. Lo demás es sólo confundir el amor con otros sentimientos que nada tienen que ver con ello.

Cuando se siente pasión y no existe un proyecto común hablamos de algo tormentoso, del caos más absoluto y desbordante. Es entonces cuando los celos, el deseo, la ira, la necesidad, el desprecio y el dolor articulan una unión que sólo puede perdurar durante una cantidad muy limitada de tiempo. Son aquellas relaciones propias de los que yo defino como yonkies de las  oxitocinas, de esos seres humanos que cargan sus particulares riñoneras de medias verdades, falsas promesas y sueños rotos. Estas relaciones duran hasta que la necesidad desaparece, que no la adicción, y es entonces cuando uno, o los dos al unísono en función del grado de dependencia, van en busca de una nueva dosis, de una nueva vida, de una nueva falsa promesa de rehabilitación.

Existen relaciones pasionales que duran mucho más tiempo. Que se prolongan durante años y años. La historia de la humanidad está llena de ellas. Su esencia es irracional como tantas y tantas cosas en la vida. ¿Por qué nos emocionan canciones en inglés de las que no entendemos la letra? Por qué son capaces de removernos, de evocarnos, de provocar que algún resorte se muevo dentro de nuestro cerebro límbico. Lo mismo pasa con estas relaciones, que funcionan por parámetros que no se pueden explicar ni entender y que resultan difíciles de asimilar incluso para aquellos que están inmersos en ellas. Evidentemente la falta de un proyecto común acaba generando, como no podía ser menos, frustración y dolor. Pocas se perpetúan y las que consiguen hacerlo es, o porqué por fin aparece un camino de baldosas amarillas que nos lleva a un reino mágico, o por qué esas personas logran converger en un desmosoma maravilloso e inexplicable hacia la felicidad. O al menos hacia ese grado limitado de felicidad al que podemos aspirar los seres humanos.

Por un proyecto vital entiendo ese punto de correlación, complementariedad y visión de futuro conjunta que necesita toda relación afectiva. Es reírte de las mismas cosas incomprensibles y poco decentes, soñar con paraísos terrenales, disfrutar de elementos rutinarios que incorporas a tu vida. Es un futuro que deambula por una línea en la que la empatía, la afinidad y la química material, que muchas veces también es emocional, marcan la pauta.

Cuando existe sólo un proyecto vital compartido las cosas son muchos más banales. También más fáciles. Es entonces cuando estamos a gusto, cuando nos encontramos cómodos, cuando nuestra vida es como la de todos: hipoteca, piso, muebles, coches, playa, comuniones, pollas semi erectas, orgasmos fingidos, bendita rutina, calma chicha.

Comodidad, tranquilidad.

Hay personas emocionalmente castradas que necesitan eso.

Hay otras que por miedo e ignorancia nunca aspirarán a nada más. Para ellas la pareja no es más que una cantidad cuantificable y absurda de cosas, hábitos y rutinas que configuran una vida; una existencia. Generalmente se sienten bien ya que están convencidos, de forma no siempre consciente, que eso es la felicidad y lo que uno ha de hacer tener  para convertirse en una persona de bien y socialmente aceptada. Lo triste es que ese autoengaño lo hacemos única y exclusivamente para no estar solos y para  sentirnos supuestamente queridos. Y lo trágico es que en la mayoría de las ocasiones nos creemos nuestras propias mentiras. A fin de cuentas somos animales sociales.

Lo más paradójico de todo es que un proyecto vital, desde el más simple hasta el más complejo,  matizado e incomprensible, requiere de la pasión para funcionar como un todo. Y la pasión se acaba sin un proyecto vital. Así es la vida.

Al principio les he dicho que esta era una historia sencilla y nada especial sobre el amor. Pero su escasa trascendencia no quiere decir que no sea importante. Y lo es por qué la miro desde el egoísmo de mi más absoluta subjetividad e individualidad.  Esta es una historia de pasión y de falta de ella, de proyectos vitales y de la ausencia de ellos. Esta una historia de felicidad y de dolor, de alegría y de tristeza. Una historia que, aunque sea como tantas otras, a todos nos afecta.

LA PIEL QUE HABITO

SINOPSIS: Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el doctor Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ése no será el único crimen que cometerá a lo largo de su vida.

COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver La piel que habito. Almodovar es un director que siempre me ha gustado aunque me provoca sentimientos muy contradictorios; mientras en algunas ocasiones conecto con su particular universo y sus películas llegan a fascinarme, en otras sus historias me irritan y me parecen excesivas y ridículas. Ello, empero, no es óbice para reconocer que su fuerza visual me hipnotiza, que su capacidad para crear momentos inigualables es única en el cine mundial y que en sus películas siempre hay, por malas que sean, momentos sublimes de puro cine.
La Mala educación y Los abrazos rotos me parecieron de lo más flojo de su filmografía. La primera era una película desestructurada donde se intentaban explicar muchas cosas con muy poco acierto; la segunda un absoluto desastre que, pese a su fuerza visual, en muchas ocasiones sobrepasaba la frontera del ridículo. Volver, la cinta que dirigió en medio de las otras dos, aunque era una correcta película, no logró interesarme demasiado. Así, con la vana esperanza de encontrarme con una nueva Todo sobre mi madre o Hable con ella fui al Lauren Universidad a la sesión nocturna.
Y, la verdad, no sé muy bien que decir. ¿Es la piel que habito una genialidad o una inmensa y desmesurada tomadura de pelo? Hacía muchísimos años que no me pasaba algo así al salir de un cine. Y ello no es malo, ya que lo peor que te puede pasar con una película es que te deje indiferente. Pero, de verdad, la perplejidad que me ha dejado la película es tan grande que no se muy bien hacia donde decantarme.
Vayamos por partes. Visualmente la cinta es absolutamente fascinante. Almodovar ha logrado un nivel de madurez como narrador y hacedor de imágenes (y uso el verbo hacer con toda la intención del mundo) sin comparación en el cine mundial. El manchego es un mago con la cámara, un hombre que compone imágenes bellas y fascinantes que, sin por ello perder la capacidad narrativa, resultan completamente hipnóticas. Simplemente viendo como compone los planos, su capacidad para embelesar con las imágenes, como cuida hasta el mínimo detalle en la dirección de actores, uno no puede más que quitarse el sombrero y reconocer su talento. Creo sinceramente que en la piel que habito ha llegado al cenit de su capacidad creativa y la película, en sí misma, es un absoluto espectáculo visual. Ahora bien, el cine también es una historia, un guión, una sucesión de acontecimientos que se desarrollan y culminan en un clímax final. Y ahí, precisamente ahí está el mayor pero.
Y es ahí donde la película va de lo sublime a lo grotesco; de lo genial a lo desmesurado; de lo apasionante a lo absolutamente prescindible. La verdad es que la historia encaja como un mecanismo de relojería y casi todo tiene su lógica dentro de la narración. El problema es que en ningún momento logramos entender las motivaciones de los personajes (¿o tal vez si?), que sus actos carecen de sentido (¿o tal vez no?), que hay personajes y situaciones que sobran (¿O tal vez tengan su sentido dentro de la película?) y que el final es precipitado, ilógico y te deja con una extraña sensación de que al director, en el fondo, le interesaba más componer imágenes que narrar una historia. Repito, la película tiene secuencias brutales y otras ridículas, momentos mágicos y otros estúpidos (toda la parte del brasileño vestido de tigre) y, lo que es más extraño, uno no sabe si la cinta es una maravillosa historia de amor y obsesión o una simple ida de pinza del director manchego.
Por otra parte los actores están extraordinarios (mira que no me gusta nada Marisa Paredes, pero he de reconocer que está sublime), que la escenografía es genial y que todo funciona como un mecanismo de relojería y que los primeros 45 minutos son excelentes, pero….
En fin, no sé si he aclarado nada o he creado más confusión. Véanla y opinen ustedes mismo. Dos acotaciones. Vayan a verla sin saber absolutamente nada del argumento. Y una última cosa: no se si sólo me pasa a mí, pero Almodovar cada día me recuerda más a Fassbinder.

LO MEJOR: Su fuerza visual. Increíble
LO PEOR: No se si la historia es genial o un despropósito mayúsculo.

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GUTTERBALLS

SINOPSIS: Dos grupos de jóvenes se enfrentan en una bolera y deciden retarse a una partida nocturna de bolos. Esa misma noche, una de las chicas de un grupo es salvajemente violada. A la noche siguiente empieza la partida y un misterioso jugador que responde a las siglas BBK decide entrar en el juego asesinando cruel y sanguinariamente a todos su rivales en lo que parece un acto de calculada venganza.

COMENTARIO: En los últimos años desde los Estados Unidos nos están llegando una serie de producciones de terror de bajísimo presupuesto en las que los directores y realizadores se dejan llevar por su enfermiza imaginación, creando productos locos, desmadrados, divertidos y, porque no decirlo, sin pies ni cabeza. Son películas baratas, con actores semi amateurs, pensadas para la distribución directa en videoclubs y creadas para los fans más frikis del cine de terror.
Gutterbals sería un buen ejemplo de ello. Su realizador Ryan Nicholson, un experto en maquillaje, nos ofrece una mezcla de cine de rape and vengance (chicas violadas salvajemente que se vengan) y slasher en el que el desmadre es la nota dominante. Aquí el malo es un tipo que lleva por máscara una bolsa para guardar bolos (absolutamente cierto) y mata con todo tipo de objetos sacados de una bolera. Obviamente las muertes son brutales (por poner un ejemplo, a una pareja los ahoga mientras practican un 69) y sangrientas, los efectos convincentes, hay desnudos gratuitos a manta y la locura e incoherencia campa a sus anchas. Como obviamente la lógica del guión es lo de menos, se improvisa un final embarullado que no hay Cristo que enienda y todos felices.
Una película con su parte divertida, pero sólo recomendada a los amantes de este tipo de cine o a todos aquellos que busquen algo diferente. Y lo que decimos siempre: abstenerse estómagos sensibles.

LO MEJOR: Su absoluta y total falta de vergüenza
LO PEOR: Por destacar algo entre todo lo malo, los actores son pésimos.

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¿ES EL CINE EN TRES DIMNSIONES UNA TOMADURA DE PELO?

Antes de cualquier otra contingencia quiero pedir disculpas por un titular tan explícito como este. Pero es que no se me ocurría otra forma de encabezar un artículo de opinión en el que, como haré a continuación, daré mi particular opinión sobre el fenómeno de las tres dimensiones que se ha puesto tan de moda a partir del apoteósico éxito de Avatar. Y es que no hay que ser muy avispado para darse cuenta de que tras esta tendencia no hay más que una soberana y monumental campaña de marketing. Hace unas meses decidí ir al cine Bosque de Barcelona a ver El sicario de Dios. Mi idea era visionar una cinta de ciencia ficción, basada en un prestigioso cómic coreano y con la que, siendo consciente de que no era ni mucho menos una obra maestra, esperaba pasar al menos una hora y media de entretenimiento y evasión. Vamos, exactamente lo que yo necesitaba en aquellos momentos.
Cuál fue mi sorpresa al llegar a taquilla y comprobar que la película sólo se proyectaba en tres dimensiones. Aunque era Miércoles, día del espectador, la entrada me costó mis buenos 8 euros, tres más de lo habitual. Como no llevaba gafas, tuve que desembolsar un euro más para poder ver la película en condiciones. En resumen: nueve euros para ver una cinta de presupuesto medio, calidad más que dudosa y que sólo me iba a proporcionar sano entretenimiento. Y afortunadamente no me gustan las palomitas.
La película era exactamente lo que esperaba, un espectáculo inocuo que se olvida tan rápidamente como se consume. El gran problema es que las tres dimensiones no servían ni aportaban absolutamente nada; ¡Pero nada de nada! Lo más triste es que esto me ha pasado con la inmensa mayoría de cintas que he visto en este formato. Airbender, Thor, Torrente 4 o Furia de Titanes son cintas a las que el nuevo formato ni mejora ni empeora, films que estaban pensados y planificados para ser proyectadas en dos dimensiones y a las que la moda y la codicia de los productores han transformado en un espectáculo tan vacuo como caro para el espectador. Y dejo de lado el tema de la animación para niños, porque eso sería para dar de comer a parte (me da algo cada vez que pienso que me dejé, entre entradas, palomitas y Coca Colas, treinta euros para ver un bodrio tan infumable como el Oso Yogui ¡Lo que hay que hacer por los hijos!).
En estos tres años en los que las tres dimensiones se han normalizado en nuestras carteleras, sólo he visto dos títulos en los que no me he sentido timado o estafado: Avatar y San Valentín sangriento. Mientras la primera era una cinta pensada, planificada y filmada en función de ese formato, y eso se nota, la segunda era una serie B de terror que al menos lograba epatar al espectador con las 3D. En el resto de los casos su utilización era absolutamente prescindible.
En los años ochenta se pusieron brevemente de moda las tres dimensiones. Les hablo de aquellos tiempos en los que las gafas no eran esas lentes polarizadas de plástico que no dan ahora, sino unas cutreces de cartón blando con unas lentes configuradas por sendos celofanes de color rojo y azul. Recuerdo que la primera película que vi en ese formato fue la tercera parte de Viernes 13. A ella les siguieron un par de producciones terroríficas de bajo presupuesto cuyo título no recuerdo, y la cuarta parte de la saga Emmanuelle protagonizada por Sylvia Kristel. Fue una moda efímera y muy pronto desapareció por completo de las pantallas. A partir de ese momento las tres dimensiones se convirtieron más en una atracción de feria que en otra cosa. Los cines Imax o determinados parques de atracciones temáticos fueron los únicos que siguienron creyendo en un formato cuya producción era eminentemente documental.
Y llego Avatar. Y todo cambio.
Personalmente considero que esto no es más que una moda. Estoy seguro que con el tiempo las cosas se regularán y que, aunque el formato tendrá una presencia más o menos continuada en los cines, esta se limitará a películas en las que las tres dimensiones tengan algún sentido; ya sea como elemento narrativo, ya sea como estrategia para potenciar un espectáculo que despierte la curiosidad de los espectadores. Como ejemplo de esto último tenemos el enorme éxito que está cosechando en toda asía Sex and Zen, una película de corte erótico donde las 3D se limitan a potenciar los atractivos que, a priori, tienen las cintas pertenecientes a este género.
Por lo que a mí respecta, me retiro de las 3D hasta que no tenga la garantía de que el producto merece realmente los 11 euros que tengo que desembolsar por el. Vamos, que no me toman más el pelo con películas de medio pelo cuyo formato ha sido modificado rápido, mal y en sabe Dios que laboratorio cinematográfico de la India. Por ello durante todo el verano me he negado a ver una película en ese formato. Y mira que han estrenado unas cuantas.
Y es que no todo vale con tal de acercar a los espectadores a las salas.

CONAN EL BÁRBARO

SINOPSIS: Las hazañas de Conan en la Era Hiboria nos muestran una búsqueda que comienza como una vendetta personal para el feroz guerrero cimmerio no tardará en convertirse en una épica batalla que lo enfrentará a descomunales rivales y horrendos monstruos. Contra toda esperanza de victoria, Conan se dará cuenta de que es la única posibilidad de salvación de las grandes naciones de Hiboria frente a la invasión de un mal sobrenatural.

COMENTARIO: En 1980, con 10 años, yo ya era un flipado de los cómics. Aunque mis favoritos eran Mortadelo y Spiderman, gracias a mi cuñado Manolo descubrí las increíbles aventuras de Conan el Bárbaro. Por ello cuando en 1982 se anunció el estreno de una película que adaptaba las aventuras del personaje, no dude en darle el coñazo a mi padre hasta que logré que me llevara al cine. Fue un sábado a la sesión de las cuatro y la sala escogida era el ya extinto cine Paladium de Barcelona. Cuando llegamos a la taquilla y mi padre vio que la película era autorizada para mayores de 16 años, lo primero que preguntó, en su bendita inocencia, fue si yo, un crio de 12 años, podía entrar. Le dijeron que acompañado sí. Las dos horas siguientes fueron simplemente alucinantes y aquella tarde se convirtió en uno de los recuerdos más bonitos que viví junto a mi padre y probablemente el día que descubrí lo mucho que me gustaba el cine.
Con los años vi muchas veces más el Conan de Schwarzenegger y ya con más criterio, fui capaz de descubrir que la película de John Milius, con todos sus defectos, era un gran film y una obra que pasaría a la historia del cine. Posteriormente llego una secuela más floja pero digna como Conan el destructor y una infame cinta llamada Red Sonja que es mejor olvidar. Es curioso que aunque el personaje seguía vendiendo novelas, cómics y aumentaba su popularidad, ninguna productora se había atrevido a llevarlo de nuevo al cine. ¿La sombra de Schwarzenegger era muy alargada? ¿La filosofía del personaje creado por Robert E. Howard no se adecuaba a los nuevos tiempos de corrección política? ¿Se esperaban tiempos mejores? Qui lo sa.
Lo cierto es que en 2011 ha llegado la esperada película y, al menos para mí, ha representado una pequeña decepción. Hay que reconocerle a la cinta una gran honestidad, ya que en todo momento tiene claro que su propuesta va encaminada a ofrecerles a los espectadores acción y violencia. Además la película es fiel al personaje y perfectamente podría ser uno de esos cómics guionizados por Roy Thomas y dibujados por John Buscema que tan buenos ratos nos han hecho pasar a algunos. Y es que no falta de nada: brujas, monstruos, guerreros, tetas, violencia, piratas… Pero a pesar de todo ello uno sale del cine con un regusto amargo ante un producto que podía haber sido muy grande y se ha quedado en una digna serie B de 90 millones de presupuesto.
Lamentablemente estamos ante un film menor, delante una cinta que respeta las esencias del personaje y sólo pretende entretener. Y eso que ni Jason Momoa está mal como cimeriano, ni Marcus Nispel se desenvuelve mal en la dirección ni la cinta aburre. Ahora, se nota, y mucho, que el guión es flojísimo, que los efectos son tirando a cutrones y que, en el fondo, los productores nunca han creído demasiado en el film.
Vamos, para pasar dos horas la mar de entretenidas y nada más.

LO MEJOR: Su falta de pretensiones.
LO PEOR: El guión es flojito, flojito.

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CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR

SINOPSIS: Dr. Abraham Erskine es un científico que trabaja en el Proyecto Renacimiento: por medio de un suero experimental, podrá crear súper soldados que lucharán contra los nazis. Steve Rogers se ofrecerá como voluntario para probarlo, convirtiéndose entonces en el Capitán América, y se unirá a Bucky Barnes y Peggy Carter para combatir a la organización Hydra, dirigida por el villano Cráneo Rojo.

COMENTARIO: Tras Iron Man y Thor, ha llegado el momento de que el Capitán América, el tercero de los grandes vengadores, tenga su propia película. Creado en 1941 para la editorial Timely por los autores Joe Simon y Jack Kirby, la función inicial del personaje era servir como propaganda patriótica para concienciar a los norteamericanos sobre los peligros de la Alemania nazi. Su éxito fue tan grande que ya en 1944 se creó un serial cinematográfico protagonizado por el personaje. Tras la II Guerra Mundial y con el auge de los cómics de terror y suspense, el personaje desapareció de circulación y poco a poco fue cayendo en el olvido. No sería hasta 1964 cuando el avispado Stan Lee lo rescataría para la serie de Los Vengadores y le volvería a otorgar una aureolo de héroe mítico que, con los correspondientes altibajos, no ha perdido hasta la fecha.

Antes del estreno de los Vengadores, la que será la gran película del verano del 2012, era necesario presentar en sociedad a este Capitán América al que ya habíamos visto en la gran pantalla en el serial comentado y en una película de 1990 dirigida por el iniutil de Albert Pyun y de la que es mejor correr un tupido velo. Y la forma más lógica de hacerlo es retrotrayéndonos al pasado del personaje y ofreciendo una aventura enmarcada en los tiempos de la II Guerra Mundial. Vamos, que lo que los autores han intentado hacer es recrear la filosofía argumental de las hazañas bélicas adaptándolas a los nuevos tiempos y tamizándolas con un argumento pensado para todos los públicos. Tal vez por ello el resultado ha sido francamente irregular.
El Capitán América no es ni una película bélica pensada para adultos ni un entretenimiento veraniego disfrutable para todos los públicos; es más bien un híbrido que se queda en tierra de nadie y que no acaba de tirar hacia ninguna dirección.
Nada que achacar ni al diseño de producción (excelente), ni a los actores (inmaculados) ni a los apartados técnicos (perfectos), pero si a un guión que tras una primera media hora modélica, deambula por tierra de nadie en una historia confusa, abigarrada y, en algunos momentos, tediosa. Da la sensación de que la cosa nunca termina de arrancar y que el director Joe Johnston, que hace una labor correcta, no sabe muy bien que hacer con el material del que dispone. Una verdadera lástima ya que todo podría haber dado mucho juego si se hubiera sabido concretar más la acción.
Una película que se mueve en el camino de en medio y que incluso en taquilla se ha quedado en una mediocre tierra de nadie.

LO MEJOR: la primera media hora; el diseño de producción.
LO PEOR: Su absoluta indefinición

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EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

SINOPSIS: En la película, un científico trabaja en una cura para el Alzheimer que está siendo probada en monos. Una de estas criaturas es César, cuya inteligencia evoluciona de forma rápida y al que el protagonista de la historia lleva a su hogar para protegerlo de la crueldad de algunos de sus colegas. Pero algo sale mal y el simio se ve encerrado en un centro de confinamiento. A partir de ahí todo cambiará.

COMENTARIO: El origen del planeta de los simios es una de las grandes sorpresas de la temporada. Sin hacer demasiado ruido, con un presupuesto ajustado para los tiempos que corren (98 millones de dólares), sin demasiadas estrellas en su reparto y con una dignidad y honestidad fuera de toda duda, sus responsables han logrado hacer una película brillante de esas que perduran en la memoria y que, con toda probabilidad, entrará a formar parte de lo mejor del cine fantástico de inicios de siglo. Pero vayamos por partes.
El planeta de los simios de 1968 fue una de las películas que marcó a muchas generaciones de espectadores y que empezó a instaurar ese concepto de ciencia ficción para adultos que tan buenos frutos dio en la década de los setenta. Todavía somos muchos los que recordamos la emoción que nos deparó la imagen de Charlton Heston delante de una estatua de la libertad semi destruida. Dos años después se estrenó una secuela titulada Regreso al planeta de los simios, en el que se intenta dar una explicación a todo lo visto anteriormente. Aunque la cinta no está mal (es bastante recuperable), lo cierto es que no llega a las cotas de excelencia de la primera. Un año después se estrena Huida del planeta de los simios, un film mediocre y ambientado en el que dos simios vuelven al pasado (nuestro presente) para encontrarse con la intolerancia y mezquindad de los hombres. La conquista del planeta de los simios (1973) sería la última película de la saga. Aquí ya hablamos directamente de una serie B con factura televisiva que no aporta absolutamente nada y carece por completo e interés. Sería la última y las aventuras de los simios continuarían en una serie de TV estrenada en 1974 y que se prolongó durante 14 capítulos. Aunque yo la vi en mi más tierna infancia, lo cierto es que me veo incapaz a formular una opinión medianamente coherente sobre ella. Por cierto, en el año 2001 el sobrevalorado Tim Burton dirigió un espantoso remake del que es mejor correr un tupido velo.
El caso es que en el año 2011 nos encontramos con un remake más que digno que está casi a la altura de la primera película de la saga. El guión de Rick Jaffa y Amanda Silver funciona como un mecanismo de relojería y todo está medido hasta el último detalle. Por un lado saben enlazar perfectamente los acontecimientos narrados en la versión de 1968 con un punto de vista actual y moderno sobre el maltrato a determinadas especies animales y la codicia del ser humano por sacar provecho económico al progreso; por otro encontramos una historia coherente que evoluciona de forma magistral y en la que todo encaja a la perfección. A este respecto destacar lo bien narrada que está la estancia de Cesar en el centro de internamiento y la forma como visualizamos que este cambia al constatar que la crueldad de los humanos va mucho más lejos de lo que nunca hubiera imaginado. Por otra parte la realización, pausada y sabiendo destacar los elementos más importantes, es modélica y en ningún momento tenemos la impresión de que nada sobra. El director se toma su tiempo para explicar la historia y lo hace en el ritmo justo y siguiendo los tiempos narrativos.
Por cierto, la actuación de Andy Serkis como César merecería como mínimo una nominación al mejor actor secundario.
Una película intensas, entretenida, que nos provoca una reflexión sobre determinados comportamientos de los seres humanos y que, además, funciona bien como parábola de ciencia ficción. Lo dicho, una de las sorpresas del verano.

LO MEJOR: Un guión excepcional; unos efectos increíbles; un ritmo adecuado.
LO PEOR: Por decir algo, alguna pequeñita laguna en el guión.

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BLACK EVIL DOLL

SINOPSIS: Un psicópata negro perteneciente a un grupo activista de los setenta es asesinado en la silla eléctrica. Su alma viaja hasta el muñeco de ventrílocuo de una chica con la que empieza una relación. No satisfecho sólo con ella, el muñeco le pide que invite a sus cuatro amigas a una fiesta con las que tendrá una orgía de sangre y sexo.

COMENTARIO: A muchos de los que no estén metidos en el mundillo de la Serie B o el cine de explotación, le costará mucho creer que se puedan llegar a hacer películas como esta. Pero existen y cualquiera con un mínimo de curiosidad se la puede descargar de la red con unos subtítulos latinos realmente infumables y disfrutar/sufrir (táchese el que proceda) de una de las mayores idas de pinza que este cronista ha visto en mucho tiempo.
Y es que la historia es una versión cutre y afro de el célebre Muñeco diabólico (y secuelas) que en 1988 dirigió Tom Holland. Aquí en lugar de a Chucky tenemos a un negro activista mal hablado (dice tacos para dar y vender) y salido, cuya única pasión es cepillarse y asesinar a rubias tetudas. El argumento es absolutamente demencial y nada tiene ningún sentido; los actores son lo peor visto jamás en una pantalla (Dios sabe de que puticlub de carretera han sacado a las chicas protagonistas), los efectos cutres hasta decir basta (las animaciones del muñeco dan risa) y hay momentos tan absolutamente surrealistas (las cuatro chicas lavando el coche) que uno ha de frotarse los ojos para comprobar que no está soñando.
Evidentemente esta no es una película para tomarse en serio; algo que ni sus propios responsables hacen. Este es simplemente un gamberro entretenimiento para alguien que se quiera echar unas risas, ver cuatro tetas, algo de sangre y dos o tres chistes malos. Contemplar la película significa recuperar el espíritu del cine de explotación más canalla, de ese que inundo los videoclubs y los cines de barrio durante los setenta y principios de los ochenta y que a algunos nos hizo amar el cine; todo el cine. Y eso es lo que buscaban sus creadores. Ni más ni menos.
Para curiosos y fanáticos de las rarezas.

LO MEJOR: No se toma en serio a si misma.
LO PEOR: Es imposible tomársela en serio..

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HATCHET 2

SINOPSIS: Después de conseguir escapar del asesino Victor Crowley, Marybeth decide ir hasta la ciudad para conocer la verdad sobre el fantasma del pantano. Una vez ahí, con la ayuda de un grupo de hombres armados se dirige de nuevo hacia el pantano embrujado en compañía de su tío Bob con el fin de buscar venganza por la muerte de su familia y eliminar a Crowley de una vez por todas.

COMENTARIO: Secuela de una de los slasher más aclamados de los últimos años. Con el director y guionista Adam Green de nuevo al frente, la película retoma la historia justo donde se había quedado la primera y esta vez nos ofrece un espectáculo en el que el suspense y las gotas de terror de la primera parte quedan diluidas en pro de una mayor carga de violencia y gore. De hecho la cinta fue censurada en muchos países y a través de la red se puede lograr una versión uncut en la que se puede apreciar con toda la solvencia los efectos más gore.
Como suele pasar con este tipo de productos, ni la historia es demasiado elaborada ni los personajes están muy bien definidos. El guionista se plantea una mínima anécdota, nos ofrece más `personajes a descuartizar u ofrece un espectáculo de violencia implacable que es, a fin de cuentas, lo que el público demandaba.
A los aficionados al género les dejará satisfechos ya que ofrece lo que promete: sangre y violencia por un tubo. El resto, pues yo les recomendaría abstenerse.
LO MEJOR: Ofrece exactamente lo que promete
LO PEOR: La originalidad brilla por su ausencia.

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HATCHET

SINOPSIS: Esta es la historia de Victor Crownley, un hombre profundamente deformado que, tras ser agredido por unos muchachos, muere accidentalmente por un hachazo que le propina su padre. La culpa y la pena hacen que su progenitor fallezca y este regrese convertido en fantasma. A partir de ahí, sus víctimas potenciales será cualquier grupo de turistas incautos que se acerquen por la zona de los viejos lagos de Lousiana. Como los jóvenes que e apuntan a una excursión nocturna ilegal.

COMENTARIO: Por esas cosas de la distribución, hay películas que nunca llegan a nuestras carteleras o videoclubs y que uno no tiene más remedio que descargarse. Eso pasa con mucho cine oriental o con películas de terror de las que todo el mundo habla pero que, desgraciadamente, muy pocos tienen ocasión de ver.
Desde su pase en el Festival de Sitges, tenía muchas ganas de ver Hatchet. Los que la pudieron ver decían que se trataba de uno de los slasher (películas de asesino en serie que acaba con un grupo de personas de las formas más brutales; en la línea de Viernes 13) más originales y burros de los últimos tiempos. Y hombre, ¡que quieren que les diga!: si bien el planteamiento inicial (el asesino es de origen sobrenatural) y la ambientación (los inquietantes pantanos de Lousiana) si aportan algo de aire fresco al género, lo demás es algo cien veces visto. Jóvenes descerebrados perseguidos por un matarife que va acabando con ellos de las formas más burras y salvajes posible. Si, la película es muy, muy gore y tiene muertes super originales; pero tampoco es para tanto. Eso si, el director no se lo toma demasiado en serio y en sus menos de ochenta minutos de duración nos ofrece un espectáculo bizarro apto sólo para amantes del gore o para los que disfruten con este tipo de productos.

LO MEJOR: No se anda con chiquitas: es muy gore.
LO PEOR: En el fondo es más de lo mismo.

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TEMPLARIO

SINOPSIS: Corre el año 1215. El rey Juan I de Inglaterra se ha visto obligado a firmar la Carta Magna. Furioso, recluta un despiadado ejército de mercenarios que empieza a arrasar el país para restaurar la monarquía absoluta. Tan solo un grupo de caballeros reunidos por el barón Abany y atrincherados en el castillo de Rochester se interpone entre él y la victoria. Junto a ellos, Marshall, un caballero templario atormentado por la culpa ante las atrocidades que cometió durante las cruzadas, y unos mercenarios entre los que se encuentran Beckett y el joven Guy.

COMENTARIO: Hay que reconocerles a los ingleses que, desde el punto de vistas cinematográfico, están haciendo las cosas francamente bien. En los últimos años están sabiendo asentar una industria que, mediante presupuestos medios, está abarcando todo un ramillete de géneros y llegando a audiencias de todo el mundo. Hoy en día el cine realizado en las islas no sólo se distingue por las adaptaciones literarias o las historias de denuncia social, sino que está abarcando una buena cantidad de géneros que demuestran cierto tipo de inquietudes en sus realizadores. Templario sería el último ejemplo.
Como sucedía con la excelente Centurión de Neil Marshall, en la película se coge un acontecimiento histórico, el asalto al castillo de Rochester por parte de Juan I de Inglaterra, para narrar una epopeya hiperviolenta y muy entretenida en la que veinte hombres han de hacer frente durante tres meses al asalto conjunto de las tropas del rey y un nutrido grupo de mercenarios daneses. Al frente de la resistencia nos encontramos a un templario con problemas de fe que es el gran protagonista de la cinta.
El realizador es consciente de que el material que tiene en sus manos no da mucho de si. Por ello, tras esbozar ligeramente la trama, nos ofrece un aluvión de secuencias de batalla francamente bien filmadas y plagadas de violencia. No, no le pidamos a la cinta profundidad psicológica ni unos personajes bien trazados. Aquí lo que interesa es filmar la acción pura y dura y ofrecer una historia que, aunque ambientada en la edad media, bien pudiera haber sido un western.
Los cinéfilos exigentes nos quedamos con ganas de saber más sobre la historia y nos sobre el romance entre James Purefoy y Kate Mara (una actriz limitadita, todo sea dicho). Pero tampoco es tan importante. El film es un digno entretenimiento al que su ajustado presupuesto (francamente se nota que el dinero no sobraba) no impide que pasemos dos horas en el cine la mar de entretenidas. Una película correcta.

LO MEJOR: Las secuencias de batalla. Espectaculares
LO PEOR: El desarrollo es muy superficial.

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LOS PITUFOS

SINOPSIS: El malvado brujo Gargamel persigue a los pitufos fuera de su poblado y a través de un portal mágico llegan a nuestro mundo, en concreto al Central Park de Nueva York. Los pequeños seres azules deberán encontrar el camino a casa antes de que el malvado Gargamel los encuentre. Para lograrlo les ayudará un publicista que está a punto de ser padre.

COMENTARIO: Y es que no aprenderé nunca. A mi favor diré que prácticamente me vi obligado a ver la película (es lo que tiene tener un niño de seis años) y que si de mi hubiera dependido ni se me hubiera ocurrido pagar los ocho euros que cuesta una entrada dominical. Pero es que después del bodrio del Oso Yogui (una de las peores películas de la historia del cine) y de lo poco prometedor que resultaba el tráiler, meterme en una sala para ver Los Pitufos era algo que me apetecía más bien poco.
Y lo peor es que mis sospechas eran absolutamente fundadas. La película es espantosa, absurda, estúpida, irritante, imbécil hasta la nausea y que por no gustar, no gustaba ni a los propios niños. Y lo digo con fundamento: en muchos pasajes de la cinta los a los peques se les notaba cansados y aburridos cual ostras del pacífico.
Si Peyo levantara la cabeza, el pobre hombre a buen seguro volvería a la tumba y se preguntaría que coño han hecho con su creación más famosa. Porqué si, los pitufos, aunque la mayoría de la gente los recuerde por la serie de animación, son unos personajes de cómic creados en 1958 por el dibujante belga Pierre Culliford (que firmaba como Peyo) como secundarios para el álbum “La flauta de los seis agujeros” protagonizadas por Johan y Pirluit, Durante los primeros años de su existencia los pitufos dieron auténticas obras maestras del noveno arte como “La Pitufita” o “Los pitufos negros” para, con el tiempo, caer en una progresiva decadencia artística que, curiosamente, coincidió con su apogeo mediático. Su actual popularidad (son un claro referente de la cultura popular) ha propiciado que llegará a las pantallas esta adaptación cinematográfica que comentaré brevemente.
Una de las cosas que llamaba la atención en la sala de cine en la que vi la película fue constatar que, además de la chavalería, había bastantes parejitas de entre veinte y treinta años. Todas ellas estaban cortadas por el mismo patrón: chicas con cara de ilusionadas ya que iban a rememorar una parte de su infancia (y es que la nostalgia vende) que ya no volverá; y chicos con cara de resignados y pensando que, aunque se tengan que tragar esa tontería de película, su gesto sensible y comprensivo es premiado con un polvete dominguero. En fin, divagaciones aparte, lo cierto es que el ambiente era muy variado y que ello se debía probablemente a que en la campaña de marketing (que ha costado más de 90 millones de dólares) se ha intentado vender la película como un producto familiar para todos los públicos. Pues nada de nada. La película es una castaña infumable.
Para empezar los guionistas llevan a los pitufos a Manhattan para que se codeen con los humanos. No contestos con ello los involucran con personajes ridículos, en situaciones absurdas y sin tener en ningún momento conciencia de que los espectadores tenemos algo llamado inteligencia; no mucha es verdad, pero algo sí. Lo dicho, una película ridícula que nos vende unos valores familiares rancios, con unos actores lamentables (Hank Hazaria como Gargamel da una lección de lo que significa la palabra sobreactuación) y una historia indigna de la trayectoria de los personajes. Y por si fuera poco, está es la película donde más publicidad indirecta he visto en mi vida. Vamos que en algunos momentos parecía más un capítulo de Médico de Familia que otra cosa.
Si con productos como este se quiere acercar a los niños al mundo del cómic, la verdad es que lo llevamos claro. Y es que no todo vale en esto del Show Business. Un fraude en toda línea de la que no se salva nada.

LO MEJOR: Nada
LO PEOR: Todo

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Making OF 81

Ha salido al mercado la Revista Making Of 81. Entre sus contenidos encontramos:

Artículos

-Enredados
por Daniel Álvarez de Moll

- 23-F: La película
por Daniel Álvarez de Moll

-Bajarse al moro
por Josep Martínez Ollé

-La psicopatía en el cine. Análisis del mal en distintos filmes
por Ruth Estrada Nicolás, Laura Nuño Gómez y Adolfo Jarne Esparcia

Retrato
-Johnny Depp

Fichas educativas
- Rio
- El viaje de Jane
- No tengas miedo
- El árbol
- Kung Fu Panda 2
- Confucio

Cortometraje
- Deus Ex Machina

Libros de cine
DVDs
BSOs
Webs

Guía didáctica
- Pan negro

Más informacióne a web de Making Of

GREEN LANTERN

SINOPSIS: En un universo tan amplio como misterioso, ha existido durante siglos una poderosa unidad de élite. Protectores de la paz y la justicia, esta unidad recibe el nombre de Cuerpo de Green Lanterns, una hermandad de guerrilleros que han jurado mantener el orden intergaláctico. Cada Green Lantern lleva un anillo que le confiere el poder de crear todo lo que su mente pueda imaginar, pero cuando un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el equilibrio de la energía del Universo, su destino y el de la Tierra caen en manos de su miembro más reciente, el primer humano del Cuerpo: Hal Jordan (Ryan Reynolds). Hal es un intrépido piloto de pruebas con talento y engreído, pero los Green Lantern respetan poco a los humanos, quienes nunca antes habían usado los infinitos poderes del anillo. Sin embargo, la humanidad de Hal es un arma que ningún miembro del Cuerpo había tenido nunca, y si consigue controlar sus nuevos poderes y encontrar el valor para superar sus miedos, es posible que demuestre que no sólo es el único que puede derrotar a Parallax, sino también el único que puede salvar la tierra.

COMENTARIO: Llevaba esperando mucho tiempo la adaptación al mundo del cómic del superhéroes Linterna Verde. Los que me conocen ya saben que con esto de los cómics son un friki irredento. No sólo he visto todas las adaptaciones que se han hecho del mundo del cómic a la gran pantalla sino que además las colecciono: ¡Y originales! (que lo rompo oiga). El caso es que aunque uno es más fan de Marvel que de DC (para los neófitos decir que son las principales editoriales estadounidenses dedicadas al cómic de superhéroes: los primeros publican a Spiderman, Vengadores y Patrulla X y los segundos a Batman y Superman), últimamente sigo las colecciones de Linterna Verde desde que las guioniza Geoff Johns. Y es que este talentoso escritor es el que ha logrado que un segundón como linterna se alce a los primeros puestos de venta y, tal vez por ello, que los estudios de Hollywood se interesaran por el personaje.
La película se lleva vendiendo desde hace un año como una superproducción en la que no se han escatimado gastos. 200 millones de presupuesto, un director competente como Martin Campbell y unos actores que, si bien no son super estrellas, si ofrecen a priori garantías de éxito. Pues con todo ello, mi gozo se ha quedado en un pozo. La película es un truño infecto, indigna del personaje y que no puede gustar ni a los fans del personaje ni al público en general. Vamos, un espanto que ha fracasado en taquilla y de la que nadie habla bien.
El principal problema de la película es el guión. Un personaje de perfil cósmico como este ha de moverse en su medio natural e interactuar a partir de unos códigos determinados. El problema es que aquí no es ni chicha ni limoná; si que se nos muestra el planeta de los lanterns y las relaciones entre sus guerreros, pero se hace de un modo tan simple y superficial que uno no acaba de entender nada. Vamos, que el guión lo resume de la siguiente manera: el personaje recibe el anillo, va al planeta, se deja ostiar por unos extraterrestres, se pelea con su líder y de vuelta a la tierra. El resto son diálogos insoportables, algo de acción, poca, y un final pretendidamente espectacular que no lo es tanto.
Y el caso es que el realizador filma bien, pero el guión es tan malo, los personajes tan arquetípicos, los diálogos tan insulso y pesados y el protagonista tiene tan poco carisma (Y mira que Ryan Reynolds estaba bien el Burried) que todo se hace insufrible. Y es que ni siquiera se salvan algunos secundarios pretendidamente cómicos que, francamente, dan más pena que otra cosa.
Una castaña infumable. Ni espectacularidad, ni odisea cósmica, ni situaciones interesantes. Nada de nada. Sólo un producto insulso del que nadie se acordará dentro de un año. Y es que eso es lo que pasa cuando los productores se piensan que los espectadores somos tontos.

LO MEJOR: Algunos efectos especiales
LO PEOR: Todo lo demás.

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HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE 2

SINOPSIS: Tras Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte I, llega la segunda parte de la batalla final entre las fuerzas del bien y el mal. El juego nunca ha sido tan peligroso y nadie está a salvo. Se acerca el momento de la confrontación final entre Harry Potter y lord Voldemort. Todo termina aquí…

COMENTARIO: En el año 2001 llegaba a las pantallas de todo el mundo Harry Potter y la piedra Filosofal, primera de las adaptaciones cinematográficas de la famosa saga de libros creada por J.K.Rowling centradas en las aventuras de un joven mago. La popularidad de los libros propició que la película arrasara en las taquillas de todo el mundo y diera pie a la adaptación de los siete volúmenes que la escritora británica tenía pensados escribir sobre Potter. Diez años después llega hasta las carteleras la última de las películas, la que cierra la saga y finaliza una de la aventuras cinematográficas más bien planteadas de la historia del cine.
Ya comenté en su momento que me parecía un error dividir el último libro en dos partes. Si bien la estructura original del libro podía dar pie a ello, lo cierto es que la trama de Harry Potter y las reliquias de la muerte I era una película pesada, incomprensible para quien no había leído el libro y con una trama estirada como un chicle. Una pequeña decepción que, afortunadamente, se ha visto subsanada en la película que aquí comentamos.
Harry Potter y las reliquias de la muerte II es una excelente forma de acabar con la saga. Aquí los guionistas se dejan de rollos y van directamente al grano para cerrar la trama de una forma coherente, hacer que los personajes actúen de una forma coherente y hacer una gran aventura que te engancha desde el primer minuto y te deja con un agradable sabor de boca. Por primera vez el realizador David Yates, el más flojo de la saga y el que más títulos ha dirigido, se pone las pilas y nos ofrece un espectáculo digno del personaje y que gustará por igual a los seguidores de la saga literaria (como yo) y a los que buscan un entretenimiento digno. Una muestra de ello es que aunque muchos sabíamos cual era el resultado final, la cinta era capa de emocionarnos y mantenernos pegados a la butaca.
Tal vez uno de los mayores aciertos de la saga ha sido su casting. Aquí todos funcionan como un mecanismo de relojería y saben explotar sus roles de una forma inteligente. Evidentemente todo el protagonismo recae en Potter, pero no por ello los personajes que hemos amado dejan de tener su espacio.
Yuna extraordinaria forma de acabar una de las sagas más importantes de la historia del cine.

LO MEJOR: Le da un final más que digno a la saga.
LO PEOR: El prólogo final, francamente ridículo.


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RESACON 2: AHORA EN TAILANDIA

SINOPSIS: Phil, Stu, Alan y Doug viajan a la exótica Tailandia para asistir a la boda de Stu. Después de la inolvidable despedida de soltero en Las Vegas, Stu no quiere asumir ningún riesgo y ha decidido ofrecer un almuerzo tranquilo y contenido antes de la boda. No obstante, las cosas no siempre salen como está previsto. Quizás lo que ocurre en Las Vegas se queda en Las Vegas, pero uno ni siquiera puede imaginar lo que sucederá en Bangkok.

COMENTARIO: En los últimos años, la comedia norteamericana esté explotando una sanísima tendencia hacia lo políticamente incorrecto como hacía tiempo que no recordaba. De este fenómeno es parcialmente culpable el director y productor Judd Apatow que gracias al éxito de Virgen a los cuarenta, supo insuflar un soplo de aire fresco a un género que se estaba estancando gracias a las memeces protagonizadas por la insoportable Cameron Diaz, la irritante Jennifer Aniston o el cara cartón de Hugh Grant. Films como Supersalidos o Resacón en Las Vegas serían las obras cumbres de esta particular escuela.
Dos años después del primer resacón nos llega la secuela con los mismos responsables en la dirección y el guión. Muy probablemente los más 450 millones de dólares recaudados en todo el mundo propiciaron que la secuela llegara a los cines mucho antes y que se intentara por todos los medios tocar lo menos posible del reparto original.
El resultado, digámoslo ya, es una de las películas más divertidas, delirantes y burras que he tenido ocasión de ver. Aunque hay que reconocer que el argumento es muy poco original (la trama es la misma y simplemente se cambia de localización y de personaje al que buscar), la cinta es un no parar desde el principio hasta el final. Aquí todo es más excesivo, más salvaje, más iconoclasta. Se nota, y mucho, que los actores se sienten muy cómodos en su papel y que exprimen sus personajes hasta el límite. Hay diálogos memorables (la reflexión sobre el mono y las mamadas que pronuncia Zach Galifianakis es acojonante por lúcida y por absurda), situaciones hilarantes y todo fluye con un ritmo y una rapidez endiablada.
De verdad, no es alta comedia refinada pero si es un producto divertidísimo para aquellos que tengan un sentido del humor más allá de lo alternativo. Y, lo mejor, es que no se anda con medias tintas. Baste ver los títulos de crédito finales para darnos cuenta que no se han cortado un pelo.
Altamente recomendable.

LO MEJOR: Es políticamente incorrecta de verdad.
LO PEOR: Le falta algo de originalidad en el planteamiento.
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KUNG FU PANDA 2

SINOPSIS: Po está ahora viviendo su sueño como el Guerrero del Dragón, protegiendo el Valle de la Paz junto a sus amigos y sus compañeros maestros del kung fu, Los Cinco Furiosos. Pero su nueva e impresionante vida se encuentra amenazada por la aparición de un villano formidable, Lord Shen, que planea usar un arma secreta imparable para conquistar China y destruir el kung fu. Po deberá buscar en su pasado para descubrir los secretos de su misterioso origen, sólo entonces será capaz de reunir las fuerzas necesarias para vencer.

COMENTARIO: Llego el veranito y, con el, me toca una buena sesión de cine para niños. Aunque me he podido escaquear de Cars 2, he tenido que pasar por el tubo con Kung Fu Panda 2 como un campeón y en 3D. Reconociendo que he visto la primera parte a trozos y que, por regla general, las películas animadas de Dreamworks no me interesan demasiado, los antecedentes no eran nada halagüeños. Pero bueno, uno hace de tripas corazón y acompaña al retoño a la sala.
Y tengo que reconocer que, para mi sorpresa, la película no está nada mal. Si bien es cierto que adolece de los habituales defectos de las películas animadas de la factoría (personajes irritantes, historias simplonas, chistes fáciles…), no es menos cierto que la cinta tiene cosas interesantes, los personajes están mejor dibujados de lo que es habitual y la animación, sin llegar a las cotas de Pixar, es bastante decente. El primer acierto de la cinta es mezclar imágenes de animación en tres dimensiones con otras (empleadas en los flasbacks) de animación tradicional con toques de la iconografía china. Ello no sólo le da empaque sino que genera una atmósfera muy especial y logra que nos emocionemos con determinadas situaciones. Por otra parte el villano está muy bien perfilado y sus motivaciones responden a unos patrones coherentes, algo fundamental en el cine de animación. Si, el oso sigue siendo irritante y algunas situaciones sonrojantes, pero al menos su responsable logra que entendamos las motivaciones de ciertos personajes y que a historia fluya con ligereza.
Una película que, si bien no es perfecta, se deja ver con agrado.

LO MEJOR: La mezcla entre animación tradicional y 3D.
LO PEOR: Le falta intensidad y le sobra humor chusco.

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SIN IDENTIDAD

SINOPSIS: El doctor Martin Harris acude junto a su esposa a Berlín para asistir a un congreso de Biotecnología. Tras un accidente de coche, recupera la consciencia para descubrir que su esposa no le reconoce y que otro hombre ha asumido su identidad. Con la ayuda de una extraña aliada se sumergirá en un misterio que le obligará a cuestionarse su cordura y su identidad, preguntándose hasta dónde tiene que llegar para descubrir la verdad.

COMENTARIO: Jaume Collet-Serra es sin duda el director español con la carrera más afianzada dentro de Hollywood. Con cuatro películas a sus espaldas, el catalán ha demostrado ser un buen artesano que maneja a la perfección los resortes narrativos del medio y que es capaz de sacar petróleo de las historias en las que se ve inmerso. Ninguna de sus películas es redonda, pero en todas ellas se puede comprobar su buen hacer y su capacidad para trascender la mera trasformación de un guión en imágenes para ofrecer a sus films un toque personal.

Tal vez Sin Identidad sea su mejor película. Y eso que contaba con un guión que, reconozcámoslo, no tiene ni pies ni cabeza y carece de cualquier tipo de lógica y credibilidad. La capacidad del realizador estriba en abordar un material de esas características y convertirlo en un entretenimiento puro y duro en los que se dosifican a la perfección los momentos de suspense, de acción y de tensión.

Y es que lo que hace Collet-Serra es un ejemplo de lo que debería ser buena parte de ese cine comercial de gama media que tanto, y tan mal, se hace en los Estados Unidos. Y la fórmula es bien sencilla: una historia interesante, unos actores de clase media solventes y creíbles, buena puesta en escena y la capacidad de hacerle pasar al espectador un par de horas de entretenimiento. De ahí el éxito de la película.

Una propuesta que, si bien no es perfecta, si resulta disfrutable.

LO MEJOR: Mantiene la tensión durante todo el metraje

LO PEOR: El guión no tiene ni pies ni cabeza.

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X-MEN PRIMERA GENERACIÓN

SINOPSIS:. La acción se sitúa en los años 60, en los inicios de la era espacial, el punto álgido de la Guerra Fría, cuando las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética amenazaban a todo el planeta, y cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes. También fue durante este período cuando Charles Xavier conoció a Erik Lehnsherr. Antes de que Charles y Erik adoptasen los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes inmersos en el proceso de descubrir sus poderes. Antes de ser archienemigos trabajaban juntos y con otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo hubiera conocido nunca. En “X-Men: Primera generación” tendremos respuesta a las preguntas que nos han intrigado desde hace tiempo: ¿cómo llegaron a juntarse los X-Men? ¿por qué está Charles en una silla de ruedas? ¿cuál es el origen de la Mansión X y de Cerebro?

COMENTARIO: Después de tres películas y un spin-off protagonizado por Lobezno, parece que el éxito comercial de los X-Men está más que garantizado. Con la excepción de la tercera parte de la saga, un truño dirigido por el inútil de Brett Ratner, el resto de las películas han mantenido un listón de calidad bastante alto y no han defraudado en absoluto a los espectadores. Tal vez por ello la Fox se animara a producir una pre-cuela en la que se nos explicara los orígenes de estos mutantes.
El primer acierto de la película reside en la elección del director. Matthew Vaughn ya demostró con Kick-Ass que era un director a tener muy en cuenta. Sin perder un ápice de vista que está realizando productos para el gran público, este director sabe narrar con pulso firme y dotar a sus personajes de una profundidad psicológica que para sí quisieran muchos. En esta películas el realizador demuestra sus buenas maneras y nos ofrece un producto muy digno en el que todo tiene sentido.
Personajes muy bien definidos (aquí no hay nada que pase porqué si), situaciones bien resueltas, lógica narrativa y secuencias de acción bien filmadas y dosificadas son los ingredientes que destacan en la película. Ninguno de los espectadores se sentirán defraudados y todos se introducirán en una historia que, según como, podría haber resultado confusa e ininteligible. Cierto que la película tiene un bajón d ritmo en su parte central, pero ello no es óbice para reconocer que estamos ante un buen entretenimiento veraniego y ante una cinta altamente recomendable.

LO MEJOR: La labor del realizador
LO PEOR: Un cierto bajón en la parte central del relato

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MAKING OF 79-80

Ha salido al mercado la Revista Making Of. Como coordinador de la revista, os la recomiendo ya que es un especial dedicado al mundo del cortometraje. Entre sus contenidos encontramos:

Artículos

El cortometraje en España
por Nacho Jarne Esparcia

MUVIES
por Elena La Banda

Dos cortos muy cortos
por Francisco Javier Pascual Burillo y Ana Rosa Romero Ramos

Pixar en corto
por Daniel Álvarez de Moll

Eurídice en 35 mm
por Manuel González Riquelme

Cinco motivos por los que utilizar cortometrajes en el aula
por Nacho Jarne Esparcia

El cortometraje en la educación
por Nacho Jarne Esparcia
Balthasar
Calla Mamá
Casitas
Dime que yo
El ataque de los robots de Nebulosa-5
El tiempo al tiempo
Inter-Face
La historia de siempre
Luciérnaga
Salvador, historia de un milagro cotidiano

Guía didáctica
El orden de las cosas

Tenéis más información en : http://www.comunicacionypedagogia.com/making.html