SINOPSIS: Luisa Llorente es una tasadora inmobiliaria que desaparece tras visitar la mansión Valdemar, una extraña casa sobre la que pesa una terrorífica leyenda. Maximilian, el jefe de Luisa, contrata al detective Nicolás Tramel para que descubra el paradero de la joven. Durante el camino conocerá la historia de Lázaro y Leonor Valdemar, las personas que habitaron la casa a finales del siglo XIX.
COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver esta película. No sólo por que es cine fantástico (y ya saben ustedes que esa es mi debilidad) sino por que este es un proyecto novedoso dentro de la cinematografía española. Con un presupuesto de 12 millones de euros, el director José Luis Alemán decidió rodar una historia dividida en dos películas que, sin subvenciones de ningún tipo, ofreciera una nueva perspectiva industrial para la paupérrima industria cinematográfica española. Cine comercial, de género, de calidad y pensado para ser exportado. Y encima era la última interpretación de mí admirado e idolatrado Paul Naschy.
Y con todo el dolor de mi corazón tengo que reconocer que me he llevado una decepción bastante importante. A pesar de sus buenas intenciones y de un diseño de producción bastante resultón, la sensación que nos deja es la de un quiero y no puedo que, con honestidad, tiene más sombras que claros. No se si es el reparto (no hay ni uno que se salve), el irregular ritmo narrativo de la historia, la falta de verdaderos momentos de terror o la sensación de que al guión le faltaban un par de lecturas, pero lo cierto es que su visionado nos deja el sabor de boca amargo de lo que pudo haber sido y no fue.
El director opta por una narración clásica, pero la hace tan clásica que en algunos momentos tenemos más la impresión de estar ante un telefilme televisivo que ante una película pensada para atraer a los aficionados al género. Ello por no hablar de unos efectos especiales digitales que, sintiéndolo mucho, no hacen honor al dinero que se ha invertido en ellos. Y es que le mini secuencia ambientada en el infierno, más parece proceder de un videojuego que de una película medianamente seria.
Tendremos que esperar al mes de octubre para ver la segunda parte y hacer una valoración más fidedigna del producto final. Pero visto lo visto, la verdad es que la cosa no pinta nada bien.
Con toda probabilidad, hoy o mañana Avatar se convertirá en la película mas taquillera de la historia del cine. Y esto no es para tomárselo a broma ya que Titanic estaba en lo alto de esta clasificación desde el año 1997. Aunque ya he manifestado que no me gustó demasiado Avatar, es justo reconocer que Cameron tiene una visión comercial incuestionable, ya que suyas son las dos películas que más dinero han dado a lo largo de la historia.
Como curiosidad a continuación os pongo las diez películas más tquilleras de la historia (teniendo en cuenta que la información sobre Avatar será debidamente actualizada):
Nombre
Año
Recaudación (mil Millones)
Avatar
1997
1.844$
Titanic
2009
1.843$
ESDLA: El retorno del rey
2003
1.119$
Piratas del Caribe: la mano del hombre muerto
2006
1.066$
Batman: Dark Knight
2008
1.001$
Harry Potter y la piedra filosofal
2001
974$
Piratas del Caribe: El fin del mundo
2007
961$
Harry Potter y la orden del Fenix
2007
938$
Harry Potter y el misterio del príncipe
2009
934$
ESDLA: Las dos torres
2002
925$
Aprovecho para colgar las 15 películas españolas más taquilleras de la historia.
ARGUMENTO: Holmes y Watson logran detener a Lord Blackwood, el causante de una serie de horribles crímenes rituales. Antes de ser ajusticiado, el Lord advierte a Holmes que la muerte no le impedirá acabar con el trabajo que dejó pendiente. Meses después, una serie de crímenes parecen demostrar que Blackwood ha vuelto de entre los muertos. Holmes tendrá que utilizar todas sus habilidades deductivas para descubrir un misterio que puede acabar con el equilibrio político de la nación.
COMENTARIO: Nunca he sido demasiado fan de Guy Ritchie. Aun reconociendo que su estilo narrativo me hace gracia, que me lo suelo pasar bien con sus películas y que utiliza inteligentemente ese sentido del humor tabernario tan característico de algunos sectores de la sociedad británica (como hace Grant Ennis en los comics o Irvine Welsh en las novelas), sus películas, en general, me parecen chorradas que se consumen con la misma facilidad con la que se olvidan. Eso es exactamente lo que me pasó con Lock and Stock, Snatch, cerdos y diamantes o RocknRolla.
Con Sherlock Holmes me ha pasado igual que con el resto de su filmografía: me ha entretenido, me ha divertido, lo he pasado bien pero, y ahí está el problema, no he dejado de sentir en ningún momento que la película es una sandez sin pies ni cabeza. Lo que el realizador británico ha intentado (con éxito, a tenor de los resultados de traquilla) es adaptar su estilo enérgico y adrenalínico a un personaje tan conocido y popular como es el inmortal Sherlock Holmes. Para ello ha acometido una operación tan discutible como acertada: respetar la esencia detectivesca de la creación de Arthur Conan Doyle, pero convirtiéndolo en una especie de héroe de acción adaptado a los gustos actuales. Eso, que no es ni bueno ni malo, se ve lastrado por un guión superficial y en el que todo carece de lógica y donde la testosterona brilla por encima de las conexiones sinápticas.
La película es un entretenimiento insustancial con extraordinarios efectos especiales y en la que la magnífica interpretación de Robert Downey Jr (uno de los mejores actores de su generación y un tipo listo que entiende perfectamente lo que esperan los espectadores de cada una de sus películas) aporta el resto. Entretiene, no irrita y, les aseguro, que en algunos momentos les arrancará una sonrisa de complicidad. ¿qué más podemos pedir de un producto como este?
Les garantizo que lo pasarán muy bien durante las dos horas que dura la película. También les garantizo que dentro de unos días ni se acordarán de un film que nos demuestra que, hoy en día, es más importante la estética que la ética. Y lo que nos espera.
SINOPSIS: Jake Sully, un ex marine condenado de por vida a estar en una silla de ruedas, es reclutado para viajar al planeta Pandora. Este planeta, que contiene un mineral importantísimo para la tierra, esta habitado por una raza de humanoides llamada Na'vi que viven en permanente contacto con la esencia natural del lugar La misión de Jake consiste en tomar control de un Na'vi creado por ingeniería genética y acercarse a la raza para obtener información estratégica sobre ellos. El problema es que los intereses comerciales pondrán en peligro el ecosistema del planeta y Jake tendrá que tomar una decisión.
COMENTARIO: Y toca hablar de Avatar. ¿Y que decir de este fenómeno de masas? La cinta es la más taquillera de la historia en España, va camino de superar el record de recaudación de Titánic, ha ganado los Globos de Oro más importantes y esta a punto de arrasar (sino al tiempo) en la ceremonia de entrega de los Oscar. Además, por si fuera poco, técnicamente ofrece un espectáculo increiíle, los efectos especiales son lo nunca visto, la utilización de las tres dimensiones es magistral y la narrativa extraordinaria. Con estos antecedentes: ¿Que más se le puede pedir a una película? ¿Que más queremos los humildes aficionados?
Una historia... Ahh!!!
Muy probablemente Avatar marque un antes y un después en la historia del cine. Su concepción del espectáculo, el cuidado detalle y precisión que se ha logrado con los efectos especiales y su capacidad para, a través de las 3 Dimensiones, ofrecer un paso adelante en la historia del cine, no ofrece discusión. No podemos discutir que Avatar se ha convertido en un referente y en un título mítico. Eso es así y a los aficionados al cine y a los que defendemos el cine comercial no nos queda más remedio que rendirnos a la evidencia. Ahora bien, toda la magia, todo el buen hacer de James Cameron y todas las expectativas que podamos tener sobre como va a evolucionar el séptimo arte a partir de este momento se ven lastradas por una historia que, e intentaré ser suave, es una absoluta castaña.
Cuando salí delk cine definí a la película como un Bailando con lobos con marcianos y final feliz. Y es que no se me ocurre otra forma mejor de referirme a una película en la que todo es previsible, fácil, simple, sin sustancia, anodino. Los personajes son tan estereotipados y carecen de tal profundidad psicológica (y no, yo no pedía una descripción psicológica Bergmaniana, sino que, al menos, entendiéramos algo, sólo un poco, sus motivaciones) que se llegan a hacer hasta antipáticos. Y es que los buenos son muy buenos y los malos muy malos; y es que los pobres indígenas azules son tan absolutamente inmaculados y el hombre blanco tan perverso y egoísta que, francamente, da risa. Con un ecologismo digno de una clase de P4, unas situaciones que, de puro inverosímiles y previsibles, provocan en algunos pasajes vergüenza ajena (alguien no supuso desde el principio que el protagonista acabaría domesticando al bicharraco volador) y ofreciendo unos conceptos de filosofía Zen (el rollo de la madre tierra y similares) que logran que, en comparación ,Jorge Bucay parezca Bernard Henry-Levy, la película naufraga por todos los lados.
Cameron es un gran técnico, un hombre que maneja a la perfección los mecanismos del lenguaje cinematográfico y, en muchos sentidos, un visionario. Pero, que quieren que les diga, creo sinceramente que le hace falta un guionista como el comer.
SINOPSIS: El capitán Salomon Kane, tras una vida de asesinatos y salvajismo, escapa milagrosamente de un demonio que quiere robar su alma. Tras pasar una temporada en un convento, Salomon parte para encontrarse a si mismo con el firme propósito de no ejercer nunca más la violencia. Pero las circunstancias le harán cambiar de idea cuando una extraña secta empiece a atacar a los habitantes de Inglaterra.
COMENTARIO: Robert. E. Howard fue un afamado escritor norteamericano de principios de siglo XX especializado en novelas de espada y brujería. Su creación más famosa y conocida fue "Conan el bárbaro", un feroz guerrero que habitaba en una época mítica en la que la magia y la brujería estaban a la orden del día. Pero Conan no fue su única creación; personajes como Red Sonja, Kull el conquistador o este Salomon Kane que ahora nos ocupa también surgieron de su infatigable pluma.
El concepto de Salomon Kane es muy similar al de Conan: un hombre solitario y ducho en el arte de la guerra, que se enfrenta con todo tipo de seres mágicos e infernales con la sana intención de hacer prevalecer la justicia en el mundo. Las diferencias con el cimeriano las encontramos en que Salomon habita en un mundo real (la Inglaterra del siglo XVII) y que sus actos están condicionados por un sentido de la moralidad de la que el bárbaro carecía.
82 años después de su publicación, llega a las carteleras de nuestro país la adaptación cinematográfica del personaje. Producida desde Inglaterra y dirigida por Michael. J. Bassett (el realizador de la interesante Deathwatch ), la película es un entretenimiento de espada y brujería a la que no hay que pedirle mucho más de lo que ofrece. Con un guión muy simplón, unos personajes apenas perfilados y una producción media (45 millones de dólares de presupuesto que se nos antojan insuficientes, como se puede constatar en el cutre diseño del monstruo demoniaco), la cinta ofrece aquello que el espectador demanda de este tipo de productos: acción, algo de gore, aventura y entretenimiento palomitero.
Reconociendo que esta bien hecha, queda a opción del espectador invertir siete euros en la entrada o esperar a su edición en DVD y disfrutarla cómodamente en el sillón de casa.
Avisados quedan.
LO MEJOR: Es muy entretenida
LO PEOR: El guión es simple y previsible como un capítulo de Águila roja.
SINOPSIS: Jaime Gil de Biedma (1929-1990) fue uno de los mejores poetas de la generación del 50. Hijo de un importante industrial, homosexual, provocador y con una capacidad increible para retratar sus innumerables contradicciones a través de la pluma, su figura es una de las más fascinantes de la Barcelona de finales de la segunda mitad de siglo.
COMENTARIO: Hace unos meses James Wallestein (al que le agradezco infinitamente que me facilitara una copia de los trabajos de Jorge Molina) me pidió que realizara un comentario para su extraordinario blog Dimensión fantástica. En mi escrito, entre otras chanzas, le decía que si me gustaba su web era por que lograba transmitir muy bien las experiencias personales y subjetivas que le evocaba cada película.
El estreno de El cónsul de Sodoma ha provocado una gran polémica entre todos aquellos que conocieron personalmente a Gil de Biedma. El más gráfico de todos ha sido Juan Marsé que la ha calificado como, y cito textualmente, una cinta "grotesca, ridícula, falsa, inverosímil, sucia, pedante, dirigida por un fallero incompetente y desinformado, mal interpretada y con diálogos deplorables." Ahí es nada. Josep María de Sagarra, por su parte, en su genial columna dominical de La Vanguardia, también ponía en tela de juicio la calidad de la película. Vamos, que la cinta está suscitando un cierto revuelo y opiniones encontradas entre sus detractores y sus escasos defensores.
Yo, que ni conocía la vida de Gil de Biedma ni he leído absolutamente nada de su obra (una laguna que espero subsanar en breve), acudí a ver la película con el firme propósito de analizarla como producto cinematográfico, obviando las polémicas sobre su veracidad. Y que quieren que les diga. Sin saber si es muy fiel y respetuosa con la vida del poeta, lo que puedo deciros es que, reconociendo sus lagunas, la película me ha gustado muchísimo y que tiene momentos de cine sobresalientes.
La cinta es el retrato de un ser humano complejo y fascinante que lucho toda su vida contra sus propias contradicciones y que plasmo en sus textos, de forma magistral, sus fantasmas cotidianos. Gracias a un sólido guión y a la soberbia interpretación de Jordi Mollà, los espectadores podemos conocer los miedos, inquietudes y anhelos de una persona que siempre miró la parte más amarga de la vida; de un Peter Pan que se negaba a crecer y que contemplaba con dolor y tristeza el paso de los años. La película es una reflexión sobre el paso del tiempo, sobre las motivaciones que conducen hacia la creación artística, sobre la incapacidad de asumir la propia madurez, sobre lo difícil que resulta plegarse a los convencionalismos (y sobretodo huir de ellos) cuando no se tienen claros ni los propios objetivos vitales. Una película, en definitiva, sobre el amor, la soledad y el miedo a ser uno mismo.
Si, tiene lagunas, momentos flojos y cae a veces en los estereotipos más burdos. Pero da lo mismo: la película logra emocionar y sólo por ese plano final (que no desvelaré) merece la pena pagar los seis euros de la entrada.
Y que quieren que les diga: un servidor, como decía al principio, no ha podido reprimir sentirse identificado con los fantasmas cotidianos de ese ser humano.
Y por cierto: si en lugar de ser la biografía de un personaje que existió como Gil de Biedma, la película fuera un guión original sin parecido con la vida real, probablemente ahora muchos de los que la critican la tacharían de película imprescindible.
LO MEJOR: El retrato de un ser torturado y coherente en su incoherencia.
Tras más de un año en el que he abandonado completamente este blog, he decidido volver con fuerzas renovadas. Los motivos de mi retorno al universo blog son los mismos que me llevaron a dejarlo en su momento: me lo pide el cuerpo. Así de sencillo, así de complicado
SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante el cariz que están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.
COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, por malos, incoherentes, exagerados y carecer de cualquier tipo de vergüenza torera, merecen toda mi admiración. ¡Que coño!: también hay que saber disfrutar de estas pequeñas locuras que nos ofrece la vida; no todo ha de ser seriedad y trascendencia. Digo esto a colación de esta película que es, para que lo vamos a negar, una castaña impresionante, pero que resulta sumamente divertida. Sexta parte de una de las sagas más longevas de la historia del cine de terror, este es el claro ejemplo de que si segundas partes no fueron buenas, las sextas.... Y eso que el primer Aullidos de Joe Dante no estaba nada mal. Esta era una peli de serie B muy bien hecha, con momentos de terror logrados, una historia solvente y unos cojonudos efectos de maquillaje de los maestros Rick Baker, Rob Bottin y Greg Cannon. El éxito de la película fue tan grande que dio pie a siete secuelas a cual más mala, más barata y más cutre. En el caso que nos ocupa hablamos de la sexta. Aquí la acción se traslada hasta un pueblo al que llega el hombre lobo de turno. A la población llega un circo plagado de freaks y comandado por un vampiro que quiere secuestrar al hombre lobo para exhibirlo a los paletos locales. Esto nos puede dar una idea de por donde van los tiros: caspa a granel, maquillajes de risa, diálogos absurdos y un sin fin de despropósitos y falta de prejuicios con los que uno sólo puede echarse unas risas. De verdad, hacía tiempo que no veía algo tan rematadamente malo y desvergonzado. Para disfrutarla sin prejuicios.
LO MEJOR: El maquillaje del vampiro LO PEOR: Todo lo demás.
SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante erl cariz quie están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.
COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, aunque vistos hoy en día provoquen vergüenza ajena, resultan tan entrañables como fascinantes. Resulta paradójico que estas películas, que en su momento estuvieron pensadas para las clases más populares y menos exigentes, hoy en día se hayan convertido en objeto de culto para frikis, gafapastas y alternativos varios. Que le vamos a hacer si somos como borreguitos. Dentro de estas pelis de serie B hubo varias tendencias, tipologías, géneros e incluso estilos. Uno de los más apasionantes es el conocido como Blaxploitation. ¿Qué esto de la Blaxploitation? Pues películas hechas por y para un público negro (o afroamericano en el lenguaje políticamente correcto) cuyo único objetivo era lograr que los espectadores morenitos se dejaran sus dólares en películas que hablaran de sus problemas y los tratara con un mínimo de dignidad e inteligencia. La primera de estas películas, y la que dió pie a todo el fenómeno, fue Las noches rojas de Harlem, un título protagonizado por el actor Richard Roundtree que cosechó un éxito más que considerable. Las películas de Blaxploitation contó con sus estrellas particulares (entre otras Pam Grier) y con unas características estilísticas comunes: historias sencillas pero efectivas, desnudos y violencia gratuita, funky a mogollón, pelos a lo afro, vestidos setenteros que provocan el más absoluto de los sonrojos y presupuestos escasos. Como pasa con todo, la moda se fue disipando y el subgénero degeneró hacia productos cada vez más casposos e infumables. Este The Black Gestapo sería un ejemplo terminal del grado de cutrez al que llegó la Blaxploitation. Los que hayan leído el argumento se pueden imaginar de que va la cosa, pero hay que ver la película para creerla. De verdad que uno no acaba de entender como se puede llegar a hacer algo tan cutre, macarra y malo y levantarse por la mañana tan tranquilo. Dejando de lado la historia, los actores son de lo peor que he visto en mi vida, la violencia más gratuita que nunca (la secuencia de la castración es digna de las antologías) y el sin sentido campa a sus anchas. Si sale hasta sale una increible Uschi Digard que ni se molesta en abrir la boca. Una curiosidad sólo recomendada para los muy frikis.
LO MEJOR: Es tan mala que resulta simpática. LO PEOR: Todo.
SINOPSIS: Ozzie Cox es un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias, con toda su experiencia en la Agencia, en un CD. El problema surge cuando su mujer le roba el CD y se lo deja accidentalmente en el gimnaso, lugar donde lo encuentran unos empleados sin escrúpulos que intentan chantajear a Cox. A raiz de esto, la CIA manda a un asesino para intentar solucionar el entuerto. Ahí el CD llegará alasmanos de una empleada que quiere hacerse una operación de estética.
COMENTARIO: Tal como comenté en la entrada dedicada a No es país para viejos, en la obra de los hermanos Coen, sin abandonar en ningún momento la independencia y una personal forma de mirar la realidad, siempre se han alternado películas serias y con importantes pretensiones artísticas con otro cine mucho más ligero que siempre se mueve dentro de los terrenos de la comedia. Tras lograr el Oscar con la película protaganizada por Javier Bardem, ni un año después llega hasta nuestras pantallas una comedia desenfadada y loca como sólo ellos saben hacer. Reuniéndose de nuevo con su actor fetiche George Clooney, los hermanos manufacturan una desmadrada y divertidísima historia en la que se nos habla sin tapujos de cual profundos son los límites de la estupidez humana. En esta película todos los personajes son hipócritas, idiotas, egoístas, interesados; todos ellos mienten para lograr seguir con sus miserables vidas, sin tener en cuenta las consecuencias de sus actos. Este mundo de mezquindad, esta hoguera de pobres vanidades es retratada por los hermanos con gracia y desparpajo sirviéndose de la complicidad de unos actores en estado de gracia. Aunque la historia es bastante chorra y la puesta en escena terriblemente plana, los impagables diálogos y un giro final francamente inesperado y sorprendente, logran que estemos clavados en la butaca durante todo el metraje. No es una obra maestra pero si un entretenimiento de primera.
LO MEJOR: Brad Pitt, sencillamente sublime. LO PEOR: Una resolución algo precipitada que demuestra que el guión no se ha cuidado demasiado.
SINOPSIS: John Rambo, después de una vida marcada por la guerra, vive una solitaria y apacible existencia en la jungla del norte de Tailandia, pescando y cazando cobras para luego venderlas. Pero todo esto cambia cuando un grupo de misioneros necesita que les guíe hasta la frontera con Birmania para suministrar medicinas y alimentos a unos refugiados asediados por el despiadado ejército birmano. Rambo no tendrá más remedio que volver a involucrarse.
COMENTARIO: Sylvester Stallone es uno de esos actores que, con el transcurso de los años, ha pasado de ser unánimemente denostado a convertirse en un objeto de culto para muchos aficionados. Tras lograr el éxito a mediados de los setenta gracias a Rocky, Stallone se convirtió en una de las mayores extrellas del cine de acción. Ello duró hasta el año 1993 en el que protagoniza Demolition Man, su último gran éxito. A partir de entonces el bueno de Sly entra en una lenta pero progresiva decadencia que le lleva a protagonizar una serie de fracasos económicos (a pesar de protagonizar una película interesante como Cop Land donde demostró que tampoco era tan mal actor como lo pintaban) que provocan su práctica desaparición de la primera línea de panorama internacional. Consciente de su situación, el actor decide recluirse en la producción de un Reality Show centrado en el mundo del boxeo y esperar mejores tiempos. En el 2006, con sesenta años de edad, olvidado por las nuevas generaciones y con una cara que es un muestrario de los horrores que puede llegar a provocar el botox en un ser humano, Stallone dirige y protagoniza una nueva entrega de Rocky que, para pasmo de propios y extraños, deviene un film muy digno en el que se ofrece una interesante reflexión (tal vez autobiográfica) sobre lo que significa caer en el olvido. El éxito crítico y comercial de la película le lleva a desempolvar al segundo personaje que le proporciono fama y dinero: John Rambo. Tras ver la película, una cosa nos queda muy clara: con John Rambo, Satallone no ha tenido las mismas pretensiones artisticas y temáticas que en Rocky Balboa. Mientras la segunda, con sus limitaciones, es un film que busca profundizar en la psicología de los personajes y se centra en mostrarnos los esfuerzos que es capaz de acometer el ser humano para gestionar con dignidad su propia decadencia, con Rambo sólo ha pretendido ofrecernos un entretenimiento intrascendente. ¡Y que entretenimiento! John Rambo es visceral, dura, de una violencia tan brutal que roza, si no lo sobrepasa, los postulados del cine gore. Dejando de lado los discursos políticos de sus anteriores entregas, el actor-director se limita a manufacturar un correctísimo film de acción, maravillosamente filmado y cuyo único objetivo es el de entretener a los espectadores. Que nadie busque discursos crepusculares ni zarandajas; esto es solo acción y violencia pensada especialmente para todos aquellos que, no se muy bien por que, vemos al bueno de Stallone como a un abuelete entrañable que se niega a hacernos olvidar esos maravillosos momentos que algunos pasamos en la adolescencia gracias a sus películas.
LO MEJOR: La falta de pretensiones y la violencia de las secuencias de acción. LO PEOR: El guión: se resume en media línea.
SINOPSIS: El gran astro del cine de acción, Jean-Claude Van Damme, se encuentra disfrutando de un merecido descanso en Bruselas cuando sufre una repentina crisis existencial. De repente la gran estrella de cine que todos conocemos se convierte en un tipo corriente, aquejado de miedos, contradicciones y esperanzas.¿Cómo puede mantener la leyenda que ha ayudado a construir a su alrededor? ¿Qué hace un hombre de acción cuando la pistola que te está apuntando a la sien está cargada con balas de fogueo? Jean-Claude se encuentra a sí mismo en la encrucijada del fin de su vida como héroe.
COMENTARIO: Todos los cinéfilos contamos con nuestras pasiones inconfesables, con esos films que, aunque como productos cinematográficos sean deficientes o directamente malos, logran conmovernos, agradarnos e, incluso, apasionarnos. A estas películas los norteamericanos lo definen con el término de "guilty pleasure" (placer culpable) y todos contamos con alguno. Personalmente dentro de esta categoría yo pondría títulos como Armageddon, Rocky IV, Ojos de serpiente o las películas de Van Damme. Reconozco las infinitas limitaciones interpretativas del belga, lo casposas que son la mayor parte de sus films, lo demencial de sus argumentos y la poca personalidad de la mayor parte de los directores con los que ha trabajado. Más aun, no me duele en prendas asumir que se trata de un actor venido a menos, pasado de moda y que hace tiempo que se mueve en los peligrosos márgenes que separan a la serie B de la Z. Pero el actor belga tiene, para mi, algo especial; una forma singular y carismática de abordar sus papeles que logra que le prefiera por encima de otras estrellas del cine de acción de bajo presupuesto como Steven Seagal,Chuck Norris o Dolph Lundgren. Si, me encanta ver las caspas de Van Damme y disfrutar con sus patadas y golpes de kárate. Por todo ello aguardaba con ilusión esta película. Aviso a navegantes: que nadie espere que JCVD es el típico film de acción. El director francés Mabrouk El Mechri, admirador confeso del actor, ha manufacturado una película en la que rinde un homenaje a su ídolo a partir de algo terriblemente complejo como es la desmitificación y la humanización del personaje. Lo que vemos en la película es un Van Damme que se ríe de si mismo, de sus papeles infumables, de sus limitaciones interpretativas, de lo casposas que son la mauyor parte de sus películas, de la figura del héroe de acción cinematográfico; pero también encontramos una reflexión sobre la decadencia de una estrella, sobre las inquietudes y anhelos de una persona que lo ha sido todo y ahora se encuentra en unos de los periodos más bajos de su vida, sobre el precio de la fama, sobre la inmoralidad del negocio del cine, sobre lo que somos y queremos ser. Sin perder nunca el sentido del humor, la película desnuda al personaje y nos muestra a una persona que, como todas, sobrevive con sus propias contradicciones. JCVD es un film interesante, apasionante y que demuestra que incluso los temas más triviales pueden ser tratados con inteligencia. Por cierto, Van Damme está fantástico como actor. Pásmense señores.
LO MEJOR: El monólogo en plano secuencia en el que el actor se desnuda emocionalmente. LO PEOR: Ciertas lagunas en el guión.
SINOPSIS: Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?
COMENTARIO: Estoy plenamente convencido de que en los próximos meses se hablará, y mucho, de esta película. Ayer a las dos del mediodía tuve ocasión de verla en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Al principio yo me esperaba un film francés encuadrado dentro de la escuela de Frontier(s) o A L'interieur, es decir una película cruda, con abundantes dosis de sangre y cierta originalidad en su argumento y puesta en escena. Y durante la primera hora de proyección es exactamente eso lo que me encontré. Esta es la historia de una niña que huye en estado catatónico de una casa y que, quince años después y en compañía de una amiga, decide acabar con sus captores. El director, en lugar de optar por una rutinaria historia sobre venganza, aporta un interesante plus fantástico: la protagonista es agredida por una mujer deformada de la que no sabemos muy bien si es real o forma parte de la imaginación de la muchacha que justifica de esa manera su tendencia a autolesionarse. Hasta ahí simplemente se trata de una película correcta que contiene buenos momentos de terror. El problema es que cuando todo parece resuelto, el director Pascal Laugier da un giro de 180 grados al argumento y nos ofrece una media hora final que es, sin exagerar un ápice, la mayor muestra de puro mal rollo que uno ha tenido ocasión de ver en una pantalla a lo largo de sus treinta y ocho años de vida. Sin desvelar demasiadas cosas del argumento, sólo les diré que lo que nos muestra la película es duro, desagradable, difícilmente soportable y que logra remover en su silla al más curtido de los aficionados. En la sala que se proyectaba hubo deserciones masivas y que al final de la proyección todos teníamos la sensación de haber visto algo excesivo y terrible. ¿Arte? ¿Provocación? ¿Reflexión sobre la brutalidad inherente al ser humano? Seguramente se hablará de los límites de la mostrable, de censura, de si hay que evitar este tipo de cine, de historias sobre lo políticamente correcto. Yo creo que todo ello es gratuito, que el arte es algo que funciona a través de la subjetividad y que ella no puede medirse bajo parámetros de lo que es bonito o no; de lo que se puede y no se puede mostrar. El arte es ficción, reflexión o reflejo de la realidad, no la realidad misma. Eso no lo podemos obviar ni olvidar. Es la base de la libertad. ¿La película es buena o no? Pues no se muy bien que decir. Como producto cinematográfico tiene cosas interesantes y cumple con su función de empatar, pero temgo miedo de que los arboles, por frondosos que sean, no me dejen ver el bosque. Creo que necesitaré unas cuantos días para pensarla y meditarla. De momento lo único que les puedo decir es que mentes y estómagos sensibles abstenerse. Aunque los medios de comunicación ya se encargarán de recordarlo por activa y por pasiva, avisados quedan.
LO MEJOR: Su capacidad para epatar LO PEOR: Su capacidad para epatar.
SINOPSIS: Una joven llamada Melissa, está convencida de haber cometido un terrible crimen en sueños. Su familia angustiada reclama la presencia del doctor Orloff para que la ayude. Pero éste no quiere más que consumar una antigua venganza, por lo que someterá a Melissa a unos retorcidos tratamientos
COMENTARIO: Jesús Franco es el director más atípico de la historia del cine español. Nacido en Madrid en 1936, ha dirigido más de 189 películas hasta la fecha. Franco ha tocado todos los palos (ciencia ficción, comedia, terror, erótico, porno), ha trabajado por toda Europa con cientos de pseudónimos o ha dirigido a actores de la talla de Christopher Lee o Fernando Rey, siempre en producciones de bajo presupuesto que van desde la serie B hasta la serie sub Z. Su figura es idolatrada por miles de aficionados alrededor del globo que lo consideran unos de los últimos outsiders, como una figura que siempre ha trabajado en libertad y ha dirigido lo que le ha dado la gana. Esta personalidad, que no negamos resulta fascinante, se trasmite en unas películas que tienen unas temáticas muy similares, que juegan con un sentido del erotismo muy particular y que cuentan con un peculiar estilo a la hora de plantearse la puesta en escena. Todo en el cine de Franco es atípico... para sus detractores y admiradores. Desgraciadamente yo me encuentro entre los primeros. A mi el cine de Franco me resulta cutre, malo, aburrido, sin pies ni cabeza. Sus películas no logran engancharme y, cuanto más las veo, más tengo la impresión de que su problema es que no tiene ni idea de donde se ha de colocar una cámara. La película que nos ocpa tiene todos los dectos del cine de Franco. Recuperado a un personaje habitual en su cine, el doctor Orloff, el director nos ofrece una historia absurda y sin sentido trasmitida a través de una puesta en escena carente de ritmo, llena de zooms y primero planos innecesarios. Nada más; la película es más mala que un dolor y sólo la recomiendo a los seguidores del director. Avisados quedan.
LO MEJOR: Montserrat Prous, la protagonista principal LO PEOR: Todo lo demás
SINOPSIS: Estamos en los años 80. Lizzy es una joven brillante que es aceptada en Hardward con una beca para estudiar periodismo. La muchacha, que sufre depresiones desde pequeña, pretende empezar una nueva vida, olvidarse de los problemas de cas (su madre es una neurótica que no ha aceptado la separación de su marido; su padre un bohemio que ha pasado literalmente de su hija) y conocer amigos. Aunque en un principio las cosas irán bien, pronto empezarán a desatarse crisis. Lizzy tendrá que acudir a la psiquiatra Sterling para que le ayude con su problema.
COMENTARIO: Basada en un célebre best seller autobiográfico en el que la escritora Elizabeth Wurtzel explica sus problemas con la depresión, esta película del año 2001, cuyos innumerables problemas de producción hicieron que no se estrenara en los Estados Unidos hasta el 2003, nunca llegó a proyectarse en las pantallas españolas y sólo llego algunos años después en DVD y sin ningún tipo de promoción. Y es una verdadera lástima, ya que con la cantidad de castañas que se estrenan a lo largo del año, los distribuidores podrían haber arriesgado con un film como este. La película nos explica la historia de una periodista que fue superando poco a poco una extraña forma de depresión que la estaba hundiendo en un pozo sin fondo. Lo que más tenemos que agradecer a la cinta del desconocido realizador noruego Erik Skjoldbjaerg (toma ya), es su honestidad y su escaso interés por entrar en juicios morales. El se limita a presentarnos a los personajes, mostrarnos sus conflictos y dejar que seamos los espectadores los que extraigamos nuestras conclusiones. Repito, esta es una película sobre relaciones personales, un film en el que no hay buenos ni malos, sólo personas que hacen lo que pueden para salir adelante. Cierto que el guión peca en algunas ocasiones de superficial y que la enfermedad está tratada de una forma tangencial, pero la propuesta resulta en su conjunto interesante y, en algunos momentos, conmovedora.
Buena labor tras las cámaras del director (sabe expresar bien los estados de ánimo de la protagonista) y un curioso papel para Christina Ricci que resulta creíble como protagonista. A descubrir.
LO MEJOR: la honestidad de la propuesta
LO PEOR: Tendría que profundizar más en algunas situaciones
SINOPSIS: A una pequeña ciudad del norte de Alaska, donde no se ve la lus del sol en invierno durante treinta días, llega un grupo de vapiros que pretende alimentarse de la población. Tras una primera noche en la 1que acaban prácticamente con la totalidad del pueblo, el sheriff local y un grupo de personas tendrán que hacer todo lo posible para sobrevivir hasta que vuelva a salir el sol.
COMENTARIO: Basada en un cómic de Steve Niles y Ben Templesmith, publicado en España por la editorial Devir en el año 2003 con el título de "30 Días de Noche", que no tengo el gusto de conocer pero que recibió en su momento buenas críticas, nos llegó hace unos meses está película que retoma la temática vampírica. La película, a priori, parecía interesante ya que aportaba un punto de vista original sobre el tema, los vampiros son una raza milenaria que, con la intención de no ser descubiertos, atacan a pueblos aislados situados en la zona ártica, se basaba en un buen material de partida y contaba con la dirección de David Slade, un hombre que había sorprendido con su ópera prima Hard Candy.
Pues señores, nuestro gozo en un pozo. La película es un producto rutinario a más no poder, previsible hasta el sonrojo, sin pizca de gracia ni de originalidad, con actores que no creen en lo que hacen y con una puesta en escena que, con algunos momentos buenos, resulta de lo más simple y anodino que nos podamos imaginar. Si se acercan a este título se encontrarán con una historia 100 veces vista que, con suerte, les deparará algunos sustos y que olvidarán con la misma rapidez que la han visto. Cine para consumo masivo y recomendada para amantes del terror poco exigentes que no tengan nada mejor que hacer un domingo por la tarde.
LO MEJOR: Alguna secuencia protagonizada por los vampiros
SINOPSIS: Sarah Mandy trabaja restaurando obras de arte en un museo de Roma. Un día llega hasta ella una urna que contiene las cenizas de una bruja conocida como Mater Lachrymarum. El regreso de esta hermosa, pero terrible, hechicera trae caos al mundo. Una ola de asesinatos arrasa la capital italiana mientras las brujas se reúnen para homenajear a su reina. Sarah tendrá que hacer frente a la amenaza.
COMENTARIO: Llevaba algo así como veinte años, desde que vi con 18 Suspiria e Inferno, esperando esta película. Si señoras y señores, veinte largos años rogando para que el bueno de Dario Argento solucionara los problemas legales con su ex mujer Daria Nicolodi y pudiera terminar su famosa "trilogía de las madres". Veinte largos años, como muchos de los millones de aficionados al cine de terror de todo el mundo, suspirando por ver terminada la historia de las tres madres y saber que pasaba con la famosa bruja Lachrymarum. En el año 2007, por fin, presentó la película en sociedad. En Setiembre de 2008, tras agenciarme unos subtítulos en castellano decentes, pude verla (las películas de Argento no se estrenan es España, que le vamos a hacer). Y que quieren que les diga. Y como quieren que les explique la enorme DECEPCIÓN (en mayúscula y negrita para que quede claro) que he sentido después de ver la película. Par aquello neófitos, decir que Dario Argento es uno de los directores de cine (de terror) europeos más importantes (con permiso de Terence Fisher y Mario Bava) y sin duda el más popular. Nacido en Roma en el año 1940, Argento le otorgó al Gialo (un género eminentemente italiano de asesinos misteriosos que cometen sus crímenes motivados por traumas del pasado) categoría universal y logró dirigir durante los setenta y ochenta un gran número de grandiosas películas que han pasado a la historia del género. Algunos de sus films más importantes son Rojo Oscuro, Suspiria, Inferno, Phenomena (la favorita del que suscribe) u Opera. En los noventa le llego una imparable decadencia y películas como Trauma, El fantasma de la ópera o Insomnio demostraban que el director estaba inmerso en una imparable cuesta abajo de la que sólo salió parcialmente con la enfermiza El síndrome de Sthendal. Sus interesantes propuestas para la serie televisiva Master of Horrors (si no la han visto, se la recomiendo encarecidamente), hicieron que muchos pensáramos que al abordar su esperada Terza Madre, el director diera lo mejor de si mismo y nos ofreciera una obra maestra a la altura de su talento. Pero... mi gozo en un pozo. La película nos narra la llegada de la madre Lachrymarum, la más chunga de todas, a Roma y como este advenimiento empieza a causar la locura en las calles. El problema de la película no es tanto que se sustente en un guión enloquecido y sin pies ni cabeza, que eso es algo habitual en el director y sus seguidores hemos aprendido a perdonárselo; el gran problema es que lo mejor que tiene Argento, su puesta en escena, no aparece por ningún lado. Si por algo nos gusta Argento es por su estética abigarrada, enfermiza, enloquecida, por su cuidado por el detalle, por unas asesinatos coreografiados al milímetro, por unaa utilización de la música desmesurada pero que logra cautivarnos, por sus angustiosos trávelings... Nada de eso encontramos en la película. Pero nada de nada. La Terza madre, si no fuera por el gore, que lo tiene y en cantidades industriales, podría pasar por uno de esos telefilmes fantásticos que emite Antena 3 los sábados a las siete de la tarde. ¡Si es que hasta los efectos por ordenador son de vergüenza ajena!. En la película funcionan muy pocas cosas y la sensación que nos deja es de profunda fustración. Repito, lo que más me molesta no es el flojo guión; es su incapacidad para lograrme cautivar a través de las imágenes. Y eso que la película está plagada de homenajes a sus anteriores films. Y sale su hija Asia Argento . Y la música es de Claudio Simonetti Y hay mogollón de gore... Que le vamos a hacer, lamentablemente ya se sabe que el infierno está asfaltado de buenas intenciones.
LO MEJOR: El primer asesinato, lo único auténticamente Argento que hay LO PEOR: Lo plana ques es la puesta en escena.
SINOPSIS: En una pequeña ciudad de provincias, unas señoras se inventan la campaña navideña "cene con un pobre", para que los más necesitados disfruten por una noche del calor y el afecto que no tienen, sentados a la mesa de las familias pudientes. En medio de los preparativos se encuentra Plácido, que es contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero hay un pequeño detalle que le impide dedicarse únicamente a su tarea: ese mismo día de Nochebuena le vence la primera letra del motocarro, su único medio de vida.
COMENTARIO: El que suscribe, que tenía cinco años cuando murió el Francisco Franco y que ha pasado toda su vida viviendo en democracia, no puede dejar de sorprenderse ante lo que nos muestra una película como Plácido. Y es que no puedo acabar de entender como la censura de la época, que prohibía las cosas más absurdas y ridículas, permitió que este film llegara a las carteleras españolas. La película es una cruda y despiadada parodia de una sociedad hipócrita, egoísta, mezquina, que vive de las apariencias y que permanece adocenada dentro de una realidad triste y gris. Imagino que ese humor negro, tan habitual en nuestra forma de ver la vida, y la sutileza con la que realiza determinadas críticas, lograron que los censores, señores más bien cortos de entendederas, pasaran por alto lo que era, a la postre, un palo en toda regla al sistema y los que formaban parte de él. La cinta no deja títere con cabeza. Las clases pudientes son retratadas como un conjunto de hipócritas beatos a los que sólo les importa las apariencias; la clase media son un conjunto de seres mezquinos dispuestos a todo por quedar bien con los primeros; los obreros, encarnados por Plácido, seres egoístas que se limitan a hacer lo que pueden por sobrevivir. Por último los pobres, nos son mostrados como seres miserables que se limitan a observar lo que pasa con escepticismo y sin enterarse absolutamente de nada. A este respecto, la secuencia en la que el mendigo está a punto de morir resulta modélica. En ella vemos a la familia organizadora preocupándose únicamente del estado civil del mendigo, la anfitriona de colocar sábanas de hilo y del aspecto de su asistenta, Plácido de cobrar para pagar la letra, al tiempo que el pobre, encarnado por el extraordinario Luis Ciges, se limita a mirarlo todo mientras se come las sobras de la cena. Sencillamente extraordinario. Berlanga ambienta su película en una anónima ciudad de provincias. Este pequeño entorno le sirve como microcosmos para presentarnos a un buen número de personajes a los que retrata sirviéndose exclusivamente de los pequeños detalles. Este es uno de los grandes aciertos del director: el ser capaz de generar un microcosmos pleno de sentido en el que participan infinidad de personajes que son, a la vez, un impagable catálogo de los mayores defectos de nuestra sociedad. A ello, que es un trabajo fundamentalmente de guión, ayuda un casting inmenso en el que cada actor comprende a la perfección los registros que le ha de ofrecer a través de sus personajes. La película se estructura en cinco grandes bloques que se ambientan en diferentes escenarios de la ciudad, tan prototípicos como representativos de la realidad de la época. En ellos se cruzan todos los personajes, lo que da pie a que contemplemos uno de los grandes temas que trata Berlanga con la película: la falta de comunicación. Los personajes son incapaces de ponerse de acuerdo entre ellos, no se escuchan y cada uno defiende sus propios intereses sin empalizar con los de los demás. La magistral secuencia en la que el pobre se niega a casarse y la señora rica le mueve la cabeza obligándole a asentir, es muy significativa: en el fondo lo que importan son los intereses individuales, el propio beneficio y la necesidad de ofrecer una imagen que no se corresponde con la realidad. La cinta está llena de dobles sentidos relacionados con esta idea: la falta de compromiso del banco a la hora de conservar la letra, la llegada de actores de tercera fila y no las grandes estrellas que habían prometido, la subasta cargada de hipocresía y necesidad de aparentar, o la magistral secuencia en la que el locutor se inventa el diálogo entre la artista y el pobre, mientras estos improvisan una conversación tan surrealista como divertida. Lo más brillante de la película es que, aunque todos quieran aparentar, al final cada uno se queda con sus propias miserias. Nadie progresa, todo queda como estaba. La frase final de Plácido, cuando recuerda que el próximo mes se verá en el mismo fregado por culpa de la letra, nos muestra que todo sigue igual, que nada cambia, que la hipocresía ha sido el único valor que ha predominado durante toda la noche y que los personajes volverán a sus miserables vidas de provincias en una España tan gris como la extraordinaria fotografía de Francisco Sampere que los retrata. Berlanga dio un salto cualitativo con esta película. Dejando parcialmente de lado sus intereses estéticos por el neorrealismo, que se mantienen en la fotografía y la banda sonora, decide acercarse más a la tradición del esperpento y la comedia negra española como vehículo para retratar no tanto historias, que no le interesan demasiado, como una sucesión de situaciones que conjuntadas ofrecen un discurso lógico y coherente. Este cambio estilístico también se ve en la puesta en escena. Berlanga opta abiertamente por estructurar su película a partir de largos planos secuencia que no sólo serán una marca de fábrica a partir de entonces, sino que le servirán para mostrar con todo lujo de detalles el universo de personajes que pueblan sus ficciones. El director le da absoluta libertad a un plantel de actores impresionante (grandiosos José Luis López Vázquez, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre,Elvira Quintillà, Amelia de la Torre) que dotan a sus personajes de una humanidad y espontaneidad envidiables. Uno no puede menos que sorprenderse por la solvencia de unos intérpretes que, sin afán por destacar, eran capaces de algo tan sencillo como era vocalizar y recitar sus diálogos a la perfección. Vamos, igualito que lo de ahora. Esta presunta dejadez en la estructura formal de la película, no ha de ser óbice para reconocerle al director sus logros a la hora de plantear la puesta en escena. Desde esa imagen inicial en la que la puerta del lavabo se encadena con la del banco, pasando por los elementos que coloca en un segundo plano y que complementan y enriquecen el discurso de la cinta, llegando a su decisión de reservar los primeros planos sólo para aquellos momentos de la película que realmente lo requieran, todo en ella funciona a la perfección. Plácido es una obra maestra y una película de una importancia cumbre en nuestra cinematografía. Berlanga logró aunar como nunca fondo y forma a través de una historia en la que se habla, y muy claro, sobre la situación de un país que vivía en una auténtica caverna política, moral y emocional. Con Placido el director valenciano lograba por primera vez ofrecer un producto inmaculado que se adaptaba perfectamente a su particular filosofía y forma de entender el mundo. Tras esta película, vendría El Verdugo, una cinta que le reafirmaba en la misma línea ideológica y estilística, y gracias a la cual el director se convirtió en uno de los grandes nombres del cine europeo. Pero eso ya es otra historia.
