SINOPSIS:. Maltazard ha conseguido colarse en el mundo de los humanos. Su objetivo es sencillo: reclutar un ejército de gigantescos secuaces y dominar el universo. Arthur parece ser el único capaz de frustrar sus planes, pero primero tendrá que volver a su habitación y recuperar su tamaño normal. Aunque sigue atrapado en un diminuto cuerpo de Minimoy, contará con la ayuda de Selenia y Betameche, y, sorprendentemente, también con la de Darkos, el hijo de Maltazard, que afirma estar de su lado.
COMENTARIO: Arthur y la guerra de los mundos es la tercera y última entrega de la trilogía ideada por Luc Besson tras Arthur y los Minimoys y Arthur y la venganza de Maltazard. Es curiosa la trayectoria del director galo. Tras sorprender a propios y extraños con títulso tan curiosos como El profesional o El quinto elemento, el fracaso comercial de Juana de Arco le llevó a embarcarse en la producción de esta trilogía animada basada en los cuentos de Celine García.
Si esta crítica la realizara mi hijo de seis años, sin duda la calificaría con un 10. Desde que la estrenaron la ha visto dos veces. Si a eso le sumamos las incontables ocasiones en las que ha visualizado las dos partes anteriores, deducimos que algo debe tener la película. A mí, que ya paso la cuarentena, me pareció un producto bastante flojo, sin mucha chicha y en el que encontramos pocos elementos de interés. La cinta sigue las aventuras del Minimoys justo donde se quedo la segunda parte y lo resuelve de una forma bastante previsible.
Pero este producto va pensado para niños y a ellos, visto lo visto, les gusta mucho. Así que algo tendrá. Pues eso, para ver con los niños o para los muy, muy frikis del cine de animación. Por cierto: ¿Hasta qué extraño abismo ha caído la carrera de Mia Farrow para aparecer en esta película? Misterios del cine
LO MEJOR: La animación es correcta. LO PEOR: Si tienes más de ocho años te resultará muy poco interesante.
SINOPSIS: Un guionista norteamericano algo bohemio que quiere ser escritor llega con su prometida Inez y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde conocerá a Hemingway, Scott Fitzgerald, Dalí y Picasso, entre otros artistas
COMENTARIO: Ya hace años que la mejor palabra que define la obra reciente de Woody Allen es irregularidad. El realizador neoyorkino, que dirige una película al año, no resulta infalible y alguno de sus últimos títulos mostraban un agotamiento creativo importante. No sólo hablo de esa enorme castaña llamada Vicky Cristina Barcelona, sino de otros títulos que, tal vez con la excepción de Match point, estaban por debajo del talento del realizador. Y es que, por mucho que nos empeñemos, no se puede acertar siempre.
Por todo ello, lo cierto es que me daba bastante pereza ir a ver Midnight in Paris. Las buenas críticas cosechadas durante su pase en el Festival de Cannes y los comentarios positivos de algunas personas me hicieron ir a verla mucho antes de lo que yo pensaba. Y no me arrepiento lo más mínimo.
Allen ha retomado con esta película el pulso firme que había perdido y nos ofrece una película deliciosa, mágica y que logra atraparnos encima de la butaca durante sus casi dos horas de proyección. La historia es sencilla: un escritor norteamericano (extraordinario Owen Wilson) se ve inmerso en el parís de los años veinte donde conoce a toda la bohemia cultural que vivía en la ciudad. A partir de ahí, Allen realiza un discurso sobre la idealización del pasado, las oportunidades perdidas y lo difícil que resulta encontrarnos a nosotros mismos. El personaje encarnado por Wilson se adentra en un mundo fantástico en el que puede alejarse de la realidad, huir de sus miedos, alejarse de su insoportable novia y vivir un sueño. Pero los sueños son sólo sueños, y hasta dentro de ellos existen pequeñas miserias y momentos de desilusión. La vida hay que afrontarla y aprender, pese a las perdidas, a ser consecuente con nuestras decisiones y nuestro destino. Sinceramente creo que este es el discurso que pretende ofrecernos Allen. Esa imagen final con una Léa Seydoux imitando a la Mia Farrow más joven y hermosa, es una perfecta muestra de las intenciones del autor. Cualquier pasado fue mejor… siempre que lo idealicemos.
Da igual que el guión tenga agujeros más que evidentes, que la misoginia de Allen palpable en determinados momentos y que algunos personajes sean excesivamente estereotipados. La cinta es una delicia y se la recomiendo encarecidamente.
LO MEJOR: Es una delicia de principio a fin. LO PEOR: El guión contiene bastantes incoherencias.
SINOPSIS: Estamos en un mundo alternativo, un mundo asolado por siglos de lucha entre vampiros y hombres. La historia gira en torno a un legendario sacerdote guerrero que desde la última Guerra Vampírica vive en la oscuridad junto a otros humanos oprimidos dentro de los confines de los muros de ciudades gobernadas por la Iglesia. Cuando su sobrina es secuestrada por un grupo de vampiros asesinos, el sacerdote rompe sus votos sagrados para aventurarse en una obsesiva odisea para hallarla antes de que la conviertan en uno de ellos. A su cruzada se suma el novio de su sobrina —un joven sheriff de las tierras arrasadas— y la ex guerrera sacerdotisa, quien posee poderes de lucha sobrenaturales.
COMENTARIO: Basada en un exitoso manhwa (que es como se denomina a los mangas realizados en Corea del Sur) de Hyung Min-woo, El sicario de Dios es la nueva obra del director Scott Stewart, un técnico de efectos especiales que dio el salto a la gran pantalla con esa enorme castaña llamado Legión. Aquí el realizador vuelve a una historia con componendas religiosas para manufacturar un entretenimiento tan liviano como inocuo. Y es que no lo podemos negar: el interés de la película no va más allá de un mero espectáculo de efectos especiales y acción bien realizado y que nos hace pasar un rato de lo más entretenido. Que nadie busque aquí ni una historia mínimamente profunda ni una sesudo reflexión sobre el sentido de la fe. Esto es espectáculo palomitero pensado para un consumo rápido y no demasiado exigente.
Con un guión que es un refrito de Centauros del desierto de John Ford y cuyo desarrollo argumental es tan simple que a buen seguro lo escribieron sobre una servilleta de bar (la cinta dura algo más de 80 minutos), unos diálogos funcionales, una historia que no insulta demasiado la inteligencia de los espectadores, una nada disimulada vocación de serie B y la presencia de dos actores carismáticos como son el inquietante Paul Bettany y la extraordinaria Maggie Q, la cinta no deja de ser un western moderno en el que se cambian a los indios por vampiros, los cowboys por sacerdotes y los caballos por motocicletas de última generación. Vamos, un simple entretenimiento para abrir boca antes de los grandes estrenos de la época estival.
Una advertencia para navegantes. Uno empieza a estar hasta las narices de las tres dimensiones. Cada vez tengo una mayor certeza de que este formato se ha convertido en el timo de la estampita, en una burda forma de sacarle tres euros más a los incautos espectadores con la excusa de un espectáculo que, francamente, no se ve por ningún lado. De verdad, como sigan en este plan van a conseguir que la gente huya de las tres dimensiones como de la peste. Avisados quedan.
LO MEJOR: Su absoluta falta de pretensiones LO PEOR: El guión es prácticamente inexistente.
SINOPSIS: Thor es un poderoso pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra con los gigantes de hielo. Como consecuencia, Thor es castigado a ser enviado a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe, sobre todo cuando un temible enemigo aparece en nuestro mundo con la intención de conquistarlo.
COMENTARIO: Dentro de las dos grandes compañías estadounidenses dedicadas al cómic de super héroes, Marvel ha tomado una gran ventaja sobre su competidora DC a la hora de trasladar a sus personajes a la gran pantalla. Mientras la segunda se ha centrado en sus dos principales franquicias (Batman y Superman) obviando al resto de su rico catálogo de personajes (algo parcialmente paliado con el estreno este verano de Green Lantern de Martín Campbell), Marvel ha logrado crear una producción constante y seria en la se combinan productos de presupuesto medio con grandes superproducciones pensadas para arrasar durante los meses estivales. Desde el éxito de la primera parte de Spiderman de Sam Raimi, no ha pasado un verano sin que llegue hasta nuestras pantallas una nueva aventura protagonizada por uno de los personajes de la casa. Este verano, sin ir más lejos, nos llegarán tres: Thor, X-Men primera generacióny Capitán América, el primer vengador. Y ya hemos podido ver Thor.
Cuando se anunció el proyecto, me sorprendió parcialmente la elección de un director como Kenneth Branagh para dirigir la película. Y digo parcialmente porqué si bien Branagh es un director muy alejado de los grandes bloockbusters veraniegos, no es menos cierto que Marvel siempre se ha destacado por seleccionar a los directores más adecuados a las características definitorias de cada personaje. Y quien mejor que Branagh, un hombre especializado en Shakespeare, para llevar a imágenes un conflicto familiar entre padres e hijos ambientada en el marco del reino de los dioses nórdicos. Esta circunstancia, el perfil tan marcado de un director que se siente cómodo narrando grandes tragedias épicas, son las que han motivado la enorme irregularidad de la película.
La cinta funciona muy bien cuando está ambientada en la mítica Asgard. Ahí los personajes tienen profundidad, sus conflictos nos enganchan y nos interesan y las acciones y, especialmente, los condicionantes que las motivan y articulan , resultan creíbles e interesantes. El problema es cuando la historia llega a la tierra y se ambienta en California. Ahí nos encontramos con un producto soso, anodino y sin ningún tipo de gracia. Parece que los guionistas han impostado la acción desarrollada en el mundo real como excusa para atraer al gran público y para ir preparando al personaje para su próxima aparición en los vengadores.
La película es entretenida, se deja ver y sus dos horas pasan por un suspiro. Pero da la impresión de que el director pierde el interés cuando desaparecen los conflictos familiares y tiene que centrarse en lo mundanal. Una lástima ya que podía haber sido un gran film.
Y, por cierto, Chris Hemsworth, el fulano de Elsa Pataki, es uno de los peores actores que uno haya tenido la mala suerte de sufrir en una pantalla.
SINOPSIS: Nos encontramos en un futuro no muy lejano. La tierra ha sido devastada por una hecatombe nuclear y los seres humanos sobreviven como pueden en un mundo donde impera la ley del más fuerte. Por las carreteras de ese mundo circula Eli, un hombre solitario que busca llegar al oeste para poder entregar un libro que protege a cualquier precio. El problema es que algunos quieren hacerse con ese libro que puede cambiar el destino del hombre.
COMENTARIO: El libro de Eli es una de esas películas que, sin ser nada del otro mundo, nos proporcionan un sano y jovial entretenimiento para esas tardes en las que uno tiene ganas de ver una peli que no le proporcione excesivos quebraderos de cabeza. Los hermanos Hugnes, que ya mostraron que manejaban a la perfección los resortes del cine comercial en la interesante Desde el infierno, son capaces de filmar con pulso firme una historia sencilla y sin demasiadas pretensiones pensada para el consumo masivo. A partir de un guión muy esquemático, ellos definen bien a los personajes, realizan una buena tarea de dirección de actores (tanto Denzel Washington como mi idolatrado Gary Oldman están magníficos), plantean una puesta en escena funcional en la que las secuencias de acción están magníficamente resueltas y nos meten dentro de una atmósfera agobiante y opresiva, con la única intención de dignificar un producto que, en manos de otro realizador, podía haber dado lugar a un churro patatero de campeonato.
No quiero desvelar mucho de la trama ya que la película contiene un par de sorpresas finales que, a buen seguro, dejarán a más de uno con la boca abierta. Pero lo que si afirmo es que si queréis pasar dos horas de puro entretenimiento, esta es vuestra propuesta para las vacaciones.
SINOPSIS: La película nos narra el día a día de un comando de artificieros del ejército destinado en Irak. El grupo lo componen el temerario sargento James, el sargento Sanborn y el especialista Eldridge. Cada uno intenta sobrevivir como puede en un territorio plagado de locura en el que nada parece tener sentido.
COMENTARIO: Con mucho retraso realizo el comentario de la película que ha triunfado en la última ceremonia de entrega de los Oscars de Hollywood. Tengo que reconocer que para mi ha sido una sorpresa que esta cinta, que ni es un film sencillo ni está pensado (ni planteado) para agradar al gran público, se haya alzado con el premio gordo. Y es que esta película se ha de observar y analizar con sumo mimo, ya que tras la aparente sencillez de la historia, se esconde una reflexión sobre la guerra y sus complejidades.
En primer lugar quiero destacar la labor de la directora Kathryn Bigelow, una mujer con una enorme capacidad para plasmar historias en imágenes (suyas son las interesantes Los viajeros de la noche, Le llamaban Bodhi y Días extraños) y que, lejos de reivindicar eso tan etéreo, vago (y absurdo) llamado la "mirada femenina" (Nunca entenderé todas aquellas personas que defienden esa teoría de que algunas directoras tienen una sensibilidad especial a la hora de poner en imágenes una historia. Y ojo, hablo de filmar, del oficio de director; no de guiones que eso ya es otro tema. Vamos si el paradigma de esa supuesta "mirada" son señoras como Isabel Coixet o Jane Campion, es como para planteárselo en serio), se ha dedicado a rodar con oficio y sabiduría los diversos guiones que le han llegado a las manos. Que duda cabe que la Bigelow no es una autora; pero nadie le niega su enorme talento para atrapar al público desde el primer hasta el último minuto de sus películas.
En segundo lugar señalar que el tema principal de En tierra hostil es la adicción a la guerra. Si algo tengo claro a estas alturas es que para algunas personas cuya vida carece de sentido, de horizonte y de cualquier tipo de propósito, la violencia es la única salida. Eso sucede desde que el mundo es mundo y, muy probablemente, explique muchas de las atrocidades que ha cometido el ser humano a lo largo de la historia. Esta película nos habla de ello a partir del personaje de James, un hombre al que todo le importa un pito y cuya única vávula de escape es la adrenalina que le corre por el cuerpo cuando se enfrenta a las bombas. Frente a él tenemos a un militar cobarde que sólo quiere acabar su contrato para volver a casa y a un tonto, a un digno representante de todos esos jóvenes cuyo patriotismo y sentido del deber (siempre de boquilla) choca con la cruda realidad que cada día marca el silvido de las balas. Por ello no es extraño que a uno lo interprete un negro (el ejercito como vía de escape ante las pocas espectativas laborales) y al otro un digno representante del white trash característico del medio oeste norteamericano. Y entre todos estos personajes, un reguero de sangre, sufrimiento, dolor, incoherencia, falta de empatía, muerte... el sin sentido de una guerra que padecen la población civil y de unos militares que no saben muy bien que están haciendo ahí. A este respecto a una secuencia genial que define la esencia de la película: aquella en la que los protagonistas pasan el rato pegándose puñetazos en el estómago. No hay mejor forma de reflejar el absurdo que conllevatodo lo que están haciendo.
A mi la película me ha recordado mucho a la segunda parte de la obra maestra de Stanley KubrickLa chaqueta metálica: tanto Kurick como Bigelow han sabido retratar a la perfección lo que implica estar luchando contra ni se sabe muy bien qué, ni cómo, ni con quien. En tierra hostil no es una obra maestra pero si una gran película.
LO MEJOR: La puesta en escena, los actores, la tensión... LO PEOR: En ocasiones resulta demasiado críptica.
SINOPSIS: Ryan Bingham tiene un oficio de lo más peculiar: recorre miles de kilómetros por todos los Estados Unidos con el objetivo de despedir a trabajadores cuyas empresas no se atreven a dar la cara. Él ha hecho de tan ingrata tarea todo un arte y es feliz sin una residencia fija y recorriendo el país de punta a punta. Toda su chanza puede cambiar si se implanta la idea de una jóven ejecutiva que pretende implementar un sistema para despedir mediante teleconferencia. Con la finalidad de que su empresa no adopte esa decisión, Ryan viaja con la chica para enseñarle los secretos del oficio.
COMENTARIO: Up in the air ha sido uno de los films más unánimemente alabados de los últimos meses, nominaciones a los Oscar incluidas. Obra de Jason Reitman, uno de los directores con mayor proyección del actual panorama cinematográfico y autor de las interesantes Gracias por fumar y Juno, la cinta es una propuesta curiosa que, si bien tiene muchos elementos interesantes, a mi me ha dejado bastante frío.
Y tengo que reconocer que su arranque es francamente prometedor. La historia nos presenta a Ryan Bingham, una persona tan carismática como egoísta, tan enamorada de su trabajo como de él mismo y tan profesional como inmaduro, cuya vida discurre sin complicaciones emocionales ni compromisos familiares (que son, no lo neguemos, dos de los ámbitos que más nos complican la vida a los seres humanos). A la definición del personaje ayuda mucho un George Clooney en estado de gracia, cargado de carisma y que ha logrado eso tan difícil para un actor como es definir a sus personajes a través de miradas y pequeños matices gestuales. Durante estos 45 minutos en los que se nos presenta al personaje y sus circunstancias, la cinta deviene dinámica, la definición de los personajes perfectas y la historia mezcla con habilidad las dosis perfectas de humor y crueldad como para que uno piense que está ante una obra estimable.
Todo se empieza a complicar cuando aparece en escena la ejecutiva (interpretada, siempre desde mi punto de vista, de forma espantosa por una Anna Kendrick que resulta de lo peor de la película) y acaba de estropearse cuando el protagonista acude a la boda de su hermana y, de golpe y porrazo, descubre las bondades de la vida en pareja. Y ojo, no estoy criticando ni el giro romántico ni la concesión hacia la idea de que "el amor lo puede todo", sino lo incoherente que resulta que un personaje tan bien definido y coherente, cambie por arte de magia de esa manera. Repito, el principal problema es que la historia se sustenta sobre un personaje que varía su filosofía vital de golpe y porrazo sin que, y lo digo como lo sentí, se nos expliquen unos motivos creíbles sobre por que lo hace.
Ojo, ni es una mala película ni carece de elementos de interés (Clooney, la estupenda Vera Farmiga, sus primeros 45 minutos que son modélicos, un final que no da ninguna concesión al espectador, una puesta en escena más que correcta...), pero a la que le falta un punto de profundidad y, por que no decirlo, de coherencia para resultar redonda.
LO MEJOR: Sus primeros 45 minutos LO PEOR: La secundaria Anna Kendrick.
SINOPSIS: Estamos en 1954. El marshall Teddy Daniels llega a un sanatorio mental prisión ubicado en una isla. Su misión es investigar la extraña desaparición de una reclusa que asesinó a sus tres hijos. Una vez ahí, todo estará envuelto de una atmósfera enrarecida que logrará que Teddy se vea inmerso en un ambiente de pesadilla y locura. En la isla nada es lo que parece.
COMENTARIO: Ante todo disculparme por no haber actualizado el blog en muchos días. Una punta de trabajo inhumana ha impedido que pudiera dedicarme a actividades menos lucrativas, pero no por ello más placenteras. Una vez superado el agobio me dispongo a actualizar la web con el montón de pelis que tengo pendientes.
Y empiezo por una de las cintas que más está dando que hablar durante estos días. Y es que por fin ha llegado hasta nuestras carteleras, cuatro años después de su magistral Infiltrados, la última obra del maestro Martin Scorsese. Tengo que reconocer que a mi me interesa mucho la obra del autor neoyorkino. Dejando de lado coñazos como New York, New York, La última tentación de Cristo o Kundum, su cine me fascina por su innegable capacidad para recrear unas atmósferas y una visceralidad que convierten a sus películas en experiencias fascinantes y emocionales (e incluso emocionantes). En muchas ocasiones da lo mismo que el guión esté más o menos elaborado o esté mejos o peor trenzado: la fuerza de sus imágenes compensa con creces sus carencias y excesos a la hora de explicar historias.
Con Shutter Island sus defectos y virtudes se acentúan como nunca. Si a nivel visual la película es absolutamente fascinante y sus imágenes logran cautivarnos en todo momento, la historia es previsible y tramposa como pocas.
No me quiero marcar ningún mérito, pero a los cinco minutos sabía perfectamente por donde iban los tiros. Y es que cualquiera acostumbrado a este tipo de cine, lo ve venir todo con una claridad meridiana. Por lo demás, a mi la historia me pareció poco creíble, manipuladora y carente de cualquier tipo de lógica (incluso en la irracionalidad tiene que existir ua cierta coherencia). Parece que Scorsese haya decidido que al ambientar su historia en una institución mental todo valía. Y, afortunadamente, las cosas no son así. A este respecto me hubiera gustado ver que hubiera hecho un Ken Rusell en plena forma.
Es una gran película: No. Es una buena película; pues no se que decir. Sus imágenes son poderosas y magnéticas, pero la historia que nos cuenta naufraga por unas aguas poco cristalinas que, en algunas ocasiones, rozan lo pantanoso.
Ustedes mismos.
LO MEJOR: La puesta en escena. Portentosa
LO PEOR: La falta de coherencia de todo lo que pasa.
SINOPSIS: Lawrence Talbot regresa a casa de su padre para asistir al funeral de su hermano asesinado en extrañas circunstancias. Tras salir una noche de luna llena a investigar, es mordido por un extraño animal que le transmite la maldición del hombre lobo. Ese será el inicio de una dramática existencia en la que Talbot no podrá luchar contra su destino.
COMENTARIO: Los amantes del fantástico seguíamos con curiosidad la evolución de esta película. Y es que las noticias que nos llegaban desde el otro lado del charco no eran nada halagüeñas: retrasos en su filmación, el director Joe Johnston despedido durante la fase de montaje, el responsable de la segunda unidad rodando escenas adicionales, unos test de pruebas catastróficos... Todo ello motivó que la cinta tuviera que ver atrasado su estreno más de un año y que la productora se viera obligada a invertir más de treinta millones de dólares en salvarla.
Con estos antecedentes uno se temía lo peor. Y, hombre, si bien no estamos ante una obra maestra del séptimo arte, lo cierto es que la película se deja ver y resulta muy entretenida. Si, el guión es esquemático, los personajes están escasamente definidos y las situaciones carecen de cualquier tipo de lógica, pero los momentos en los que aparece el licántropo son brillantes (y mucho más gore de lo que uno se podía imaginar) y están muy bien resueltos.
Efectos especiales cojonudos, una banda sonora de Danny Elfman sospechosamente parecida a la que Wojciech Kilar compuso para el Drácula de Coppola y unos actores simplemente correctos, son los complementos de esta película que no pasará a la historia del cine.
LO MEJOR: Los momentos en los que actúa el hombre lobo
SINOPSIS: Estamos en la noche de Halloween y varios personajes vivirán una serie de terroríficas historias en las que veremos a asesinos en serie, fantasmas, hombres lobo, vampiros, rituales macabros y monsntruos varios. Todos los personajes se irán cruzando hasta confluir en un terrorífico final.
COMENTARIO: Uno no acaba de entender que criterios siguen los distribuidores a la hora de decidir que películas llegan a la gran pantalla y cuales pasan directamente al infierno de la distribución directa en DVD. Y digo eso por que es incomprensible que una película tan mala como el remake de El padrastro se haya estrenado en cines de todo el país, y un producto tan interesante, original y entretenido como este Truco o trato vaya a pasar desapercibida para la inmensa mayoría de los espectadores.
Sin ningún tipo de pretensión y con un planteamiento muy original, el debutante Michael Dougherty nos ofrece una película en la que convergen varias historias que, en un momento u otro del relato, se van entrelazando con mayor o menor intensidad. El mayor acierto es que, aunque parte de situaciones muy manidas y mil veces vistas, es capaz de sorprendernos con un planteamiento original y una historia en la que uno no sabe nunca por donde van a discurrir las cosas. El director se basa en las historias de miedo de toda la vida, pero sabe darles la vuelta y ofrecer nuevas perspectivas sobre ellas.
La cinta me ha recordado mucho al Creepshow que en 1982 manufacturaron con excelentes resultados George A. Romero y Sthepen King, con la diferencia de que aquí se han incorporando más referentes pop y una mayor capacidad para generar tensión. Además su diseño de producción es extraordinario (la secuencia del autobús escolar está super lograda y da mal rollo de verdad) y las ideas fluyen a lo largo de toda la película.
De verdad, una pelíi muy recomendable para todos aquellos a los que les guste el cine de terror. Les aseguro que se sorprenderán gratamente.
LO MEJOR: La originalidad de la propuesta LO PEOR: Que no se haya estrenado en cines.
SINOPSIS: Clareece Precious es una joven obesa mórbida que vive en el Harlem de finales de los años ochenta. Su vida no es fácil: despreciada por todos a causa de su aspecto físico, la muchacha tiene que soportar los continuos abusos sexuales de su padre (del que está embarazada de su segundo hijo) y las palizas de su madre. Todo cambiará cuando ingrese en una escuela alternativa que le ofrezca una nueva perspectiva de las cosas.
COMENTARIO: Seguimos con nuestro repaso a las películas nominadas a los Oscar con una de las cintas que más controversia han despertado. Y es que a Precious una buena parte de la crítica especializada la esta poniendo literalmente a parir: que si es pornografía emocional, que si sólo busca manipular los sentimientos de los espectadores, que si es excesiva y de mal gusto... Un auténtico clamor popular contra la cinta que, muy probablemente, condicionará en negativo su carrera comercial.
Y que quieren que les diga; pues a mi la película me ha gustado. Reconozco que no es una obra maestra, que tiene partes muy discutibles y que a veces cae en la lágrima fácil y la autocomplacencia. Pero, de la misma manera, su visionado me ha mostrado una historia honesta sobre una persona cuya vida es un infierno y que hace lo que puede para sobrevivir. Al director Lee Daniels no le interesa mostrar los actos desagradables (el uso de la elipsis es muy certero), sino profundizar sobre las causas y consecuencias de ellos. Por ello lo que prioriza es la historia de supervivencia de una mujer a la que no le queda más remedio que crear un universo de fantasía que le permita evadirse y saber aceptar las pequeñas cosas que le da la vida. El director no pretende darnos una lección de moral ni engañarnos con falsos "Hasppy Ends"; lo que busca es demostrar que, aunque somos víctimas de nuestras circunstancias, todavía podemos ser dueños de pequeñas partes de nuestros destinos.
La cinta tiene momentos crudísimos y refleja toda la miseria moral que somos capaces de desplegar los seres humanos; pero ello lo hace respetando a los personajes y huyendo de los estereotipos. Aunque algunos de ellos lleven a cabo actos incalificables, la película nos demuestra que detrás siempre hay algo, una auto excusa, una autoindulgencia que nos hace justificarlos (y justificarnos a nosotros mismos) por terribles y dolorosos que sean. Aquí no hay buenos ni malos: sólo hay personas a las que la vida les ha jodido a base de bien y que, por aquello de que uno nace donde nace, están condenados de antemano. En medio sólo nos queda sobrevivir como podemos y construir nuestra propia entidad moral.
Si, la película es terrible y la protagonista sufre todo tipo de penurias, pero honestamente no creo que eso se aleje mucho de la realidad que viven muchas personas; de las miserias que podemos encontrar en este mundo.
Para ser sinceros, me pareció mucho más manipuladora, excesiva y emocionalmente tramposa Babel de Alejandro González Iñárritu. Si, esa misma película que muchos de los que ahora machacan a Precious alabaron como el no va más de la modernidad. Y es que hay que joderse.
Destacar que los actores están sobervios, con una sorprendente interpretación de una irreconocible Mariah Carey.
LO MEJOR: El realismo que logra impregnar a la historia. LO PEOR: Los momenos onírcos.
SINOPSIS: Una enorme nave espacial se posa sobre la ciudad de Johannesburgo (Sudáfrica). Tras la perplejidad inicial, los extraterrestres son confinados en un campo de refugiados llamado Distrito 9 en el que se les hace vivir en condiciones infrahumanas. A causa del crecimiento demográfico, las autoridades se ven obligadas a llevar a los extraterrestres a otro lugar. Pero el desalojo no será nada fácil.
COMENTARIO: Empezamos nuestro repaso a las películas nominadas a los Oscar con esta producción estrenada a principios del mes de septiembre. Y lo cierto es que su inclusión entre las candidatas no nos extraña ya que se trata de una de las propuestas más originales, innovadoras e interesantes que el género de la ciencia ficción nos ha ofrecido en mucho tiempo.
El planteamiento es sumamente original. La primera parte de la película está planteada como si se tratara de un falso reportaje televisivo y en ella se nos describe la situación en la que viven los refugiados extraterrestres. Alejándose de los cánones establecidos, la cinta opta por el verismo y nos ofrece una realidad en la que la degradación, la cochanbre, la miseria, las mafias y la corrupción campan a sus anchas. Todo ello va acompañado de declaraciones de los habitantes de Johannesburgo en el que el racismo, la incomprensión y la intolerancia que los seres humanos solemos mostrar en situaciones similares, se hacen más que evidente. El gran acierto de la cinta, y lo que hace tan impactante esta primera parte, es que en ningún momento se cae en demagogias y se nos muestra una realidad que, precisamente por cercana, resulta totalmente verosímil.
En la segunda parte la cosa decae un poco ya que la historia pierde el acertado tono documental, para centrarse en la odisea de un funcionario que es infectado por un extraño virus y que tiene que aliarse con un extraterrestre para poder huir de una corporación que quiere utilizarlo como "conejillo de indias". Aquí la cosa se centra más en la acción y se pierde la originalidad del planteamiento inicial en pro de empatar al público con persecuciones y tiroteos varios.
Empero, ello no es óbice para reconocer que el debutante Neil Blomkamp ofrece un buen espectáculo visual en el que un presupuesto muy ajustado de 30 millones de dólares luce como si fuera una gran producción de 150. Bien rodada, con momentos francamente espectaculares y sin darle un respiro al espectador, la película logra sobreponerse a los tópicos habituales dentro del cine de ciencia ficción y crear una historia muy original que no defraudará a nadie.
Una propuesta interesante que, pese a sus evidentes irregularidades, demuestra un nivel medio más que notable. Si se la perdieron en su estreno comercial, no duden recuperarla en su edición en DVD. No se arrepentirán.
LO MEJOR: La originalidad de la historia.
LO PEOR: En su segunda mitad la historía se vuelve más tópica y previsible.
Ayer se dieron a conocer las nominaciones a los Oscar. Aunque hace años que tengo muy claro que estos premios están pensados únicamente como estrategia de promoción y que cualquier parecido entre las películas del año y los mejores títulos estrenados es pura coincidencia, no dejo de negar su capacidad para lograr el interés del gran público que es, a la postre, el que se deja los cuartos en la taquilla. Los Oscar son glamour, autobombo y un negocio como la copa de un pino. No hay que darle más vueltas y los norteamericanos lo tienen claro desde hace años.
Sea como fuere, y dado el interés que suele despertar esta ceremonia, durante los próximos días intentaré reseñar las películas que están nominadas en las categorías a la Mejor Película. Por si alguien no lo sabe, este año se nominan 10 títulos que son:
SINOPSIS: A pesar de haber caído desde un helicóptero, Chev Chelios sobrevive y es raptado por un grupo de chinos que le extraen el corazón y le implantan uno de plástico provisional. Tras fugarse, Chelios tendrá que recorrer la ciudad en busca de su corazón original enfrentándose a todo tipo de delincuentes. El problema es que para que el corazón no se pare se ha de someter a descargas eléctricas. Será una carrera loca por sobrevivir.
COMENTARIO: Crank, veneno en la sangre fue una agradable sorpresa cuyo mayor acierto era el no tomarse demasiado en serio a si misma, ofreciendo un espectáculo de acción que, al menos desde el punto de vista formal, funcionaba a las mil maravillas. El éxito de la cinta propició una secuela perpetrada por el mismo equipo técnico y artístico y que en nuestro país se ha estrenado directamente en DVD.
Para disfrutar Crank 2 hay que dejar los prejuicios de lado. Conscientes de que era muy difícil sobrepasar el nivel adrenalínico de la cinta original, los responsables han optado por ir todavía más lejos y multiplicar por mil los excesos de la misma. El resultado ha sido un film enloquecido, donde nada tiene lógica ni sentido y en el que lo mejor es disfrutar de un desmadre y unos excesos que me cuesta mucho recordar en otro film comercial. La cinta no es más que un cartoon de Tex Avery o Chuck Jones con personajes de carne y hueso en el que todo vale. Hay violencia (desmedida), despelote a mogollón (gratuito, garrulo y desternillante), humor casposo, homenajes a un montón de pelis de Serie B (la recreación de La Batalla de los simios gigantes de Ishiro Honda o el polvo en el hipódromo a lo Russ Meyer son memorables) y unos actores que son plenamente conscientes de que están participando en una gran broma. Destacar a Jason Statham, un hombre que por su carisma y sentido del humor se ha convertido en el mejor actor con el que cuenta el cine de acción hoy en día.
SINOPSIS: Luisa Llorente es una tasadora inmobiliaria que desaparece tras visitar la mansión Valdemar, una extraña casa sobre la que pesa una terrorífica leyenda. Maximilian, el jefe de Luisa, contrata al detective Nicolás Tramel para que descubra el paradero de la joven. Durante el camino conocerá la historia de Lázaro y Leonor Valdemar, las personas que habitaron la casa a finales del siglo XIX.
COMENTARIO: Tenía muchísimas ganas de ver esta película. No sólo por que es cine fantástico (y ya saben ustedes que esa es mi debilidad) sino por que este es un proyecto novedoso dentro de la cinematografía española. Con un presupuesto de 12 millones de euros, el director José Luis Alemán decidió rodar una historia dividida en dos películas que, sin subvenciones de ningún tipo, ofreciera una nueva perspectiva industrial para la paupérrima industria cinematográfica española. Cine comercial, de género, de calidad y pensado para ser exportado. Y encima era la última interpretación de mí admirado e idolatrado Paul Naschy.
Y con todo el dolor de mi corazón tengo que reconocer que me he llevado una decepción bastante importante. A pesar de sus buenas intenciones y de un diseño de producción bastante resultón, la sensación que nos deja es la de un quiero y no puedo que, con honestidad, tiene más sombras que claros. No se si es el reparto (no hay ni uno que se salve), el irregular ritmo narrativo de la historia, la falta de verdaderos momentos de terror o la sensación de que al guión le faltaban un par de lecturas, pero lo cierto es que su visionado nos deja el sabor de boca amargo de lo que pudo haber sido y no fue.
El director opta por una narración clásica, pero la hace tan clásica que en algunos momentos tenemos más la impresión de estar ante un telefilme televisivo que ante una película pensada para atraer a los aficionados al género. Ello por no hablar de unos efectos especiales digitales que, sintiéndolo mucho, no hacen honor al dinero que se ha invertido en ellos. Y es que le mini secuencia ambientada en el infierno, más parece proceder de un videojuego que de una película medianamente seria.
Tendremos que esperar al mes de octubre para ver la segunda parte y hacer una valoración más fidedigna del producto final. Pero visto lo visto, la verdad es que la cosa no pinta nada bien.
Con toda probabilidad, hoy o mañana Avatar se convertirá en la película mas taquillera de la historia del cine. Y esto no es para tomárselo a broma ya que Titanic estaba en lo alto de esta clasificación desde el año 1997. Aunque ya he manifestado que no me gustó demasiado Avatar, es justo reconocer que Cameron tiene una visión comercial incuestionable, ya que suyas son las dos películas que más dinero han dado a lo largo de la historia.
Como curiosidad a continuación os pongo las diez películas más tquilleras de la historia (teniendo en cuenta que la información sobre Avatar será debidamente actualizada):
Nombre
Año
Recaudación (mil Millones)
Avatar
1997
1.844$
Titanic
2009
1.843$
ESDLA: El retorno del rey
2003
1.119$
Piratas del Caribe: la mano del hombre muerto
2006
1.066$
Batman: Dark Knight
2008
1.001$
Harry Potter y la piedra filosofal
2001
974$
Piratas del Caribe: El fin del mundo
2007
961$
Harry Potter y la orden del Fenix
2007
938$
Harry Potter y el misterio del príncipe
2009
934$
ESDLA: Las dos torres
2002
925$
Aprovecho para colgar las 15 películas españolas más taquilleras de la historia.
