LA TERZA MADRE

SINOPSIS: Sarah Mandy trabaja restaurando obras de arte en un museo de Roma. Un día llega hasta ella una urna que contiene las cenizas de una bruja conocida como Mater Lachrymarum. El regreso de esta hermosa, pero terrible, hechicera trae caos al mundo. Una ola de asesinatos arrasa la capital italiana mientras las brujas se reúnen para homenajear a su reina. Sarah tendrá que hacer frente a la amenaza.

COMENTARIO: Llevaba algo así como veinte años, desde que vi con 18 Suspiria e Inferno, esperando esta película. Si señoras y señores, veinte largos años rogando para que el bueno de Dario Argento solucionara los problemas legales con su ex mujer Daria Nicolodi y pudiera terminar su famosa "trilogía de las madres". Veinte largos años, como muchos de los millones de aficionados al cine de terror de todo el mundo, suspirando por ver terminada la historia de las tres madres y saber que pasaba con la famosa bruja Lachrymarum. En el año 2007, por fin, presentó la película en sociedad. En Setiembre de 2008, tras agenciarme unos subtítulos en castellano decentes, pude verla (las películas de Argento no se estrenan es España, que le vamos a hacer). Y que quieren que les diga. Y como quieren que les explique la enorme DECEPCIÓN (en mayúscula y negrita para que quede claro) que he sentido después de ver la película.
Par aquello neófitos, decir que Dario Argento es uno de los directores de cine (de terror) europeos más importantes (con permiso de Terence Fisher y Mario Bava) y sin duda el más popular. Nacido en Roma en el año 1940, Argento le otorgó al Gialo (un género eminentemente italiano de asesinos misteriosos que cometen sus crímenes motivados por traumas del pasado) categoría universal y logró dirigir durante los setenta y ochenta un gran número de grandiosas películas que han pasado a la historia del género. Algunos de sus films más importantes son Rojo Oscuro, Suspiria, Inferno, Phenomena (la favorita del que suscribe) u Opera. En los noventa le llego una imparable decadencia y películas como Trauma, El fantasma de la ópera o Insomnio demostraban que el director estaba inmerso en una imparable cuesta abajo de la que sólo salió parcialmente con la enfermiza El síndrome de Sthendal. Sus interesantes propuestas para la serie televisiva Master of Horrors (si no la han visto, se la recomiendo encarecidamente), hicieron que muchos pensáramos que al abordar su esperada Terza Madre, el director diera lo mejor de si mismo y nos ofreciera una obra maestra a la altura de su talento. Pero... mi gozo en un pozo.
La película nos narra la llegada de la madre Lachrymarum, la más chunga de todas, a Roma y como este advenimiento empieza a causar la locura en las calles. El problema de la película no es tanto que se sustente en un guión enloquecido y sin pies ni cabeza, que eso es algo habitual en el director y sus seguidores hemos aprendido a perdonárselo; el gran problema es que lo mejor que tiene Argento, su puesta en escena, no aparece por ningún lado. Si por algo nos gusta Argento es por su estética abigarrada, enfermiza, enloquecida, por su cuidado por el detalle, por unas asesinatos coreografiados al milímetro, por unaa utilización de la música desmesurada pero que logra cautivarnos, por sus angustiosos trávelings... Nada de eso encontramos en la película. Pero nada de nada. La Terza madre, si no fuera por el gore, que lo tiene y en cantidades industriales, podría pasar por uno de esos telefilmes fantásticos que emite Antena 3 los sábados a las siete de la tarde. ¡Si es que hasta los efectos por ordenador son de vergüenza ajena!.
En la película funcionan muy pocas cosas y la sensación que nos deja es de profunda fustración. Repito, lo que más me molesta no es el flojo guión; es su incapacidad para lograrme cautivar a través de las imágenes. Y eso que la película está plagada de homenajes a sus anteriores films. Y sale su hija Asia Argento . Y la música es de Claudio Simonetti Y hay mogollón de gore...
Que le vamos a hacer, lamentablemente ya se sabe que el infierno está asfaltado de buenas intenciones.

LO MEJOR: El primer asesinato, lo único auténticamente Argento que hay
LO PEOR: Lo plana ques es la puesta en escena.

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PLÁCIDO

SINOPSIS: En una pequeña ciudad de provincias, unas señoras se inventan la campaña navideña "cene con un pobre", para que los más necesitados disfruten por una noche del calor y el afecto que no tienen, sentados a la mesa de las familias pudientes. En medio de los preparativos se encuentra Plácido, que es contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero hay un pequeño detalle que le impide dedicarse únicamente a su tarea: ese mismo día de Nochebuena le vence la primera letra del motocarro, su único medio de vida.

COMENTARIO: El que suscribe, que tenía cinco años cuando murió el Francisco Franco y que ha pasado toda su vida viviendo en democracia, no puede dejar de sorprenderse ante lo que nos muestra una película como Plácido. Y es que no puedo acabar de entender como la censura de la época, que prohibía las cosas más absurdas y ridículas, permitió que este film llegara a las carteleras españolas. La película es una cruda y despiadada parodia de una sociedad hipócrita, egoísta, mezquina, que vive de las apariencias y que permanece adocenada dentro de una realidad triste y gris. Imagino que ese humor negro, tan habitual en nuestra forma de ver la vida, y la sutileza con la que realiza determinadas críticas, lograron que los censores, señores más bien cortos de entendederas, pasaran por alto lo que era, a la postre, un palo en toda regla al sistema y los que formaban parte de él.
La cinta no deja títere con cabeza. Las clases pudientes son retratadas como un conjunto de hipócritas beatos a los que sólo les importa las apariencias; la clase media son un conjunto de seres mezquinos dispuestos a todo por quedar bien con los primeros; los obreros, encarnados por Plácido, seres egoístas que se limitan a hacer lo que pueden por sobrevivir. Por último los pobres, nos son mostrados como seres miserables que se limitan a observar lo que pasa con escepticismo y sin enterarse absolutamente de nada. A este respecto, la secuencia en la que el mendigo está a punto de morir resulta modélica. En ella vemos a la familia organizadora preocupándose únicamente del estado civil del mendigo, la anfitriona de colocar sábanas de hilo y del aspecto de su asistenta, Plácido de cobrar para pagar la letra, al tiempo que el pobre, encarnado por el extraordinario Luis Ciges, se limita a mirarlo todo mientras se come las sobras de la cena. Sencillamente extraordinario.
Berlanga ambienta su película en una anónima ciudad de provincias. Este pequeño entorno le sirve como microcosmos para presentarnos a un buen número de personajes a los que retrata sirviéndose exclusivamente de los pequeños detalles. Este es uno de los grandes aciertos del director: el ser capaz de generar un microcosmos pleno de sentido en el que participan infinidad de personajes que son, a la vez, un impagable catálogo de los mayores defectos de nuestra sociedad. A ello, que es un trabajo fundamentalmente de guión, ayuda un casting inmenso en el que cada actor comprende a la perfección los registros que le ha de ofrecer a través de sus personajes.
La película se estructura en cinco grandes bloques que se ambientan en diferentes escenarios de la ciudad, tan prototípicos como representativos de la realidad de la época. En ellos se cruzan todos los personajes, lo que da pie a que contemplemos uno de los grandes temas que trata Berlanga con la película: la falta de comunicación. Los personajes son incapaces de ponerse de acuerdo entre ellos, no se escuchan y cada uno defiende sus propios intereses sin empalizar con los de los demás. La magistral secuencia en la que el pobre se niega a casarse y la señora rica le mueve la cabeza obligándole a asentir, es muy significativa: en el fondo lo que importan son los intereses individuales, el propio beneficio y la necesidad de ofrecer una imagen que no se corresponde con la realidad. La cinta está llena de dobles sentidos relacionados con esta idea: la falta de compromiso del banco a la hora de conservar la letra, la llegada de actores de tercera fila y no las grandes estrellas que habían prometido, la subasta cargada de hipocresía y necesidad de aparentar, o la magistral secuencia en la que el locutor se inventa el diálogo entre la artista y el pobre, mientras estos improvisan una conversación tan surrealista como divertida.
Lo más brillante de la película es que, aunque todos quieran aparentar, al final cada uno se queda con sus propias miserias. Nadie progresa, todo queda como estaba. La frase final de Plácido, cuando recuerda que el próximo mes se verá en el mismo fregado por culpa de la letra, nos muestra que todo sigue igual, que nada cambia, que la hipocresía ha sido el único valor que ha predominado durante toda la noche y que los personajes volverán a sus miserables vidas de provincias en una España tan gris como la extraordinaria fotografía de Francisco Sampere que los retrata.
Berlanga dio un salto cualitativo con esta película. Dejando parcialmente de lado sus intereses estéticos por el neorrealismo, que se mantienen en la fotografía y la banda sonora, decide acercarse más a la tradición del esperpento y la comedia negra española como vehículo para retratar no tanto historias, que no le interesan demasiado, como una sucesión de situaciones que conjuntadas ofrecen un discurso lógico y coherente.
Este cambio estilístico también se ve en la puesta en escena. Berlanga opta abiertamente por estructurar su película a partir de largos planos secuencia que no sólo serán una marca de fábrica a partir de entonces, sino que le servirán para mostrar con todo lujo de detalles el universo de personajes que pueblan sus ficciones. El director le da absoluta libertad a un plantel de actores impresionante (grandiosos José Luis López Vázquez, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre, Elvira Quintillà, Amelia de la Torre) que dotan a sus personajes de una humanidad y espontaneidad envidiables. Uno no puede menos que sorprenderse por la solvencia de unos intérpretes que, sin afán por destacar, eran capaces de algo tan sencillo como era vocalizar y recitar sus diálogos a la perfección. Vamos, igualito que lo de ahora.
Esta presunta dejadez en la estructura formal de la película, no ha de ser óbice para reconocerle al director sus logros a la hora de plantear la puesta en escena. Desde esa imagen inicial en la que la puerta del lavabo se encadena con la del banco, pasando por los elementos que coloca en un segundo plano y que complementan y enriquecen el discurso de la cinta, llegando a su decisión de reservar los primeros planos sólo para aquellos momentos de la película que realmente lo requieran, todo en ella funciona a la perfección.
Plácido es una obra maestra y una película de una importancia cumbre en nuestra cinematografía. Berlanga logró aunar como nunca fondo y forma a través de una historia en la que se habla, y muy claro, sobre la situación de un país que vivía en una auténtica caverna política, moral y emocional. Con Placido el director valenciano lograba por primera vez ofrecer un producto inmaculado que se adaptaba perfectamente a su particular filosofía y forma de entender el mundo. Tras esta película, vendría El Verdugo, una cinta que le reafirmaba en la misma línea ideológica y estilística, y gracias a la cual el director se convirtió en uno de los grandes nombres del cine europeo. Pero eso ya es otra historia.

LO MEJOR: Todo
LO PEOR: Nada

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HELL RIDE

SINOPSIS: Un motorista conocido como Pistolero, recorrerá las carreteras del país junto su hermano The Gent y a su socio Comanche, para vengar la muerte de su antigua chica a manos de los 666ers, una banda de motoristas rival. Estos estarán dispuestos a cualquier cosa con tal de recuperar una llave que abre un extraño tesoro.

COMENTARIO: Hell Ride podría ser perfectamente la tercera entrega del proyecto Grindhouse que emprendieron Quentin tarantino y Robert Rodríguez en al año 2007. De Hecho, la película está producida por el mismo Tarantino, y tanto argumental como temáticamente encaja a la perfección con los objetivos del fallido Grinhouse: homenajear a las películas de explotación de los años ochenta haciendo una lectura paródica y descontextualizadora de esos míticos títulos.

Hell Raider está dirigida y protagonizada por Larry Bishop, un actor de reparto al que pudimos ver, entre otras, en Kill Bill 2. Junto a él, actores míticos de la serie B o de la factoría Tarantino (David Carradine, Michael Madsen, Vinnie Jones, Dennis Hopper, Leonor Varela), que participan en un espectáculo desmadrado lleno de violencia gratuita, motos, tías buenas desnudas y tipos duros. El argumento, de puro delirante, es lo de menos; lo que se trata es de disfrutar de un sin sentido absoluto en el que da la sensación de que ninguno se lo ha tomado demasiado en serio.

Una película para disfrutar sin prejuicios y recordar esas series Z de moteros de los sesenta y setenta.

LO MEJOR: Su absoluta falta de prejuicios

LO PEOR: Es imposible tomársela en serio

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A L'INTÉRIEUR

SINOPSIS: Tras perder a su marido en un accidente de tráfico en que ella conducía, Sara afronta los últimos días de gestación de su bebé aislada en su casa. Los médicos le van a provocar el parto el día de Navidad, por lo que decide pasar la noche anterior sola en su casa. De repente alguien llama a su puerta. Se trata de una mujer que parece conocer todo sobre ella y quiere entrar en la casa. Asustada Sara llama a la policia que no encuentra a nadie. A medianoche, la mujer entrará en la casa con un sólo objetivo: arrancarle el bebe de sus entrañas.

COMENTARIO: Aviso para navegantes: esta película es una burrada no apta para estómagos delicados. Uno, que ya está curado de espantos, asistió atónito a la muestra de gore, burradas, sangre y muerte que nos ofrece esta película francesa dirigida por los debutantes Alexandre Bustillo y Julien Maury. Ya comentamos en la crítica de Frontiere(s) que esta, junto a la que reseñamos hoy, habían sido las grandes sorpresas del cine de terror francés de 2007. Su fórmula es muy similar y, de alguna manera, marcan una cierta forma de hacer que los franceses han adoptado como suya: situaciones delirantes, personajes extremos, violencia descarnada, gore del bueno y un pesimismo existencial bastante acusado.
A l'Interieur me ha parecido bastante más desagradable que su hermana estilística. Y lo es por que nos plantea una situación mucho más realista y lo hace creando situaciones claustrofóbicas resueltas con mano maestra. Si, la película acojona y da mal rollo, pero también está extraordinariamente filmada y ofrece algunos de los momentos de terror puro más brillantes que haya visto últimamente. Si, la película es claustrofóbica y, a pesar de ofrecernos pocas sorpresas y ser muy evidente las motivaciones de la asesina, nos mantiene en tensión durante sus 90 minutos de duración. Eso, por no mencionar los cojonudos efectos especiales y la inmensa cantidad de gore que, sin ser demasiado explícito, esta pensado para atacarnos directamente a las vísceras.
El problema, el gran problema de la película es que tiene un final que es una absoluta castaña. No quiero desvelar nada, pero los últimos diez minutos son indignos de la película y dejan un mal sabor de boca considerable. Lastima que no hayan sido capaces de ofrecer un final más creíble y se hayan dejado llevar por un gran guiñol absurdo.

LO MEJOR: Su capacidad para generar tensión.
LO PEOR: El final: una castaña

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LADY TERMINATOR

SINOPSIS: Una arqueóloga especializada en leyendas marinas, busca los restos de una malvada bruja conocida como la Reina de los mares del sur. Tras verse arrastrada por la corriente marina, va a parar a una cueva en la que es poseída por el espíritu de la bruja. Una vez en tierra, esta mujer tendrá un sólo propósito: acabar con la vida de la descendiente de la persona que acabó con su reinado de terror y, a la vez, recobrar un talismán que le dará poder infinito. la muchacha recorrerá las calles de Yakarta sembrando el terror y el caos.

COMENTARIO: Mi amigo Rodrigo, cuyo ingenio está fuera de toda duda, me dijo un día una frase que viene al pelo para encabezar el comentario de esta película: "Los orientales son muy constantes pero no tienen nada de imaginación". Y digo que viene al pelo por que esta película es la pura representación visual de esa idea. Y es que Lady Terminator no es más que la versión Indonesia del primer Terminator de James Cameron, pero cambiando a Arnold Schwarzenegger por una mujer, la ciencia ficción por la brujería, la creatividad por la copia barata y unos efectos especiales resultones por la mayor cantidad de caspa que uno pueda llegar a imaginarse.

Lady Terminator es un calco (en algunos momentos literal) del primer Terminator, pero con el protagonismo de una fémina que se pasa media película en pelotas y la otra media matando a todo cristo que se le pone por delante. Y es que a la peliculita hay que verla para creerla. Actores infames (cotilleando la ficha del Moviedatabase he visto que para la mayor parte de ellos su carrera empieza y acaba con esta película... afortunadamente), efectos de risa (pero de descojonarse), situaciones imposibles, gore a toneladas y la cutrez elevada a la enésima potencia. vamos, una de esas películas imposibles provenientes de cinematografías tercermundistas que de vez en cuando podemos disfrutar algunos aficionados a las experiencias extremas.

Aunque no lo hago nunca, os cuelgo un e-link para que os la podaís bajar y ver por vosotros mismos como es esta versión femenina de la película de James Cameron. No os arrepentireís.

LADY TERMINATOR

LO MEJOR: La absoluta falta de vergüenza ajena del director

LO PEOR: Todo

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FAST FOOD NATION

SINOPSIS: Don Henderson, un ejecutivo de una importante cadena de restaurantes de comida rápida, tiene un problema: la carne de las hamburguesas más famosas de la empresa está contaminada, y él tiene que averiguar por qué. El descubrimiento de la respuesta no será tan simple como él había esperado. En su camino se cruzará con otros personajes que también viven con de la comida rápida.

COMENTARIO: Fast Food Nation es una de esas películas que, lamentablemente, pasan sin pena ni gloria por las carteleras nacionales. Y digo que es una lástima por que este es uno de esos productos que, sin ninguna duda, nos hacen pensar, nos remueven la conciencia y nos muestra una realidad que, por cruda, no deja de estar ahí.

La película narra varias historias paralelas de personajes que viven por y para la comida basura. Nos damos cuenta de que este es un negocio descomunal, un negocio cargado de desaprensivos, explotadores y personas sin escrúpulos cuya única religión es el dinero. Todo ello esta rodado con gracia y talento por el realizador Richard Linklater que sabe dosificar las apariciones de los distintos personajes y crear un fresco en el que todo tiene sentido. Se nota, y mucho, que los actores han trabajado en el proyecto por que creían en el, por que les apetecía hacer una película diferente y que llamara la atención sobre un tema tan polémico como es el de la alimentación en los Estados Unidos. Sólo así se entiende que con un presupuesto tan escaso, se haya conseguido reunir a actores de la envergadura de Bruce Willis, Greg Kinnear, Patricia Arquette, Avril Lavigne, Luis Guzmán o Ethan Hawkwe.

Aunque en su media hora final la película cojea un popco y cae en un tremendismo algo excesivo, lo que nos muestra (y como lo hace) nos impactará de tal manera que, a buen seguro, se nos quitarán las ganas de volver a entrar en un Mc Donalds o similares. Palabrita.

LO MEJOR: El sentidfo del humor con el que se toma un tema tan serio.

LO PEOR: Un final un poco excesivo

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FRONTIÈRE(S)

SINOPSIS: Francia en un futuro cercano. La ultraderecha está a punto de ganar las elecciones y las calles se han llenado de disturbios. Un grupo de tres musulmanes aprovechan el desconcierto para robar un banco y pagar con ello el aborto de Yasmina, la novia de uno de ellos. En la huida llegan cerca de la Fontera con Alemania donde van a parar a casa de una extraña familia de caníbales que les harán vivir un infierno.

COMENTARIO: En los últimos años el cine fantástico francés y español están viviendo un momento francamente interesante. Lo más curioso de todo es que ambas cescuelas han optado por estilos totalmente distintos: mientras nosotros nos decantamos más hacía un cine de claras reminiscencias góticas (ahí esta El Orfanato, Los Otros o la obra de Jaume Balagueró para demostrarlo) cargado de elementos sobrenaturales, los galos han optado por un estilo mucho más extremo, en el que el terror se genera a partir de una violencia visceral, realista y dirigida directamente a las vísceras. Muy probablemente la obra que inauguró esta escuela fue Alta tensión (2003) de Alexandre Aja, una película que ofrecía una nueva lectura sobre el cine de asesinos en serie, partiendo de una historia angustiante que se sustentaba en una cuidada puesta en escena y un malsano interés por ofrecer escenas tan truculentas como bien filmadas. Esta tendencia se ha ido manteniendo y en el año 2007 se estrenaron dos películas que llevarían estos conceptos hasta el extremo: A l'interieur, de la que hablaremos mañana, y esta Frontière(s) que ahora nos ocupa.
Digámoslo desde el principio: éste no es un film para estómagos sensibles. La cinta nos explica las vicisitudes que viven un grupo de chicos que caen en manos de una enloquecida familia de matarifes neonazis y caníbales que les hace vivir una pesadilla dantesca. La película destila sangre, torturas, violencia y sadismo en cantidades industriales, pero todo ello cocinado a partir de una cuidadísima planificación visual y un trabajo de puesta en escena que, por extraño que parezca, logra cautivarnos hasta extremos inimaginables. A la película le han acusado, y con razón, de ser una fotocopia actualizada de La matanza de Texas de Tobe Hooper. Pero yo creo que el realizador Xavier Gens era plenamente consciente de ello, ya que lo que probablemente buscaba era reformular el discurso de la primera (centrado en retratar las particularidades de la América profunda) y centrarlo en una Europa (también profunda, que haberla ahila) cada día más desorientada, multicultural, egocéntrica e intolerante.
Una película violentísima, con momentos escalofriantes y que nos sabe mantener en tensión durante sus más de 100 minutos de duración. Muy recomendable. Eso si, lo dicho, estómagos sensibles absténganse.

LO MEJOR: Su atmósfera
LO PEOR: Toma demasiadas ideas prestadas de La matanza de Texas.

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HELLBOY 2: EL EJÉRCITO DORADO

SINOPSIS: Tras la ruptura de un acuerdo milenario entre la humanidad y los poderes invisibles de un mundo fantástico, el infierno en la Tierra está cada vez más cerca. Un líder despiadado, que se maneja tanto en el mundo de los humanos como en el de las criaturas, decide traicionar a sus ancestros, y despierta a un ejército imparable de criaturas diabólicas. Ahora, en este momento de debilidad, Hellboy y sus compañeros deberán combatir contra el imparable líder y su ejército.

COMENTARIO: Lo reconozco desde el principio: me lo he pasado absolutamente bomba con esta película. Si, no hay que negar que como han señalado sus críticos la historia es muy floja y el argumento de un simplismo sonrojante. Pero es tanta la imagineríaa visual que utiliza Guillermo del Toro, tan grande la imaginación que demuestra en todo el metraje, su capacidad para sorprendernos con seres increíbles y mágicos, tan afinada la puesta en escena, que uno no puede apartar la vista de la pantalla durante casi dos horas de metraje que pasan como un suspiro.

Hellboy es un personaje surgido de la febril imaginación del extraordinario autor de cómic Mike Mignola. Publicado por la editorial Dark Horse a mediados de los noventa, la obra nunca llegó a ser un superventas pero enseguida logra acumular una legión de fans que han seguido fieles las aventuras del personaje. A mi personalmente Hellboy cómic siempre me han parecido tebeos extraordinariamente dibujados, con un diseño de personajes increíble pero con unos guiones flojitos, precipitados y poco elaborados.

Ese es, paradójicamente, el principal problema de la película: su inconsistencia. Uno verá referencias a El señor de los anillos, Men in Black y otras tantas películas. Pero lo cierto es que el director es capaz de trascender la escasa consistencia de la historia con un espectáculo visual impactante, unos personajes carismáticos y terriblemente divertidos y un diseño de personajes con el que es imposible no quedar maravillado.

En resumidas cuentas: un entretenimiento de primera magnitud para disfrutar sin prejuicios.

LO MEJOR: El diseño de personajes

LO PEOR: La historia

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