sábado, 25 de octubre de 2008

AULLIDOS 6



SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante el cariz que están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.

COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, por malos, incoherentes, exagerados y carecer de cualquier tipo de vergüenza torera, merecen toda mi admiración. ¡Que coño!: también hay que saber disfrutar de estas pequeñas locuras que nos ofrece la vida; no todo ha de ser seriedad y trascendencia. Digo esto a colación de esta película que es, para que lo vamos a negar, una castaña impresionante, pero que resulta sumamente divertida.
Sexta parte de una de las sagas más longevas de la historia del cine de terror, este es el claro ejemplo de que si segundas partes no fueron buenas, las sextas.... Y eso que el primer Aullidos de Joe Dante no estaba nada mal. Esta era una peli de serie B muy bien hecha, con momentos de terror logrados, una historia solvente y unos cojonudos efectos de maquillaje de los maestros Rick Baker, Rob Bottin y Greg Cannon. El éxito de la película fue tan grande que dio pie a siete secuelas a cual más mala, más barata y más cutre.
En el caso que nos ocupa hablamos de la sexta. Aquí la acción se traslada hasta un pueblo al que llega el hombre lobo de turno. A la población llega un circo plagado de freaks y comandado por un vampiro que quiere secuestrar al hombre lobo para exhibirlo a los paletos locales. Esto nos puede dar una idea de por donde van los tiros: caspa a granel, maquillajes de risa, diálogos absurdos y un sin fin de despropósitos y falta de prejuicios con los que uno sólo puede echarse unas risas. De verdad, hacía tiempo que no veía algo tan rematadamente malo y desvergonzado.
Para disfrutarla sin prejuicios.

LO MEJOR: El maquillaje del vampiro
LO PEOR: Todo lo demás.

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viernes, 17 de octubre de 2008

THE BLACK GESTAPO





SINOPSIS: El general Amed regresa a su antiguo barrio y ve como las drogas y la prostitucion se han apoderado de él. Recibiendo subvenciones del Estado organiza un grupo de lucha contra las drogas y de ayuda a los desamparados. Rapidamente sus intereses chocaran con los de la mafia blanca que no aceptan que alguien luche por dignificar el barrio. Ante erl cariz quie están tomando los acontecimientos, el segundo de Amed, el coronel Kojah decide crear un ejército para echar al hombre blanco del barrio. Ellos empiezan a vestirse con los uniformes nazis, entrenan militarmente a sus miembros e incluso se cambian los apestosos nombres de blancos por orgullosos nombres africanos. Por supuesto expulsan a la mafia de su territorio, y por supuesto son ellos los que luego se dedican a vender las drogas y a chulear a las putas. Ameh ha de hacer algo.



COMENTARIO: El cine de serie B de los años setenta y ochenta tiene cosas extraordinarias. Los que sigan mi blog ya conocerán mi pasión por determinados subproductos que, aunque vistos hoy en día provoquen vergüenza ajena, resultan tan entrañables como fascinantes. Resulta paradójico que estas películas, que en su momento estuvieron pensadas para las clases más populares y menos exigentes, hoy en día se hayan convertido en objeto de culto para frikis, gafapastas y alternativos varios. Que le vamos a hacer si somos como borreguitos.
Dentro de estas pelis de serie B hubo varias tendencias, tipologías, géneros e incluso estilos. Uno de los más apasionantes es el conocido como Blaxploitation. ¿Qué esto de la Blaxploitation? Pues películas hechas por y para un público negro (o afroamericano en el lenguaje políticamente correcto) cuyo único objetivo era lograr que los espectadores morenitos se dejaran sus dólares en películas que hablaran de sus problemas y los tratara con un mínimo de dignidad e inteligencia.
La primera de estas películas, y la que dió pie a todo el fenómeno, fue Las noches rojas de Harlem, un título protagonizado por el actor Richard Roundtree que cosechó un éxito más que considerable. Las películas de Blaxploitation contó con sus estrellas particulares (entre otras Pam Grier) y con unas características estilísticas comunes: historias sencillas pero efectivas, desnudos y violencia gratuita, funky a mogollón, pelos a lo afro, vestidos setenteros que provocan el más absoluto de los sonrojos y presupuestos escasos. Como pasa con todo, la moda se fue disipando y el subgénero degeneró hacia productos cada vez más casposos e infumables. Este The Black Gestapo sería un ejemplo terminal del grado de cutrez al que llegó la Blaxploitation.
Los que hayan leído el argumento se pueden imaginar de que va la cosa, pero hay que ver la película para creerla. De verdad que uno no acaba de entender como se puede llegar a hacer algo tan cutre, macarra y malo y levantarse por la mañana tan tranquilo. Dejando de lado la historia, los actores son de lo peor que he visto en mi vida, la violencia más gratuita que nunca (la secuencia de la castración es digna de las antologías) y el sin sentido campa a sus anchas. Si sale hasta sale una increible Uschi Digard que ni se molesta en abrir la boca.
Una curiosidad sólo recomendada para los muy frikis.

LO MEJOR: Es tan mala que resulta simpática.
LO PEOR: Todo.

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jueves, 16 de octubre de 2008

QUEMAR DESPUÉS DE LEER



SINOPSIS: Ozzie Cox es un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias, con toda su experiencia en la Agencia, en un CD. El problema surge cuando su mujer le roba el CD y se lo deja accidentalmente en el gimnaso, lugar donde lo encuentran unos empleados sin escrúpulos que intentan chantajear a Cox. A raiz de esto, la CIA manda a un asesino para intentar solucionar el entuerto. Ahí el CD llegará alasmanos de una empleada que quiere hacerse una operación de estética.

COMENTARIO: Tal como comenté en la entrada dedicada a No es país para viejos, en la obra de los hermanos Coen, sin abandonar en ningún momento la independencia y una personal forma de mirar la realidad, siempre se han alternado películas serias y con importantes pretensiones artísticas con otro cine mucho más ligero que siempre se mueve dentro de los terrenos de la comedia. Tras lograr el Oscar con la película protaganizada por Javier Bardem, ni un año después llega hasta nuestras pantallas una comedia desenfadada y loca como sólo ellos saben hacer.
Reuniéndose de nuevo con su actor fetiche George Clooney, los hermanos manufacturan una desmadrada y divertidísima historia en la que se nos habla sin tapujos de cual profundos son los límites de la estupidez humana. En esta película todos los personajes son hipócritas, idiotas, egoístas, interesados; todos ellos mienten para lograr seguir con sus miserables vidas, sin tener en cuenta las consecuencias de sus actos. Este mundo de mezquindad, esta hoguera de pobres vanidades es retratada por los hermanos con gracia y desparpajo sirviéndose de la complicidad de unos actores en estado de gracia. Aunque la historia es bastante chorra y la puesta en escena terriblemente plana, los impagables diálogos y un giro final francamente inesperado y sorprendente, logran que estemos clavados en la butaca durante todo el metraje.
No es una obra maestra pero si un entretenimiento de primera.

LO MEJOR: Brad Pitt, sencillamente sublime.
LO PEOR: Una resolución algo precipitada que demuestra que el guión no se ha cuidado demasiado.

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miércoles, 15 de octubre de 2008

JOHN RAMBO



SINOPSIS: John Rambo, después de una vida marcada por la guerra, vive una solitaria y apacible existencia en la jungla del norte de Tailandia, pescando y cazando cobras para luego venderlas. Pero todo esto cambia cuando un grupo de misioneros necesita que les guíe hasta la frontera con Birmania para suministrar medicinas y alimentos a unos refugiados asediados por el despiadado ejército birmano. Rambo no tendrá más remedio que volver a involucrarse.

COMENTARIO: Sylvester Stallone es uno de esos actores que, con el transcurso de los años, ha pasado de ser unánimemente denostado a convertirse en un objeto de culto para muchos aficionados. Tras lograr el éxito a mediados de los setenta gracias a Rocky, Stallone se convirtió en una de las mayores extrellas del cine de acción. Ello duró hasta el año 1993 en el que protagoniza Demolition Man, su último gran éxito. A partir de entonces el bueno de Sly entra en una lenta pero progresiva decadencia que le lleva a protagonizar una serie de fracasos económicos (a pesar de protagonizar una película interesante como Cop Land donde demostró que tampoco era tan mal actor como lo pintaban) que provocan su práctica desaparición de la primera línea de panorama internacional. Consciente de su situación, el actor decide recluirse en la producción de un Reality Show centrado en el mundo del boxeo y esperar mejores tiempos. En el 2006, con sesenta años de edad, olvidado por las nuevas generaciones y con una cara que es un muestrario de los horrores que puede llegar a provocar el botox en un ser humano, Stallone dirige y protagoniza una nueva entrega de Rocky que, para pasmo de propios y extraños, deviene un film muy digno en el que se ofrece una interesante reflexión (tal vez autobiográfica) sobre lo que significa caer en el olvido. El éxito crítico y comercial de la película le lleva a desempolvar al segundo personaje que le proporciono fama y dinero: John Rambo.
Tras ver la película, una cosa nos queda muy clara: con John Rambo, Satallone no ha tenido las mismas pretensiones artisticas y temáticas que en Rocky Balboa. Mientras la segunda, con sus limitaciones, es un film que busca profundizar en la psicología de los personajes y se centra en mostrarnos los esfuerzos que es capaz de acometer el ser humano para gestionar con dignidad su propia decadencia, con Rambo sólo ha pretendido ofrecernos un entretenimiento intrascendente. ¡Y que entretenimiento! John Rambo es visceral, dura, de una violencia tan brutal que roza, si no lo sobrepasa, los postulados del cine gore. Dejando de lado los discursos políticos de sus anteriores entregas, el actor-director se limita a manufacturar un correctísimo film de acción, maravillosamente filmado y cuyo único objetivo es el de entretener a los espectadores. Que nadie busque discursos crepusculares ni zarandajas; esto es solo acción y violencia pensada especialmente para todos aquellos que, no se muy bien por que, vemos al bueno de Stallone como a un abuelete entrañable que se niega a hacernos olvidar esos maravillosos momentos que algunos pasamos en la adolescencia gracias a sus películas.

LO MEJOR: La falta de pretensiones y la violencia de las secuencias de acción.
LO PEOR: El guión: se resume en media línea.

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martes, 14 de octubre de 2008

JCVD



SINOPSIS: El gran astro del cine de acción, Jean-Claude Van Damme, se encuentra disfrutando de un merecido descanso en Bruselas cuando sufre una repentina crisis existencial. De repente la gran estrella de cine que todos conocemos se convierte en un tipo corriente, aquejado de miedos, contradicciones y esperanzas.¿Cómo puede mantener la leyenda que ha ayudado a construir a su alrededor? ¿Qué hace un hombre de acción cuando la pistola que te está apuntando a la sien está cargada con balas de fogueo? Jean-Claude se encuentra a sí mismo en la encrucijada del fin de su vida como héroe.

COMENTARIO: Todos los cinéfilos contamos con nuestras pasiones inconfesables, con esos films que, aunque como productos cinematográficos sean deficientes o directamente malos, logran conmovernos, agradarnos e, incluso, apasionarnos. A estas películas los norteamericanos lo definen con el término de "guilty pleasure" (placer culpable) y todos contamos con alguno. Personalmente dentro de esta categoría yo pondría títulos como Armageddon, Rocky IV, Ojos de serpiente o las películas de Van Damme.
Reconozco las infinitas limitaciones interpretativas del belga, lo casposas que son la mayor parte de sus films, lo demencial de sus argumentos y la poca personalidad de la mayor parte de los directores con los que ha trabajado. Más aun, no me duele en prendas asumir que se trata de un actor venido a menos, pasado de moda y que hace tiempo que se mueve en los peligrosos márgenes que separan a la serie B de la Z. Pero el actor belga tiene, para mi, algo especial; una forma singular y carismática de abordar sus papeles que logra que le prefiera por encima de otras estrellas del cine de acción de bajo presupuesto como Steven Seagal, Chuck Norris o Dolph Lundgren. Si, me encanta ver las caspas de Van Damme y disfrutar con sus patadas y golpes de kárate. Por todo ello aguardaba con ilusión esta película.
Aviso a navegantes: que nadie espere que JCVD es el típico film de acción. El director francés Mabrouk El Mechri, admirador confeso del actor, ha manufacturado una película en la que rinde un homenaje a su ídolo a partir de algo terriblemente complejo como es la desmitificación y la humanización del personaje. Lo que vemos en la película es un Van Damme que se ríe de si mismo, de sus papeles infumables, de sus limitaciones interpretativas, de lo casposas que son la mauyor parte de sus películas, de la figura del héroe de acción cinematográfico; pero también encontramos una reflexión sobre la decadencia de una estrella, sobre las inquietudes y anhelos de una persona que lo ha sido todo y ahora se encuentra en unos de los periodos más bajos de su vida, sobre el precio de la fama, sobre la inmoralidad del negocio del cine, sobre lo que somos y queremos ser. Sin perder nunca el sentido del humor, la película desnuda al personaje y nos muestra a una persona que, como todas, sobrevive con sus propias contradicciones. JCVD es un film interesante, apasionante y que demuestra que incluso los temas más triviales pueden ser tratados con inteligencia.
Por cierto, Van Damme está fantástico como actor. Pásmense señores.

LO MEJOR: El monólogo en plano secuencia en el que el actor se desnuda emocionalmente.
LO PEOR: Ciertas lagunas en el guión.

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lunes, 13 de octubre de 2008

MARTYRS



SINOPSIS: Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

COMENTARIO: Estoy plenamente convencido de que en los próximos meses se hablará, y mucho, de esta película. Ayer a las dos del mediodía tuve ocasión de verla en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Al principio yo me esperaba un film francés encuadrado dentro de la escuela de Frontier(s) o A L'interieur, es decir una película cruda, con abundantes dosis de sangre y cierta originalidad en su argumento y puesta en escena. Y durante la primera hora de proyección es exactamente eso lo que me encontré. Esta es la historia de una niña que huye en estado catatónico de una casa y que, quince años después y en compañía de una amiga, decide acabar con sus captores. El director, en lugar de optar por una rutinaria historia sobre venganza, aporta un interesante plus fantástico: la protagonista es agredida por una mujer deformada de la que no sabemos muy bien si es real o forma parte de la imaginación de la muchacha que justifica de esa manera su tendencia a autolesionarse. Hasta ahí simplemente se trata de una película correcta que contiene buenos momentos de terror.
El problema es que cuando todo parece resuelto, el director Pascal Laugier da un giro de 180 grados al argumento y nos ofrece una media hora final que es, sin exagerar un ápice, la mayor muestra de puro mal rollo que uno ha tenido ocasión de ver en una pantalla a lo largo de sus treinta y ocho años de vida. Sin desvelar demasiadas cosas del argumento, sólo les diré que lo que nos muestra la película es duro, desagradable, difícilmente soportable y que logra remover en su silla al más curtido de los aficionados. En la sala que se proyectaba hubo deserciones masivas y que al final de la proyección todos teníamos la sensación de haber visto algo excesivo y terrible. ¿Arte? ¿Provocación? ¿Reflexión sobre la brutalidad inherente al ser humano?
Seguramente se hablará de los límites de la mostrable, de censura, de si hay que evitar este tipo de cine, de historias sobre lo políticamente correcto. Yo creo que todo ello es gratuito, que el arte es algo que funciona a través de la subjetividad y que ella no puede medirse bajo parámetros de lo que es bonito o no; de lo que se puede y no se puede mostrar. El arte es ficción, reflexión o reflejo de la realidad, no la realidad misma. Eso no lo podemos obviar ni olvidar. Es la base de la libertad.
¿La película es buena o no? Pues no se muy bien que decir. Como producto cinematográfico tiene cosas interesantes y cumple con su función de empatar, pero temgo miedo de que los arboles, por frondosos que sean, no me dejen ver el bosque. Creo que necesitaré unas cuantos días para pensarla y meditarla. De momento lo único que les puedo decir es que mentes y estómagos sensibles abstenerse.
Aunque los medios de comunicación ya se encargarán de recordarlo por activa y por pasiva, avisados quedan.

LO MEJOR: Su capacidad para epatar
LO PEOR: Su capacidad para epatar.

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viernes, 3 de octubre de 2008

LOS OJOS SINIESTROS DEL DOCTOR ORLOFF



SINOPSIS: Una joven llamada Melissa, está convencida de haber cometido un terrible crimen en sueños. Su familia angustiada reclama la presencia del doctor Orloff para que la ayude. Pero éste no quiere más que consumar una antigua venganza, por lo que someterá a Melissa a unos retorcidos tratamientos

COMENTARIO: Jesús Franco es el director más atípico de la historia del cine español. Nacido en Madrid en 1936, ha dirigido más de 189 películas hasta la fecha. Franco ha tocado todos los palos (ciencia ficción, comedia, terror, erótico, porno), ha trabajado por toda Europa con cientos de pseudónimos o ha dirigido a actores de la talla de Christopher Lee o Fernando Rey, siempre en producciones de bajo presupuesto que van desde la serie B hasta la serie sub Z. Su figura es idolatrada por miles de aficionados alrededor del globo que lo consideran unos de los últimos outsiders, como una figura que siempre ha trabajado en libertad y ha dirigido lo que le ha dado la gana.
Esta personalidad, que no negamos resulta fascinante, se trasmite en unas películas que tienen unas temáticas muy similares, que juegan con un sentido del erotismo muy particular y que cuentan con un peculiar estilo a la hora de plantearse la puesta en escena. Todo en el cine de Franco es atípico... para sus detractores y admiradores. Desgraciadamente yo me encuentro entre los primeros.
A mi el cine de Franco me resulta cutre, malo, aburrido, sin pies ni cabeza. Sus películas no logran engancharme y, cuanto más las veo, más tengo la impresión de que su problema es que no tiene ni idea de donde se ha de colocar una cámara.
La película que nos ocpa tiene todos los dectos del cine de Franco. Recuperado a un personaje habitual en su cine, el doctor Orloff, el director nos ofrece una historia absurda y sin sentido trasmitida a través de una puesta en escena carente de ritmo, llena de zooms y primero planos innecesarios. Nada más; la película es más mala que un dolor y sólo la recomiendo a los seguidores del director. Avisados quedan.

LO MEJOR: Montserrat Prous, la protagonista principal
LO PEOR: Todo lo demás

ENTREVISTA JESÚS FRANCO

miércoles, 1 de octubre de 2008

PROZAC NATION



SINOPSIS: Estamos en los años 80. Lizzy es una joven brillante que es aceptada en Hardward con una beca para estudiar periodismo. La muchacha, que sufre depresiones desde pequeña, pretende empezar una nueva vida, olvidarse de los problemas de cas (su madre es una neurótica que no ha aceptado la separación de su marido; su padre un bohemio que ha pasado literalmente de su hija) y conocer amigos. Aunque en un principio las cosas irán bien, pronto empezarán a desatarse crisis. Lizzy tendrá que acudir a la psiquiatra Sterling para que le ayude con su problema.

COMENTARIO: Basada en un célebre best seller autobiográfico en el que la escritora Elizabeth Wurtzel explica sus problemas con la depresión, esta película del año 2001, cuyos innumerables problemas de producción hicieron que no se estrenara en los Estados Unidos hasta el 2003, nunca llegó a proyectarse en las pantallas españolas y sólo llego algunos años después en DVD y sin ningún tipo de promoción. Y es una verdadera lástima, ya que con la cantidad de castañas que se estrenan a lo largo del año, los distribuidores podrían haber arriesgado con un film como este. La película nos explica la historia de una periodista que fue superando poco a poco una extraña forma de depresión que la estaba hundiendo en un pozo sin fondo. Lo que más tenemos que agradecer a la cinta del desconocido realizador noruego Erik Skjoldbjaerg (toma ya), es su honestidad y su escaso interés por entrar en juicios morales. El se limita a presentarnos a los personajes, mostrarnos sus conflictos y dejar que seamos los espectadores los que extraigamos nuestras conclusiones. Repito, esta es una película sobre relaciones personales, un film en el que no hay buenos ni malos, sólo personas que hacen lo que pueden para salir adelante. Cierto que el guión peca en algunas ocasiones de superficial y que la enfermedad está tratada de una forma tangencial, pero la propuesta resulta en su conjunto interesante y, en algunos momentos, conmovedora. 
Buena labor tras las cámaras del director (sabe expresar bien los estados de ánimo de la protagonista) y un curioso papel para Christina Ricci que resulta creíble como protagonista. A descubrir.

LO MEJOR: la honestidad de la propuesta
LO PEOR: Tendría que profundizar más en algunas situaciones

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30 DIAS DE OSCURIDAD



SINOPSIS: A una pequeña ciudad del norte de Alaska, donde no se ve la lus del sol en invierno durante treinta días, llega un grupo de vapiros que pretende alimentarse de la población. Tras una primera noche en la 1que acaban prácticamente con la totalidad del pueblo, el sheriff local y un grupo de personas tendrán que hacer todo lo posible para sobrevivir hasta que vuelva a salir el sol. 

COMENTARIO: Basada en un cómic de Steve Niles y Ben Templesmith, publicado en España por la editorial Devir en el año 2003 con el título de "30 Días de Noche", que no tengo el gusto de conocer pero que recibió en su momento buenas críticas, nos llegó hace unos meses está película que retoma la temática vampírica. La película, a priori, parecía interesante ya que aportaba un punto de vista original sobre el tema, los vampiros son una raza milenaria que, con la intención de no ser descubiertos, atacan a pueblos aislados situados en la zona ártica, se basaba en un buen material de partida y contaba con la dirección de David Slade, un hombre que había sorprendido con su ópera prima Hard Candy

Pues señores, nuestro gozo en un pozo. La película es un producto rutinario a más no poder, previsible hasta el sonrojo, sin pizca de gracia ni de originalidad, con actores que no creen en lo que hacen y con una puesta en escena que, con algunos momentos buenos, resulta de lo más simple y anodino que nos podamos imaginar. Si se acercan a este título se encontrarán con una historia 100 veces vista que, con suerte, les deparará algunos sustos y que olvidarán con la misma rapidez que la han visto. Cine para consumo masivo y recomendada para amantes del terror poco exigentes que no tengan nada mejor que hacer un domingo por la tarde.

LO MEJOR: Alguna secuencia protagonizada por los vampiros
LO PEOR: La sensación de Deja Vu.

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sábado, 27 de septiembre de 2008

LA TERZA MADRE



SINOPSIS: Sarah Mandy trabaja restaurando obras de arte en un museo de Roma. Un día llega hasta ella una urna que contiene las cenizas de una bruja conocida como Mater Lachrymarum. El regreso de esta hermosa, pero terrible, hechicera trae caos al mundo. Una ola de asesinatos arrasa la capital italiana mientras las brujas se reúnen para homenajear a su reina. Sarah tendrá que hacer frente a la amenaza.

COMENTARIO: Llevaba algo así como veinte años, desde que vi con 18 Suspiria e Inferno, esperando esta película. Si señoras y señores, veinte largos años rogando para que el bueno de Dario Argento solucionara los problemas legales con su ex mujer Daria Nicolodi y pudiera terminar su famosa "trilogía de las madres". Veinte largos años, como muchos de los millones de aficionados al cine de terror de todo el mundo, suspirando por ver terminada la historia de las tres madres y saber que pasaba con la famosa bruja Lachrymarum. En el año 2007, por fin, presentó la película en sociedad. En Setiembre de 2008, tras agenciarme unos subtítulos en castellano decentes, pude verla (las películas de Argento no se estrenan es España, que le vamos a hacer). Y que quieren que les diga. Y como quieren que les explique la enorme DECEPCIÓN (en mayúscula y negrita para que quede claro) que he sentido después de ver la película.
Par aquello neófitos, decir que Dario Argento es uno de los directores de cine (de terror) europeos más importantes (con permiso de Terence Fisher y Mario Bava) y sin duda el más popular. Nacido en Roma en el año 1940, Argento le otorgó al Gialo (un género eminentemente italiano de asesinos misteriosos que cometen sus crímenes motivados por traumas del pasado) categoría universal y logró dirigir durante los setenta y ochenta un gran número de grandiosas películas que han pasado a la historia del género. Algunos de sus films más importantes son Rojo Oscuro, Suspiria, Inferno, Phenomena (la favorita del que suscribe) u Opera. En los noventa le llego una imparable decadencia y películas como Trauma, El fantasma de la ópera o Insomnio demostraban que el director estaba inmerso en una imparable cuesta abajo de la que sólo salió parcialmente con la enfermiza El síndrome de Sthendal. Sus interesantes propuestas para la serie televisiva Master of Horrors (si no la han visto, se la recomiendo encarecidamente), hicieron que muchos pensáramos que al abordar su esperada Terza Madre, el director diera lo mejor de si mismo y nos ofreciera una obra maestra a la altura de su talento. Pero... mi gozo en un pozo.
La película nos narra la llegada de la madre Lachrymarum, la más chunga de todas, a Roma y como este advenimiento empieza a causar la locura en las calles. El problema de la película no es tanto que se sustente en un guión enloquecido y sin pies ni cabeza, que eso es algo habitual en el director y sus seguidores hemos aprendido a perdonárselo; el gran problema es que lo mejor que tiene Argento, su puesta en escena, no aparece por ningún lado. Si por algo nos gusta Argento es por su estética abigarrada, enfermiza, enloquecida, por su cuidado por el detalle, por unas asesinatos coreografiados al milímetro, por unaa utilización de la música desmesurada pero que logra cautivarnos, por sus angustiosos trávelings... Nada de eso encontramos en la película. Pero nada de nada. La Terza madre, si no fuera por el gore, que lo tiene y en cantidades industriales, podría pasar por uno de esos telefilmes fantásticos que emite Antena 3 los sábados a las siete de la tarde. ¡Si es que hasta los efectos por ordenador son de vergüenza ajena!.
En la película funcionan muy pocas cosas y la sensación que nos deja es de profunda fustración. Repito, lo que más me molesta no es el flojo guión; es su incapacidad para lograrme cautivar a través de las imágenes. Y eso que la película está plagada de homenajes a sus anteriores films. Y sale su hija Asia Argento . Y la música es de Claudio Simonetti Y hay mogollón de gore...
Que le vamos a hacer, lamentablemente ya se sabe que el infierno está asfaltado de buenas intenciones.

LO MEJOR: El primer asesinato, lo único auténticamente Argento que hay
LO PEOR: Lo plana ques es la puesta en escena.

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miércoles, 24 de septiembre de 2008

PLÁCIDO



SINOPSIS: En una pequeña ciudad de provincias, unas señoras se inventan la campaña navideña "cene con un pobre", para que los más necesitados disfruten por una noche del calor y el afecto que no tienen, sentados a la mesa de las familias pudientes. En medio de los preparativos se encuentra Plácido, que es contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero hay un pequeño detalle que le impide dedicarse únicamente a su tarea: ese mismo día de Nochebuena le vence la primera letra del motocarro, su único medio de vida.

COMENTARIO: El que suscribe, que tenía cinco años cuando murió el Francisco Franco y que ha pasado toda su vida viviendo en democracia, no puede dejar de sorprenderse ante lo que nos muestra una película como Plácido. Y es que no puedo acabar de entender como la censura de la época, que prohibía las cosas más absurdas y ridículas, permitió que este film llegara a las carteleras españolas. La película es una cruda y despiadada parodia de una sociedad hipócrita, egoísta, mezquina, que vive de las apariencias y que permanece adocenada dentro de una realidad triste y gris. Imagino que ese humor negro, tan habitual en nuestra forma de ver la vida, y la sutileza con la que realiza determinadas críticas, lograron que los censores, señores más bien cortos de entendederas, pasaran por alto lo que era, a la postre, un palo en toda regla al sistema y los que formaban parte de él.
La cinta no deja títere con cabeza. Las clases pudientes son retratadas como un conjunto de hipócritas beatos a los que sólo les importa las apariencias; la clase media son un conjunto de seres mezquinos dispuestos a todo por quedar bien con los primeros; los obreros, encarnados por Plácido, seres egoístas que se limitan a hacer lo que pueden por sobrevivir. Por último los pobres, nos son mostrados como seres miserables que se limitan a observar lo que pasa con escepticismo y sin enterarse absolutamente de nada. A este respecto, la secuencia en la que el mendigo está a punto de morir resulta modélica. En ella vemos a la familia organizadora preocupándose únicamente del estado civil del mendigo, la anfitriona de colocar sábanas de hilo y del aspecto de su asistenta, Plácido de cobrar para pagar la letra, al tiempo que el pobre, encarnado por el extraordinario Luis Ciges, se limita a mirarlo todo mientras se come las sobras de la cena. Sencillamente extraordinario.
Berlanga ambienta su película en una anónima ciudad de provincias. Este pequeño entorno le sirve como microcosmos para presentarnos a un buen número de personajes a los que retrata sirviéndose exclusivamente de los pequeños detalles. Este es uno de los grandes aciertos del director: el ser capaz de generar un microcosmos pleno de sentido en el que participan infinidad de personajes que son, a la vez, un impagable catálogo de los mayores defectos de nuestra sociedad. A ello, que es un trabajo fundamentalmente de guión, ayuda un casting inmenso en el que cada actor comprende a la perfección los registros que le ha de ofrecer a través de sus personajes.
La película se estructura en cinco grandes bloques que se ambientan en diferentes escenarios de la ciudad, tan prototípicos como representativos de la realidad de la época. En ellos se cruzan todos los personajes, lo que da pie a que contemplemos uno de los grandes temas que trata Berlanga con la película: la falta de comunicación. Los personajes son incapaces de ponerse de acuerdo entre ellos, no se escuchan y cada uno defiende sus propios intereses sin empalizar con los de los demás. La magistral secuencia en la que el pobre se niega a casarse y la señora rica le mueve la cabeza obligándole a asentir, es muy significativa: en el fondo lo que importan son los intereses individuales, el propio beneficio y la necesidad de ofrecer una imagen que no se corresponde con la realidad. La cinta está llena de dobles sentidos relacionados con esta idea: la falta de compromiso del banco a la hora de conservar la letra, la llegada de actores de tercera fila y no las grandes estrellas que habían prometido, la subasta cargada de hipocresía y necesidad de aparentar, o la magistral secuencia en la que el locutor se inventa el diálogo entre la artista y el pobre, mientras estos improvisan una conversación tan surrealista como divertida.
Lo más brillante de la película es que, aunque todos quieran aparentar, al final cada uno se queda con sus propias miserias. Nadie progresa, todo queda como estaba. La frase final de Plácido, cuando recuerda que el próximo mes se verá en el mismo fregado por culpa de la letra, nos muestra que todo sigue igual, que nada cambia, que la hipocresía ha sido el único valor que ha predominado durante toda la noche y que los personajes volverán a sus miserables vidas de provincias en una España tan gris como la extraordinaria fotografía de Francisco Sampere que los retrata.
Berlanga dio un salto cualitativo con esta película. Dejando parcialmente de lado sus intereses estéticos por el neorrealismo, que se mantienen en la fotografía y la banda sonora, decide acercarse más a la tradición del esperpento y la comedia negra española como vehículo para retratar no tanto historias, que no le interesan demasiado, como una sucesión de situaciones que conjuntadas ofrecen un discurso lógico y coherente.
Este cambio estilístico también se ve en la puesta en escena. Berlanga opta abiertamente por estructurar su película a partir de largos planos secuencia que no sólo serán una marca de fábrica a partir de entonces, sino que le servirán para mostrar con todo lujo de detalles el universo de personajes que pueblan sus ficciones. El director le da absoluta libertad a un plantel de actores impresionante (grandiosos José Luis López Vázquez, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre, Elvira Quintillà, Amelia de la Torre) que dotan a sus personajes de una humanidad y espontaneidad envidiables. Uno no puede menos que sorprenderse por la solvencia de unos intérpretes que, sin afán por destacar, eran capaces de algo tan sencillo como era vocalizar y recitar sus diálogos a la perfección. Vamos, igualito que lo de ahora.
Esta presunta dejadez en la estructura formal de la película, no ha de ser óbice para reconocerle al director sus logros a la hora de plantear la puesta en escena. Desde esa imagen inicial en la que la puerta del lavabo se encadena con la del banco, pasando por los elementos que coloca en un segundo plano y que complementan y enriquecen el discurso de la cinta, llegando a su decisión de reservar los primeros planos sólo para aquellos momentos de la película que realmente lo requieran, todo en ella funciona a la perfección.
Plácido es una obra maestra y una película de una importancia cumbre en nuestra cinematografía. Berlanga logró aunar como nunca fondo y forma a través de una historia en la que se habla, y muy claro, sobre la situación de un país que vivía en una auténtica caverna política, moral y emocional. Con Placido el director valenciano lograba por primera vez ofrecer un producto inmaculado que se adaptaba perfectamente a su particular filosofía y forma de entender el mundo. Tras esta película, vendría El Verdugo, una cinta que le reafirmaba en la misma línea ideológica y estilística, y gracias a la cual el director se convirtió en uno de los grandes nombres del cine europeo. Pero eso ya es otra historia.

LO MEJOR: Todo
LO PEOR: Nada

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martes, 23 de septiembre de 2008

HELL RIDE


SINOPSIS: Un motorista conocido como Pistolero, recorrerá las carreteras del país junto su hermano The Gent y a su socio Comanche, para vengar la muerte de su antigua chica a manos de los 666ers, una banda de motoristas rival. Estos estarán dispuestos a cualquier cosa con tal de recuperar una llave que abre un extraño tesoro.
COMENTARIO: Hell Ride podría ser perfectamente la tercera entrega del proyecto Grindhouse que emprendieron Quentin tarantino y Robert Rodríguez en al año 2007. De Hecho, la película está producida por el mismo Tarantino, y tanto argumental como temáticamente encaja a la perfección con los objetivos del fallido Grinhouse: homenajear a las películas de explotación de los años ochenta haciendo una lectura paródica y descontextualizadora de esos míticos títulos.
Hell Raider está dirigida y protagonizada por Larry Bishop, un actor de reparto al que pudimos ver, entre otras, en Kill Bill 2. Junto a él, actores míticos de la serie B o de la factoría Tarantino (David Carradine, Michael Madsen, Vinnie Jones, Dennis Hopper, Leonor Varela), que participan en un espectáculo desmadrado lleno de violencia gratuita, motos, tías buenas desnudas y tipos duros. El argumento, de puro delirante, es lo de menos; lo que se trata es de disfrutar de un sin sentido absoluto en el que da la sensación de que ninguno se lo ha tomado demasiado en serio.
Una película para disfrutar sin prejuicios y recordar esas series Z de moteros de los sesenta y setenta.
LO MEJOR: Su absoluta falta de prejuicios
LO PEOR: Es imposible tomársela en serio
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lunes, 22 de septiembre de 2008

A L'INTÉRIEUR



SINOPSIS: Tras perder a su marido en un accidente de tráfico en que ella conducía, Sara afronta los últimos días de gestación de su bebé aislada en su casa. Los médicos le van a provocar el parto el día de Navidad, por lo que decide pasar la noche anterior sola en su casa. De repente alguien llama a su puerta. Se trata de una mujer que parece conocer todo sobre ella y quiere entrar en la casa. Asustada Sara llama a la policia que no encuentra a nadie. A medianoche, la mujer entrará en la casa con un sólo objetivo: arrancarle el bebe de sus entrañas.

COMENTARIO: Aviso para navegantes: esta película es una burrada no apta para estómagos delicados. Uno, que ya está curado de espantos, asistió atónito a la muestra de gore, burradas, sangre y muerte que nos ofrece esta película francesa dirigida por los debutantes Alexandre Bustillo y Julien Maury. Ya comentamos en la crítica de Frontiere(s) que esta, junto a la que reseñamos hoy, habían sido las grandes sorpresas del cine de terror francés de 2007. Su fórmula es muy similar y, de alguna manera, marcan una cierta forma de hacer que los franceses han adoptado como suya: situaciones delirantes, personajes extremos, violencia descarnada, gore del bueno y un pesimismo existencial bastante acusado.
A l'Interieur me ha parecido bastante más desagradable que su hermana estilística. Y lo es por que nos plantea una situación mucho más realista y lo hace creando situaciones claustrofóbicas resueltas con mano maestra. Si, la película acojona y da mal rollo, pero también está extraordinariamente filmada y ofrece algunos de los momentos de terror puro más brillantes que haya visto últimamente. Si, la película es claustrofóbica y, a pesar de ofrecernos pocas sorpresas y ser muy evidente las motivaciones de la asesina, nos mantiene en tensión durante sus 90 minutos de duración. Eso, por no mencionar los cojonudos efectos especiales y la inmensa cantidad de gore que, sin ser demasiado explícito, esta pensado para atacarnos directamente a las vísceras.
El problema, el gran problema de la película es que tiene un final que es una absoluta castaña. No quiero desvelar nada, pero los últimos diez minutos son indignos de la película y dejan un mal sabor de boca considerable. Lastima que no hayan sido capaces de ofrecer un final más creíble y se hayan dejado llevar por un gran guiñol absurdo.

LO MEJOR: Su capacidad para generar tensión.
LO PEOR: El final: una castaña

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lunes, 15 de septiembre de 2008

LADY TERMINATOR



SINOPSIS: Una arqueóloga especializada en leyendas marinas, busca los restos de una malvada bruja conocida como la Reina de los mares del sur. Tras verse arrastrada por la corriente marina, va a parar a una cueva en la que es poseída por el espíritu de la bruja. Una vez en tierra, esta mujer tendrá un sólo propósito: acabar con la vida de la descendiente de la persona que acabó con su reinado de terror y, a la vez, recobrar un talismán que le dará poder infinito. la muchacha recorrerá las calles de Yakarta sembrando el terror y el caos.

COMENTARIO: Mi amigo Rodrigo, cuyo ingenio está fuera de toda duda, me dijo un día una frase que viene al pelo para encabezar el comentario de esta película: "Los orientales son muy constantes pero no tienen nada de imaginación". Y digo que viene al pelo por que esta película es la pura representación visual de esa idea. Y es que Lady Terminator no es más que la versión Indonesia del primer Terminator de James Cameron, pero cambiando a Arnold Schwarzenegger por una mujer, la ciencia ficción por la brujería, la creatividad por la copia barata y unos efectos especiales resultones por la mayor cantidad de caspa que uno pueda llegar a imaginarse.
Lady Terminator es un calco (en algunos momentos literal) del primer Terminator, pero con el protagonismo de una fémina que se pasa media película en pelotas y la otra media matando a todo cristo que se le pone por delante. Y es que a la peliculita hay que verla para creerla. Actores infames (cotilleando la ficha del Moviedatabase he visto que para la mayor parte de ellos su carrera empieza y acaba con esta película... afortunadamente), efectos de risa (pero de descojonarse), situaciones imposibles, gore a toneladas y la cutrez elevada a la enésima potencia. vamos, una de esas películas imposibles provenientes de cinematografías tercermundistas que de vez en cuando podemos disfrutar algunos aficionados a las experiencias extremas.
Aunque no lo hago nunca, os cuelgo un e-link para que os la podaís bajar y ver por vosotros mismos como es esta versión femenina de la película de James Cameron. No os arrepentireís.

LO MEJOR: La absoluta falta de vergüenza ajena del director
LO PEOR: Todo

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lunes, 8 de septiembre de 2008

FAST FOOD NATION



SINOPSIS: Don Henderson, un ejecutivo de una importante cadena de restaurantes de comida rápida, tiene un problema: la carne de las hamburguesas más famosas de la empresa está contaminada, y él tiene que averiguar por qué. El descubrimiento de la respuesta no será tan simple como él había esperado. En su camino se cruzará con otros personajes que también viven con de la comida rápida.

COMENTARIO: Fast Food Nation es una de esas películas que, lamentablemente, pasan sin pena ni gloria por las carteleras nacionales. Y digo que es una lástima por que este es uno de esos productos que, sin ninguna duda, nos hacen pensar, nos remueven la conciencia y nos muestra una realidad que, por cruda, no deja de estar ahí.
La película narra varias historias paralelas de personajes que viven por y para la comida basura. Nos damos cuenta de que este es un negocio descomunal, un negocio cargado de desaprensivos, explotadores y personas sin escrúpulos cuya única religión es el dinero. Todo ello esta rodado con gracia y talento por el realizador Richard Linklater que sabe dosificar las apariciones de los distintos personajes y crear un fresco en el que todo tiene sentido. Se nota, y mucho, que los actores han trabajado en el proyecto por que creían en el, por que les apetecía hacer una película diferente y que llamara la atención sobre un tema tan polémico como es el de la alimentación en los Estados Unidos. Sólo así se entiende que con un presupuesto tan escaso, se haya conseguido reunir a actores de la envergadura de Bruce Willis, Greg Kinnear, Patricia Arquette, Avril Lavigne, Luis Guzmán o Ethan Hawkwe.
Aunque en su media hora final la película cojea un popco y cae en un tremendismo algo excesivo, lo que nos muestra (y como lo hace) nos impactará de tal manera que, a buen seguro, se nos quitarán las ganas de volver a entrar en un Mc Donalds o similares. Palabrita.
LO MEJOR: El sentidfo del humor con el que se toma un tema tan serio.
LO PEOR: Un final un poco excesivo
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miércoles, 3 de septiembre de 2008

FRONTIÈRE(S)



SINOPSIS: Francia en un futuro cercano. La ultraderecha está a punto de ganar las elecciones y las calles se han llenado de disturbios. Un grupo de tres musulmanes aprovechan el desconcierto para robar un banco y pagar con ello el aborto de Yasmina, la novia de uno de ellos. En la huida llegan cerca de la Fontera con Alemania donde van a parar a casa de una extraña familia de caníbales que les harán vivir un infierno.

COMENTARIO: En los últimos años el cine fantástico francés y español están viviendo un momento francamente interesante. Lo más curioso de todo es que ambas cescuelas han optado por estilos totalmente distintos: mientras nosotros nos decantamos más hacía un cine de claras reminiscencias góticas (ahí esta El Orfanato, Los Otros o la obra de Jaume Balagueró para demostrarlo) cargado de elementos sobrenaturales, los galos han optado por un estilo mucho más extremo, en el que el terror se genera a partir de una violencia visceral, realista y dirigida directamente a las vísceras. Muy probablemente la obra que inauguró esta escuela fue Alta tensión (2003) de Alexandre Aja, una película que ofrecía una nueva lectura sobre el cine de asesinos en serie, partiendo de una historia angustiante que se sustentaba en una cuidada puesta en escena y un malsano interés por ofrecer escenas tan truculentas como bien filmadas. Esta tendencia se ha ido manteniendo y en el año 2007 se estrenaron dos películas que llevarían estos conceptos hasta el extremo: A l'interieur, de la que hablaremos mañana, y esta Frontière(s) que ahora nos ocupa.
Digámoslo desde el principio: éste no es un film para estómagos sensibles. La cinta nos explica las vicisitudes que viven un grupo de chicos que caen en manos de una enloquecida familia de matarifes neonazis y caníbales que les hace vivir una pesadilla dantesca. La película destila sangre, torturas, violencia y sadismo en cantidades industriales, pero todo ello cocinado a partir de una cuidadísima planificación visual y un trabajo de puesta en escena que, por extraño que parezca, logra cautivarnos hasta extremos inimaginables. A la película le han acusado, y con razón, de ser una fotocopia actualizada de La matanza de Texas de Tobe Hooper. Pero yo creo que el realizador Xavier Gens era plenamente consciente de ello, ya que lo que probablemente buscaba era reformular el discurso de la primera (centrado en retratar las particularidades de la América profunda) y centrarlo en una Europa (también profunda, que haberla ahila) cada día más desorientada, multicultural, egocéntrica e intolerante.
Una película violentísima, con momentos escalofriantes y que nos sabe mantener en tensión durante sus más de 100 minutos de duración. Muy recomendable. Eso si, lo dicho, estómagos sensibles absténganse.

LO MEJOR: Su atmósfera
LO PEOR: Toma demasiadas ideas prestadas de La matanza de Texas.

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lunes, 1 de septiembre de 2008

HELLBOY 2: EL EJÉRCITO DORADO



SINOPSIS: Tras la ruptura de un acuerdo milenario entre la humanidad y los poderes invisibles de un mundo fantástico, el infierno en la Tierra está cada vez más cerca. Un líder despiadado, que se maneja tanto en el mundo de los humanos como en el de las criaturas, decide traicionar a sus ancestros, y despierta a un ejército imparable de criaturas diabólicas. Ahora, en este momento de debilidad, Hellboy y sus compañeros deberán combatir contra el imparable líder y su ejército.

COMENTARIO: Lo reconozco desde el principio: me lo he pasado absolutamente bomba con esta película. Si, no hay que negar que como han señalado sus críticos la historia es muy floja y el argumento de un simplismo sonrojante. Pero es tanta la imagineríaa visual que utiliza Guillermo del Toro, tan grande la imaginación que demuestra en todo el metraje, su capacidad para sorprendernos con seres increíbles y mágicos, tan afinada la puesta en escena, que uno no puede apartar la vista de la pantalla durante casi dos horas de metraje que pasan como un suspiro.
Hellboy es un personaje surgido de la febril imaginación del extraordinario autor de cómic Mike Mignola. Publicado por la editorial Dark Horse a mediados de los noventa, la obra nunca llegó a ser un superventas pero enseguida logra acumular una legión de fans que han seguido fieles las aventuras del personaje. A mi personalmente Hellboy cómic siempre me han parecido tebeos extraordinariamente dibujados, con un diseño de personajes increíble pero con unos guiones flojitos, precipitados y poco elaborados.
Ese es, paradójicamente, el principal problema de la película: su inconsistencia. Uno verá referencias a El señor de los anillos, Men in Black y otras tantas películas. Pero lo cierto es que el director es capaz de trascender la escasa consistencia de la historia con un espectáculo visual impactante, unos personajes carismáticos y terriblemente divertidos y un diseño de personajes con el que es imposible no quedar maravillado.
En resumidas cuentas: un entretenimiento de primera magnitud para disfrutar sin prejuicios.
LO MEJOR: El diseño de personajes
LO PEOR: La historia
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viernes, 22 de agosto de 2008

EL DIA DE LA MADRE



SINOPSIS: Tres jóvenes amigas planean una tranquila excursión de fin de semana en el bosque, pero todo se complica terriblemente cuando conocen a Madre y sus dos adorables hijos. Arrastradas hasta una casa aislada, donde son atacadas y torturadas, las tres amigas deberán luchar para sobrevivir. Los aparatos de la cocina se convierten en fantásticos medios para mutilar a las inocentes víctimas.

COMENTARIO: En 1980 un servidor tenía 10 años. A esa tierna edad yo no sólo era muy impresionable, como todos los niños, sino que ya empezaba a notar el gusanillo de la cinefilia por mis venas. Por ello, todavía recuerdo el impacto que me causó ver el cartel de El día de la madre en una marquesina de un céntrico cine de mi ciudad. La cara medio deformada de una señora que aguantaba una cabeza sobre su regazo, los dos gañanes armados que tenía detrás suyo, la enorme "S" (para los no iniciados diremos que era una clasificación que se inventaron durante la transición para calificar las películas cuyo contenido "podía herir la sensibilidad de los espectadores") que decoraba el cartel. Yo quería ver esa fascinante película, tenía que saber que encerraba ese terrorífico cartel dentro de sus fotogramas.
Pude ver la película bastantes años después y me decepcionó considerablemente. Entonces me topé con una película cutre, mal hecha y sumamente aburrida. Imagino que me decepcionó tanto que la olvidé con toda la rapidez del mundo. No era más que un gore más que estaba a años luz de cintas como Pesadilla en Elm Streat o Reanimator, que eran los productos que marcaban tendencia a finales de los años ochenta.
Veinte años después, y tras leer en innumerables fancines y libros sobre el género, la condición de film de culto de la película, he decidido rememorar viejas nostalgias y visualizarla de nuevo en una de esas noches ociosas de verano. Y el resultado ha sido algo distinto
El día de la madre es una película que ha envejecido fatal, que no puede ocultar su pírrico presupuesto y sus escasas pretensiones artísticas, que, por no ser, no es ni excesivamente gore ni violenta. Vamos, que hoy en día hay cientos de películas pensadas para chicos de 13 años que dan sopas con onda, en cuanto a sangre y casquería, a este título. Pero he de reconocer que la película de Charles Kaufman tiene su coña, que su guión, aunque previsible, tiene un cierto interés por retratar la psicología de los personajes y que contiene un cierto discurso crítico sobre esa fenómeno tan inexplicable que sólo pueden lograr hacernos sentir las madres y que se conoce con el nombre de culpabilidad.
El día de la madre es un producto muy característico de su época, una película de culto que, dejando de lado sus escasas intenciones artísticas, la hemos de observar como la curiosidad que realmente es.
LO MEJOR: La descripción de los personajes
LO PEOR: Lo cutre que resulta todo
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jueves, 21 de agosto de 2008

CÁNDIDA



SINOPSIS: Cándida, una asistenta que ha pasado la edad de jubilación, aprovecha el duro trabajo diario para practicar lo que más le gusta: ser amable con los demás. Y eso aunque la sombra de la tragedia no deje de perseguirla y sus hijos se empeñen en arrastrarla al infierno, ella sabe que la felicidad se juega en un frontón imaginario donde lo que das te viene devuelto. Filosofía que terminará contagiando a Pablo, un periodista televisivo cuya vida gira obsesivamente sobre su trayectoria profesional.
COMENTARIO: Reconozco que no soy un gran seguidor de los Gomaespuma. Aunque lo poco que he visto y oído de ellos me ha hecho siempre bastante gracia, los horarios de sus programas han motivado que me resultara casi imposible hacerme seguidor incondicional y, con ello, conocer sus códigos internos y obsesiones particulares. Ello, empero, no quiere decir que no reconozca su sentido del humor surrealista, su capacidad para hacer un humor tierno (de ternura) a partir de personajes sencillos (que no simples) y entrañables, sus inteligentes juegos de palabras, su originalidad.
Cándida es un producto que refleja a la perfección el espíritu de Gomaespuma. Su director Guillermo Fesser ha sabido trasladar imágenes esa particular forma de entender la vida y nos ofrece una historia agridulce protagonizada por uno de los personajes más dulcemente bizarros, tiernos y estrafalarios de nuestra cinematografía. La vida de Cándida es la de muchas mujeres que viven en los extrarradios más marginales de las grandes ciudades: mujeres curtidas por la vida y las circunstancias que nunca lo han tenido fácil, que han tenido que sufrir innumerables contratiempos y que siempre han sabido mirar adelante y hacer frente a todo lo que el puñetero destino a tenido a bien presentarles. Si la historia de esta Cándida cayera en manos de un por ejemplo, Fernando León, esta hubiera sido una película social, un film de denuncia en el que se pondrían en solfa todas las mierdas, que las tiene y muchas, de nuestro sistema. Incluso, y permítanme que destape mi poco aprecio por el realizador de Los lunes al sol, se hubiera hecho bastante demagogia.
En cambio, en manos de Fesser esta es una película tierna que, sin renunciar a retratar una realidad cruda e inmisericorde, trata a los personajes, a todos ellos, con ternura, respeto y sentido del humor. Esta es una historia de pobreza y necesidad, pero también una historia que demuestra que las personas estamos por encima de todo, tenemos derecho a equivocarnos, a ser decentes y, sobretodo, a merecer el respeto de todo el mundo. Con un humor agridulce y unos personajes entrañablemente estrafalarios, el director ofrece un ejercicio de justicia poética con una buena mujer a la que la vida le dió muy malas cartas. Con sus fallos, que los tiene, y un final algo impostado, su mayor defecto, la cinta es una muestra de que las miserias sociales se pueden tratar desde el humor y el respeto.
LO MEJOR: Cándida, un personaje increible.
LO PEOR: Un final un poco autocomplaciente.
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martes, 19 de agosto de 2008

UNA GOTA DE SANGRE PARA MORIR AMANDO





SINOPSIS: Una serie de crímenes aterroriza a la ciudad mientras Ana, enfermera, prodiga sus cuidados a los pacientes del Gran Hospital. Un día, David, un joven delincuente, descubre casualmente que Ana es la autora de los crímenes de los que siempre son víctimas jóvenes con problemas a los que ella cree liberar de su enfrentamiento con la sociedad.

COMENTARIO: Esta es una de las películas más extrañas, incalificables y curiosas que ha dado la cinematografía española en toda su historia. Dirigida por el incalificable Eloy de la Iglesia, con guión, entre otros, de el propio De la Iglesia y José Luís Garci, producción del inefable José Frade y la interpretación de la Lolita de Kubrick Sue Lyon y Christopher Mitchum, hijo del histórico Robert Mitchum y un señor que ha pasado su carrera entre series B y Z.
El caso de su director es realmente curioso. Debutó en el mundo del cine en 1966 con una película infantil llamada Fantasía 3. A partir de ese momento, dirigió una serie de extraños e interesantes títulos, violentos pero con una cierta intención de crítica social, que siempre nadaban entre el delgado filo que separa la originalidad, la caspa, la provocación, la psicotronía y el cine de explotación más descarado. De esta época son la increíble La semana del asesino o esta Gota de sangre que ahora nos ocupa.
Su siguiente etapa la proporcionan una serie de películas de marcado carácter erótico que, con la excusa de mostrar temas polémicos como la homosexualidad o la política, eran vulgares excusas para enseñar teta y culo a granel. El Diputado o Los placeres prohibidos serían muy representativas. A partir de los ochenta, De la Iglesia empieza a hacer un cine de denuncia social en el que retrata la vida de delincuentes, navajeros y drogadictos en la deprimente España de la época. Sus dos cintas más conocidas de entonces son las dos partes de El Pico.
Tanto se metió el director en este tipo de cine que en 1987, tras dirigir la Estanquera de Vallecas, desaparece del mapa a causa de su adicción a la heroína y a los jovencitos marginales. Muy deteriorado físicamente reaparece en el año 2003 con Los novios búlgaros, para morir poco después a los sesenta y dos años de edad.
La película que nos ocupa es un curioso intento por aprovecharse del éxito internacional de La naranja Mecánica de Kubrick desde un punto de vista muy particular. Aquí nos encontramos también con un grupo de jóvenes que cometen atrocidades y con un proyecto estatal para rehabilitar a los delincuentes, pero todo ello se mezcla con la historia de una enfermera que asesina a jóvenes sin futuro y porvenir con la idea de que les está haciendo un favor. Con este argumento, el resultado es una rareza entre lo Kitch, la explotación y un cine raro y personal que es, precisamente, su mayor atractivo. Esta no es una gran película, es una cinta rara y diferente que han de paladear todos aquellos aficionados a las rarezas. Destacar el curioso diseño de producción y alguna secuencia francamente brillante.
LO MEJOR: Lo diferente de la propuesta
LO PEOR: Ese cierto tono cutre del que no se puede desprender
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Lo siento, pero no lo he podido encontrar: sorry

EL CABALLERO OSCURO


SINOPSIS: Batman regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon y el Fiscal del Distrito Harvey Dent, Batman tiene como objetivo destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra ser eficaz, pero pronto termina siendo presa del caos desencadenado por una nueva mente criminal que los aterrados ciudadanos conocen como Joker.
COMENTARIO: El caballero oscuro es la película de la que todo el mundo habla. Las impresionantes recaudaciones que está logrando en todo el mundo, las entusiastas críticas tanto de los especialistas como del público en general y todos los elementos extracinematográficos que la envuelven (la repentina muerte de Heath Ledger como principal), la han convertido no sólo en la película del verano, sino en el acontecimiento cinematográfico del año. Y la pregunta es, ¿hay para tanto? ¿Es realmente esta nueva aventura de Batman la obra maestra indiscutible que muchos han querido ver? La respuesta no se antoja sencilla: Si, pero...
Dejémoslo claro desde el principio: El caballero oscuro es una extraordinaria película, un film impecable que sabe dotar a un producto comercial de una profundidad psicológica y emocional fuera de toda duda. Christopher Nolan ha manufacturado una película donde fundamentalmente se reflexiona sobre la figura del héroe a través de temas como son los estrechos límites entre el bien y el mal, las responsabilidades individuales, la libertad de elegir y, sobre todo, las renuncias a las que uno ha de hacer frente. Y todo ello lo hace de forma brillante y espectacular, incidiendo en los matices (algo muy poco frecuente el el cine comercial de hoy en día) y ofreciendo personajes plagados de grises que resultan absolutamente apasionantes. Y no sólo hablo de los principales, sino de algunos secundarios como Lucius Fox cuyas dudas morales resultan tan coherentes como ricas para entender el discurso global del film.
Mención a parte merecen las soberbias interpretaciones de todo el elenco, con un Ledger monumental, un Aaron Eckhart que no le va a la zaga y un Christian Bale que es el mejor Batman que uno podría imaginarse. Además, en una película donde aparecen como secundarios Michael Cane, Gary Oldman y Morgan Freeman, todos ellos admirados por mi, no puede desagradarme nunca. Ello por no hablar de la música (bellísima) los FX (sencillos pero perfectos) y el diseño de producción (parece que estás dentro de un cómic de Batman).
Después de leer mí comentario muchos se preguntarán, ¿Y donde demonios está el pero? No Voy a entrar en el absurdo argumento si está es o no una buena adaptación de un cómic de super héroes (algo que dejo para mis compañeros de Blogs dedicados a mi idolatrado noveno arte), pero si a reconocer que le sobran veinte minutos de metraje, que el personaje de Batman queda en algunas ocasiones diluido ante la fuerza de sus némesis y que algunos giros de guión son un pelín forzados.
De todas maneras, esta es una gran película, un entretenimiento superlativo y la muestra de que dentro del cine comercial se pueden tratar temas muy profundos con aparente sencillez.
LO MEJOR: La profundidad del guión
LO PEOR: La duración
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viernes, 25 de julio de 2008

OVEJAS ASESINAS



SINOPSIS: En una remota granja de Nueva Zelanda un científico está realizando un irresponsable programa de ingeniería genética que intenta crear la "oveja perfecta". Cuando un grupo de ineptos activistas medioambientales deja en libertad a un cordero mutante, miles de ovejas se convierten en depredadores sedientos de sangre cuyo objetivo es acabar con la raza humana.

COMENTARIO: Los neocelandeses hacen poco cine de terror, pero cuando se ponen a burros no les gana nadie. Así lo demostró el bueno de Peter Jackson, un director que antes de hacerse millonario con la saga de El señor de los anillos, dirigió algunas de las películas más gores y salvajes de la historia como Bad Taste o Braindead. No se si será por vivir en una isla, por la mezcla cultural que tiene o, simplemente, por que son unos cachondos, pero el fantástico de Nueva Zelanda tiene tela marinera.
Ovejas asesinas, ópera prima del director Jonathan King, es una de las mayores idas de olla que uno ha tenido ocasión de ver en mucho tiempo. Imagínense unas plácidas ovejas que, por un producto químico, se transforman en animales caníbales sedientos de sangre. La película tiene momentos inenarrables, situaciones que de puro absurdas te hacen troncharte de risa, un hombre oveja hippie demencial y gore a raudales. No esperen ni una gran historia ni terror del bueno: esto es un delirio divertido, sangriento y para ver con amigos y con la colaboración de esos cigarritos que nos dan tanta risa.

LO MEJOR: La absoluta falta de pretensiones
LO PEOR: Los actores son espantosos

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jueves, 24 de julio de 2008

HANCOCK



SINOPSIS: Hay héroes… hay superhéroes… y está Hancock. Un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Todo el mundo lo sabe. Todo el mundo, menos Hancock. Insatisfecho, atormentado, sarcástico e incomprendido, las acciones heroicas y bienintencionadas de Hancock cumplen su objetivo y salvan muchas vidas pero siempre provocan unos tremendos desaguisados. La población ya no puede más, y aunque está agradecida de tener a su héroe local, los buenos ciudadanos de Los Ángeles se preguntan qué es lo que han hecho para merecer a este tipo. Un relaciones públicas intentará lavar su imagen.

COMENTARIO: Will Smith es el tipo más listo de la clase. Tras el éxito logrado con la televisiva El Príncipe de Bel-Air, decidió dar el paso a la pantalla grande y controlar su carrera al milímetro. Tras participar en títulos como Made in América o Seis Grados de separación, películas pequeñas donde también demostró que era un buen actor, trinfó con Dos policías rebeldes. Es en ese momento cuando, a diferencio de algunos contemporáneos suyos, es consciente de que para ser el más grande hacen falta dos cosas: elegir los proyectos con sumo cuidado y no saturar al público. Así, decide que sólo hará una película al año y que está será un producto comercial digno y con un cierto toque de calidad. Y la fórmula no le ha ido nada mal ya que desde mediados de los años noventa sus películas dan dinero, gustan y, hoy por hoy, está considerado el actor más rentable de Hollywood.
Hancock se adapta plenamente a la fórmula seguida con acierto por Smith. Es un película comercial, pensada para ser estrenada en verano, con un presupuesto importante pero, a la vez, tiene los suficientes toques de calidad como para no ser considerada el típico producto de acción sin alma ni sustancia. Hancock no es una gran película, ni siquiera una buena película; pero tiene los elementos suficientes como para hacerla interesante y, lo que es más importante, atractiva para el público.
Lo que más sorprende de la cinta es lo atípico de su propuesta. Hancock ni es un drama, ni una comedia, ni una cinta de superheroes al uso, ni un film de acción... ni siquiera una película de catástrofes. Hanccok no es nada de eso pero, por paradójico que parezca, lo es todo a la vez. La película tiene gags, escenas dramáticas, peleas entre super tipos, destrucción de edificios, tiros, pero todo está integrado en un conjunto francamente atípico que, al menos al que esto suscribe, le pareció muy interesante. Creo que, aunque fallida, los productores han intentado ir un poco más lejos y ofrecer un espectáculo donde los personajes tienen presencia, las interpretaciones están cuidadas (Charlize Theron está fantástica en todos los sentidos de la palabra) y la historia intenta ofrecer unos toques de drama, emoción y dignidad encomiables.
Si, de acuerdo, la historia cojea, la trama es algo insulsa y, a lo mejor, falta algo de acción. Pero creo que hay que aplaudir el esfuerzo de Smith por ofrecer un cine comercial que, cuanto menos, resulta digno y no insulta la inteligencia del espectador.

LO MEJOR: Es una película atípica para la bueno.
LO PEOR: Falta algo de épica

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miércoles, 23 de julio de 2008

SEXO EN NUEVA YORK



SINOPSIS: Adaptación de la popular serie de televisión Sexo en Nueva York. La película contesta a todas las preguntas pendientes: ¿Carrie y Mr.Big finalmente decidirán contraer matrimonio? ¿Podrá Samantha sentirse realmente satisfecha con un sólo hombre? ¿Conseguirá Charlotte quedar embarazada alguna vez? ¿Serán Miranda y Steve realmente felices para siempre?. Lo veremos a lo largo del film.

COMENTARIO: He de reconocer que no soy un seguidor fiel del Sexo en Nueva York televisivo. De las seis temporadas emitidas, habré visto unos veinte capítulos, lo que me ha dado una idea bastante aproximada de una serie pensada para un tipo de público muy concreto (mujer, urbana, entre los veinticinco i los cuarenta i cinco, de clase media-media alta, ¿sexualmente liberada? -permítanme los interrogantes- e interesada por la moda. Por cierto, al target potencial de público también hay que unirles los gays) que es, precisamente, el que abarrotaba la sala barcelonesa en la que vi el film y reía con las ¿gracias? y ¿desgracias? -permítaseme de nuevo los interrogantes- de las protagonistas del film.
La serie tenía su encanto, no lo voy a negar. Los diálogos eran ágiles e irónicos, se retrataba con bastante acierto distintas tipologías femeninas y lograba presentar mujeres que, pesé a su altísimo estatus social, le ofrecían al público un espejo en el que reflejarse ya sea por acción (en el menor de los casos) o por omisión (en la inmensa mayoría de ellos). Y es que siempre nos gusta lo que no tenemos. Somos así de raros.
La película no tiene ni una de las virtudes de la serie y si todos sus defectos. El resultado de todo ello es un producto infumable de un metraje excesivo, con situaciones típicas, tópicas y previsibles y donde el sexo del título, que era uno de los atractivos de la serie, brilla por su ausencia. Aquí todo es políticamente correcto, los gags son terriblemente vulgares y en algunas ocasiones, como toda la parte dedicada a la asistente interpretada por Jennifer Hudson, la película parece pensada más para adolescentes de catorce años que para mujeres maduras e independientes. Y paro: no me hagan ser malo, por favor.
Dejo de lado las horrorosas interpretaciones (sólo se salva de la quema Kim Catrall que es, con diferencia, lo mejor de la película), lo pobre del argumento, lo escaso de los gags, la poquísima profundidad emocional que se le da a los personajes (el conflicto entre Miranda y Steve daba muchísimo juego y hubiera permitido indagar en el apasionante tema de las renuncias personales en el mundo de la pareja), lo que más molesta de la película es esa oda a la superficialidad, esa casi insultante muestra de lujo, marcas, tiendas y bares de moda. Y ojo, que no lo crítico; únicamente me abruma. Sexo en Nueva York, al final, es sólo eso: un catálogo de cosas caras, vacío, superficial y sin alma. Algo que, por lo que yo vi, si tenía la serie.
Tendré que ver de nuevo Los lunes al sol para desintoxicarme de tanto lujo.

LO MEJOR: Kim Catrall
LO PEOR: Lo superficial que resulta todo

TRAILER